Presentación

Amantes de mundos fantásticos, bisoños aventureros en busca de tesoros, criaturas de la noche, princesas estudiantiles y fanáticos de cachas de postín, ¡sed bienvenidos!. Invitados quedáis a rebuscar en nuestra colección de VHS, acomodar vuestras posaderas en una mullida butaca, darle al play, y disfrutar de lo bueno, lo malo y lo peor que dieron estas décadas.

ADVERTENCIA: Aquí no se escribe crítica cinematográfica (ni se pretende). Las reseñas son altamente subjetivas y el único objetivo es aprender y disfrutar del cine y, por supuesto, de vosotros.

Rojo Oscuro (1975- Darío Argento) Profondo Rosso.


ROJO OSCURO (PROFONDO ROSSO).1975.

 

Hoy quiero comenzar un ciclo sobre el maestro y genio italiano Dario Argento.
 
 Escribiré y desgranaré algunas de sus obras más importantes dentro del subgénero italiano conocido como cine Giallo.
 
 Para empezar nada mejor que una de sus obras más conocidas, respetadas y veneradas por los fans del género giallo y de su posterior transformación al género slasher.

Rojo Oscuro fue realizada en 1975. La dirección y el guion corren a cargo de Dario Argento y la música, de la cual hablaremos más adelante, a cargo de Girogio Gaslini y del grupo de rock Progresivo italiano Goblin.


 

Antes de hablar de la película en sí, quiero comentar algo sobre el género giallo (del cual me considero fan), este género cinematográfico surge a raíz de unas novelas italianas de argumento policiaco y detectivesco con una mezcla de literatura Pulp y el thriller americano. Al trasladarse al cine, se convirtió en un género casi de serie B con tintes gore, sexo y mucho del cine gótico italiano. El giallo adoptó muchos tópicos para diferenciarla de otros géneros. Casi siempre usaba repetitivamente unos argumentos algo similares, en los que un asesino implacable y despiadado comienza a cometer horrendos asesinatos. Y un protagonista debe de hacer las labores de detective para tratar de esclarecer los crímenes. Normalmente no se ve al asesino hasta el final, mostrándonos falsas pistas durante toda la película. Como mucho se nos muestra o unos guantes, o unos zapatos o cualquier parte o indumentaria del asesino, pero su identidad no es  aclarada hasta justo el final de la película. Por norma general es un final explosivo, sorpresivo y sangriento. Argento, por decirlo de algún modo, fue el sucesor de Mario Bava, que es otro de los grandes exponentes del Giallo.
Aquí os dejo un enlace a mi artículo sobre Giallo:

 

 

 

Argumento:

En las primeras escenas presenciamos lo que es un supuesto crimen mientras suena una canción infantil (School at night de  Giorgio Gaslini). La escena acaba con un cuchillo ensangrentado que cae a los pies de una figura infantil.
 

En las siguientes escenas se nos muestra una especie de charla a cargo de una especie de médium. La cual dice que puede percibir lo que la gente piensa en el momento. En ese mismo teatro la médium parece sintonizar mentalmente con una mente criminal que se haya ahí en ese mismo momento. La persona en cuestión parece darse por aludida y se levanta para irse.
 

Tras la charla de la médium aparece en la película el que será el protagonista, que no es otro que un pianista inglés. Tras una charla con un colega que parece algo borracho, él es testigo de cómo se comete un asesinato. Ve a través de una ventana como la médium es asesinada. El pianista, que es vecino de la víctima, corre para auxiliarla, pero al llegar a la escena del crimen sólo logra encontrar el cadáver de la mujer y ve por la ventana como una persona en gabardina se aleja de la escena del crimen.
 

El caso es que este pianista, al parecer, tiene vocación de detective, y con la ayuda de una periodista local intenta averiguar que pasó y cuál es la identidad del asesino.
 

Antes de cada crimen, el director nos va mostrando distintos objetos que parecen juguetes infantiles para acabar  con objetos para asesinar, todo ello aderezado con la inquietante y agobiante música de Goblin.

Del asesino en cuestión sólo sabemos unos pocos aspectos o pistas, que siempre hace sonar la dichosa canción infantil, sus ojos exageradamente pintados de negro, una gabardina y unos guantes negros.

Durante toda la película va cometiendo sus atroces asesinatos mientras el pianista va acercándose encontrando pequeñas pistas con la ayuda de la periodista. Él mismo es acosado por el asesino en su propia casa. Argento intenta jugar al despiste con el espectador creando pistas falsas o falsos culpables, lo que hace que no se conozca la identidad del asesino hasta justo el final de la película, como buen Giallo.

 

Supongo que mucha gente que lea este artículo conocerá la película, pero espero también que haya mucha gente que no y que tras leerlo se anime, así que no quiero hacer spoiler y no voy a contar ni como acaba ni quien es el asesino o asesina, ya que es uno de los grandes valores de este tipo de cine.

Ahora quisiera escribir sobre otros aspectos de la película a parte del argumento. Para mí es una joya imprescindible, tengo que decir que soy un super fan del género de terror y en especial del slasher, y como muchos sabéis, el giallo, de algún modo es precursor del subgénero conocido como slaher.

La cinta me encanta en su conjunto, es una obra de arte magnífica e imprescindible. A parte de ser un Giallo 100%, en ella podemos ver referencias al maestro Hitchcock. El genial uso de primeros planos mezclados con travellings y la genialidad de meter muchos planos con cámara subjetiva, lo que hace meternos muy profundamente en el ambiente de la historia. Como buen Giallo, lo de menos es la historia y un guion más bien pobre y previsible, esto será un sello en la gran mayoría de giallos, lo que verdaderamente da valor a esta película es la ambientación. Por que como se puede observar no es una obra en la que los actores hagan grandes interpretaciones, más bien todo lo contrario. Las actuaciones son bastante mediocres, a veces con conversaciones y situaciones  bastante surrealistas. La manera de meter al pianista como protagonista para hacer que investigue, y de la presencia extraña y casi testimonial de la policía en toda la cinta. Tampoco vemos mucho cuidado en el montaje, se pueden observar varios fallos de raccord, y algunas escenas en las que los extras o figurantes dan mucho que pensar, ya que no se sabe muy bien que pintan ni en la escena ni en la película.
 

 Como ejemplo dejaré esta pequeña muestra de escenas que lo corroboran:
 

Lo bueno, lo grande y lo que engancha de esta gran película es la mezcla vertiginosa de primeros planos, planos subjetivos, planos generales tomados de forma nada convencional. El uso de componer las escenas como si fueran unos lienzos de pintura, con multitud e infinidad de detalles, el buen y acertado uso de colores.

En su época fue una película arriesgada y que rompió moldes, algo inverosímil para esos años era mostrar una relación homosexual y travestida.

La música, que decir de ella. Es única, es genial y es un acierto total. Desde la canción infantil a todos los temas de Goblin. Cada aparición del asesino es refrendada con una música que encumbra la escena para darle mayor dramatismo y suspense. Además es una música original y vanguardista, que, por decirlo de algún modo, rompió moldes. Ni que decir tiene que es un pilar fundamental de la película, sin esta música la cinta no pasaría de ser una película corriente y algo cutre, pero ahí estuvo el gran acierto de Dario Argento.

A día de hoy es una cinta de culto total, yo la  recomiendo totalmente, no defraudará a los amantes del terror clásico en general y al Giallo en particular. Una obra culmen e imprescindible en la carrera del señor Argento.

 

Ficha Técnica:

Direccion;        Darío Argento.

Guion;              Dario Argento.

Producción;     Dario Argento y Salvatore Argento.

Fotografía;       Luigi Kuvellier.

Montaje;           Franco Fraticelli.

Música;            Giorgio Gaslini y Goblin.

Protagonistas; David Hemmingngs, Daria Nicolidi, Gabrielle Lavia,      Macha Méril, Eros Pagni, Giulana Calandra y Piero Mazzinghi.

Nacionalidad;  Italiana.

Género;           Giallo.

 

 

Bueno, mi próximo artículo será sobre otra gran película del maestro Argento, será sobre Suspiria de 1985.
 
 Espero que os haya entretenido y como siempre digo, ¡Viva el CINE!.

 

 

Benjamín Carretero Montes.

Star Trek III, En busca de Spock (Star Trek III, The search of Spock, Leonard Nimoy, 1984)



Ochenters, nos hemos percatado de en la serie de reseñas sobre las pelis de Star Trek, nos habíamos dejado por el camino nada menos que En busca de Spock, así que vamos con ella.
Por entonces, Leonard Nimoy atravesaba por una etapa de desapego con el personaje que le había encumbrado y le había convertido en un icono a nivel mundial. No quería verse encasillado o siendo objeto de mofa en espacios de humor como el ácido Spitting Image de la televisión Británica. Estaba reciente la publicación de su primera autobiografía con el revelador título de “No soy Spock”, en la que reivindicaba el resto de su carrera artística y sus cualidades interpretativas más allá de las orejas de goma de Star Trek, sobre todo en los años setenta tanto en cine, teatro o televisión.

LEONARD NIMOY EN LA SILLA DEL DIRECTOR
         Mucho se ha escrito sobre ese desapego de Nimoy por su personaje: que estaba harto de Star Trek y exigió por contrato que muriera su personaje en “La ira de Khan”, que si no volvería jamás a ponerse las orejas de vulcaniano, que si Paramount le ofreció la silla del director para que volviera… En su posteror y definitivo libro de memorias “Yo soy Spock” , Nimoy lo niega todo, y ofrece su propia versión: fue él mismo quien se propuso para dirigir la tercera entrega, y los directivos de Paramount, entonces encabezados por Michael Eisner, el que luego sería presidente de Disney, se mostraron encantados con la idea, y, una vez más, Harve Bennet escribiría el guión, toda una garantía.
         Su compañero y amigo Bill Shatner, mucho más prosaico y desenfadado, reconoce en sus memorias ese desapego temporal de Nimoy con su personaje, pero que Star Trek iba tan lanzada en los ochenta, que, si no hubiera seguido Leonard Nimoy, los de Paramount hubieran puesto a otro diciendo “este es ahora Spock”, así que había que continuar.


EL ARGUMENTO
Tras el argumento único de “Star Trek, la película” y su relativo fracaso, el resto de los episodios iban a tener continuidad narrativa. Por tanto, para hablar de “En busca de Spock”, hay que retrotraerse al capítulo anterior, “La ira de Khan”. Recordemos: en el esfuerzo titánico por derrotar a su archienemigo por antonomasia, el capitán Kirk compromete al Enterprise hasta el punto de su destrucción total por sobrecarga en el reactor. Solo un miembro de la tripulación puede salvar a todos los demás: Spock, por su naturaleza vulcaniana tiene más resistencia a la radiación que los terrestres, “el bien común es más importante que el bien de unos pocos… o el de uno solo”. Por ello, se ofrece para entrar en el reactor y salvar la nave, pero queda atrapado en el interior y, en una de las escenas más emotivas de la serie de películas, y, podríamos decir, de todo género de ciencia ficción, se despide a través del cristal de su capitán con la frase “he sido y seré siempre… su amigo”.

Sin embargo, hay un detalle de esa memorable escena que pasa desapercibido, pero que en las revisiones se detecta a la primera: poco antes de entrar en el reactor, Spock le susurra al oído al Dr. McCoy “recuerda” y le toca levemente el cuello con dos dedos.
Le ha transmitido su katra, su conciencia, antes de morir, ser expulsado y caer con su sarcófago en el recién nacido planeta Génesis. Al principio de “En busca de Spock”, Sharek, su padre vulvaniano, se presenta ante Kirk para exigirle que le entregue el katra para llevarlo a Vulcano. Esto coincide con el extraño comportamiento que empieza a manifestar McCoy, enloquecido, incoherente y repitiendo que esto o aquello “no es lógico”. Conclusión: el Enterprise debe volver a Génesis para recuperar lo que quede de Spock y poder reintegrar su katra.
Con este MacGuffin (recurso que sirve de hilo conductor a la historia) y unos inevitables klingons como malvados, Benett y Nimoy se pusieron manos a la obra con el guión y el reparto.


LOS PERSONAJES
         No repetiremos de nuevo la lista de “los siete magníficos” de la franquicia, aunque sí nos detendremos en alguno de los nuevos personajes de la película. Todos estaban muy contentos con el trabajo de Kristie Alley como la oficial vulcana, protegida de Spock, Saavik, en “La ira de Khan” y en esta entrega tenía también un papel destacado.
Sin embargo, por una negligencia de los abogados de Paramount, en su contrato para “La ira de Khan” no se había incluido la rutinaria cláusula de compromiso ante posibles continuaciones (algo habitual, sobre todo con actores noveles como era el caso), así que la joven actriz era libre de negociar de nuevo para esta película, y su agente se descolgó con una cantidad exorbitante que la situaba a la altura de estrellas como DeForest Kelley que llevaba diecisiete años en la franquicia.
         Se intentó negociar una rebaja, pero ni ella ni su agente cedieron, así que hubo que recurrir a otra joven actriz, Robin Curtis, que desde el principio encajó en el papel, y dejó al director Nimoy, al equipo y a los fans muy satisfechos.

Para el malvado de turno se recurrió al siempre solvente Christopher Lloyd, que, recordemos, por entonces no era todavía el famoso Doc de “Regreso al futuro” sino tan solo una estrella televisiva por su papel en la serie “Taxi”. Interpretaría al renegado comandante Kruge (un papel para el que también se barajó a Edward James Olmos), y, pese a los kilos de maquillaje, hace un trabajo impecable como el líder klingon que quiere robar el secreto del Génesis para su raza.
         Como curiosidad, otro de los klingon, el lugarteniente Maltz, lo interpretó un por entonces desconocido John Larroquette (Juzgado de Guardia, El pelotón chiflado).

           En el bando de los héroes repetirían personajes de la anterior entrega, como el amor de juventud del capitán Kirk, la belleza madura Bibi Besch, como la Dr. Carol Marcus (por cierto, impresionante el parecido que se buscó para la reciente “Star Trek, en la oscuridad” con la actriz Alice Eve), y el hijo de ambos, David, interpretado por el joven Merritt Butrick. 


Además, por exigencia del director y como luego sucedería en “Misión: salvar la Tierra”, cada personaje de la serie original, tendría un papel relevante en la historia y momentos de lucimiento. Aunque sin duda, el “momentazo” de la película es cuando Saavik da la noticia a Kirk de que su hijo ha muerto asesinado por el renegado Klingon en la superficie del planeta Génesis. Nimoy dio libertad a su amigo Shatner para plantear la escena, que, en principio, se iba a basar en el derrumbamiento psicológico del personaje, sin embargo, al echarse para atrás, el actor tropezó y cayó, pero se continuó rodando. La escena quedó tan redonda que se positivó tal cual e impresiono tanto a los directivos de Paramount como a los fans en los cines. Después de la escena, propia de un drama Shakesperiano, Leonard Nimoy, medio en broma medio en serio, le dijo  a su amigo: “Bill, ha sido impresionante, deberías dedicarte a la dirección.”

DOS INCIDENTES EN EL RODAJE
         La escena final de la película iba a ser un combate a puñetazos entre Kirk y Kruge en un planeta Génesis en destrucción. Como el presupuesto aguantaba, se montó un impresionante set con decorados móviles que tenían que simular enormes rocas inestables por las que los protagonistas saltaban en su lucha. William Shatner cuenta en sus memorias que, en los ensayos, las rocas estuvieron a la altura de la ambiciosa escena; sin embargo, a la hora de rodar, “en vez de caer estruendosamente, rebotaban flácidamente como enormes zurullos de fibra de vidrio”. La verdad es que en las revisiones, la secuencia rezuma aroma a cartón piedra barato, no así el resto de los efectos especiales, encargados de nuevo a la prestigiosa ILM de George Lucas, que han resistido bastante bien el paso del tiempo.

         El otro incidente, según cuenta también Shatner, ocurrió el penúltimo día de rodaje cuando se declaró un incendio en el plató que amenazaba no solo los decorados de Star Trek para el último día, sino otras producciones inminentes como la propia serie T. J. Hooker, en la que tenía que participar él mismo unos días después. Así que, ni corto ni perezoso, el capitán Kirk, vestido con el uniforme de la flota estelar, se fue a por una manguera y se unió a los operarios que combatían el fuego de tal forma que “conseguimos aplacar las llamas y cuando llegaron los bomberos, la batalla casi había terminado”.

         El rodaje concluyó el 15 de octubre de 1983, y la película se estrenó el 1 de junio de 1984, con una buena acogida de crítica y la nada despreciable cifra de recaudación de 76 millones de dólares.

Por Víctor Sánchez González


















Acción Jackson (1988- Craig R.Baxley) Action Jackson

1988, año cojonudo para el cine de los ochenta, si se me permite la expresión, sí cojonudo, porque tuvimos el estreno de la Jungla de Cristal, Están Vivos, El Oso, Bitelchús y esta joyita de la que os vamos a hablar hoy y de la que sólo puedo decir que me lo he pasado incluso mejor que cuando mi padre y yo fuimos a verla cuando se estrenó

Sinopsis:
El sargento Jericho Jackson ( Weathers) debe encargarse de una investigación en la que un mafioso llamado Peter Dellaplane ( Craig T.Nelson) , está liquidando a toda su competencia, para hacerse con el control del sindicato del transporte, en la ciudad de Detroit.
La película:
La película es un homenaje al género de Blaxplotation de los años 70 en toda regla, donde aquí los protagonistas son en su mayoría personas de color contra el villano hombre blanco. Weathers hace suyo el personaje y desde el principio, sabemos que es lo que va a pasar cuando nuestro fornido protagonista aparezca en escena, sí, va a pasar que vamos a tener hostias como panes y mucho humor.
Porque si algo caracteriza la película, es por tener unos diálogos descacharrantes que hacen que vale, tengamos acción, pero también que nos riamos un buen rato.
Ya el principio es una declaración de intenciones, cuando el primer miembro del sindicato es asesinado. Unos personajes que parecen fantasmas, aparecen y desaparecen cual ninjas se tratase para aniquilar a su primera víctima, bueno a sus dos primeras víctimas, que por ahí andaba la secretaria.
Pero oh sorpresa, de ninjas nada, son los Modern Talking, el padre de Blade, el clon de Mc Gyver y el otro.
Os juro que cuando ví al rubiales, pensé que iba a empezar a sonar la de Brother Louie, pero no, menos mal porque ya nos vamos a la luz del día de Detroit  para adentrarnos en el territorio Jackson y la presentación del sargento nos la hacen dos de sus compañeros con frases que le sueltan a un barriobajero como: "Le damos sedantes de elefante sólo para que se calme" o "algunos creen que nunca tuvo madre, que fue creado por la NASA para ser el primer hombre en la Luna sin traje espacial".
Y en la comisaría vemos por primera vez la imponente figura de Jackson, haciendo el rol de poli defenestrado y recibiendo la típica charla de su jefe Earl Ambrusster ( Bill Duke), del cual por un momento pensé que iba a lanzarse a escupir improperios por esa boca, pero no, muy calmado el hombre (acojona incluso calmado), le pide al Jackson que acuda en nombre del cuerpo a una gala en honor al empresario del año...adivinan: exacto Peter Dellaplane, quien por cierto es el causante de que hayan degradado a Jackson por casi romperle el brazo (que más da si aún le queda otro, le espeta Jackson a su jefe) al encerrar al hijo de éste por ser un depredador sexual.

De aquí nos iremos a la gala, donde embutido en un esmoquin, dos tallas más pequeño para así marcar brazo hercúleo y pecho palomo, nuestro robusto sargento pone a caer de un burro al señor Dellaplane sin saber que a quien se lo está diciendo es ni más ni menos que la mujer del susodicho, personaje encarnado por una jovencísima y guapísima Sharon Stone quien todo hay que decirlo, la usaron como mera mujer florero al igual que a la amante de su marido, la bella Vanity.
Meros floreros, porque sus escenas son meras muestras de carne y en el caso de Vanity al menos escuchamos su melodiosa voz de cantante, ya que en aquella época formaba parte una exitosa banda femenina: Vanity 6.

Una vez hechas las presentaciones de los personajes principales, la película fluirá entre frases lapidarias del calibre de : Esto está más vigilado que el coño de una virgen o ¿sabes volar?, volarás.
Y secuencias de acción salpimentadas con las apariciones de verdaderos cracks del cine de los ochenta como el tristemente fallecido Sonny Landham, haciendo de camello para Vanity y que interpreta una de las mejores escenas de la película, aquella en la que tras intentar cortar en rebanadas al sargento Jackson, éste lo arroja por la ventana de un segundo piso.
Y que decir de la aparición de uno de los mejores villanos de los ochenta, Robert Davi, en un corto papel de amigo de Jackson, con un aspecto totalmente demacrado y que sufre una de las muertes más sanguinolentas del film.
Y como no, si tenemos a un villano que practica artes marciales (penita que da el señor Dellaplane todo hay que decirlo), pues tendremos a dos joyas del cine marcial, uno para instruirle ,James Lew conocido por su papel en Golpe en la Pequeña China y como no, el chino que siempre la palma, es decir el gran Al Leong, aunque en esta película dura más de los habitual.


De las secuencias de acción, cabe decir que las que son cuerpo a cuerpo, fallan mucho, no dan, nunca mejor dicho, el golpe, aunque viniendo de un consumado coordinador de especialistas como era el director Craig R.Baxley es algo que extrañase a muchos en aquella época, si bien quedó claro que las desavenencias con el director fueron el pan de cada día en el rodaje, de ahí que las mejores secuencias sean las que ocurren con armas de fuego o principalmente en coches, como en la que Jackson  hace estrellarse mediante...¡ una voltereta en el aire! al coche conducido por el padre de Blade o la escena final, en la que conduciendo un flamante Popntiac rojo, Jackson lo conduce a través de la mansión de Dellaplane arrollando a todo lo que pille a su paso hasta llegar en el momento justo de salvar a Vanity de las garras, o mejor dicho de la aguja del villano.

Conclusión:
Vehículo de lucimiento para Carl Weathers que tuvo un notable éxito de taquilla, si bien la esperada secuela nunca se realizó, a pesar de que hay una película llamada Pasión peligrosa/1990  que se vendió como tal secuela.
Notable actuación de Craig T.Nelson y me quedo con la presencia de las dos bellezas Sharon Stone y Vanity, aunque remarcando que aquí son meros floreros como contrapartida al protagonismo de los dos hombres antes mencionados.
Merece la pena verla revisionarla o verla por primera vez, porque tiene un notable sentido del humor ( la escena en los billares es una locura, con los testículos de por medio, no digo más) y acción competente que hacen que la poco más de hora y media que dura se pase volando.
BBQ???

Bandas de los 80 aún en activo III: PET SHOP BOYS


Porque hablar de Pet Shop Boys es hablar de calidad y experiencia y, al ser uno de esos grupos irreductibles que aún perduran sin prácticamente decepcionar con su actividad, merecían pasar por esta sección musical.

Este dúo británico que debe su nombre a que ambos integrantes (Neil Tennant y Chris Lowe) tenían un amigo en común que trabajaba en una tienda de animales, en realidad se conocería en otro tipo de tienda, concretamente en una de artículos electrónicos y gracias a que Neil (el cantante) había comprado un teclado y no sabía cómo demonios conectarlo, necesitando de un adaptador especial. Volviendo al tema del nombre de la banda, decir que en un principio iba a ser "West End", y es que a Neil, a pesar de que su gusto tiraba algo más hacia lo clásico, le hacía gracia cómo sonaba pues parecía el nombre de un grupo de rap.

Ese gusto por la música clásica por parte de Neil (quien además de haber sido editor para Marvel Comics fue periodista y crítico musical en Smash Hits Magazine) no evitaría que el interés por el Dance fuera el punto de encuentro entre él y Chris Lowe (el maquinitas) y así, 5 años después de conocerse, vería la luz su primer disco "Please" (1986), cuyo nombre jugaba con la idea de que cuando la gente fuera a pedir "el disco de los Pet Shop Boys" a las tiendas añadiera "por favor". En "Please" se incluiría ese clásico (que rara vez falta en un recopilatorio comercial de los 80) llamado "West End Girls" (porque lo de "West End" había que usarlo sí o sí).

 

Sobre esta canción hay que anotar que había sido lanzada previamente como single en 1984 pero que no había logrado el éxito, sin embargo al ser relanzada en una nueva versión, no sólo lograría alcanzar el nº 1 sino que años más tarde sería elegida como mejor canción entre 1984 y 1994 por una encuesta realizada por la BBC. Va a ser que al menos musicalmente funciona eso de "quien la sigue la consigue".


Los chicos seguirían trabajando duro para hacerse un hueco más amplio en el panorama internacional publicando 2 nuevos discos en 1987 y 1988, concretamente "Actually" (que en su discografía ostenta el tercero en ventas y aunque similar a "Please" mostró una mejor producción) e "Introspective", segundo en ventas y que, en mi opinión es un mal llamado LP, tratándose más bien de un EP del cual sólo 2 de las 6 canciones que lo componen son propias (y muy buenas) siendo las 4 restantes unas estupendas covers de otros artistas.

Estos 2 trabajos nos darían grandes canciones como "What Have I Done To Deserve This?", "It's A Sin" (canción inspirada en la dura educación religiosa que recibió Neil), "Left To My Own Devices" (título que inspiraría al actual grupo de Synthwave de nombre Le Cassette), "I'm Not Scared", "Domino Dancing" o "Always On My Mind".


A partir de este momento y ya en los 90 se iniciaría el uso de una curiosa regla por la que los Pet Shop Boys casi siempre sacarían disco nuevo cada 3 años, regla sólo rota en 2 ocasiones. De esta manera tendríamos "Behaviour" en 1990 y con 3 años de separación entre cada disco vendrían consecutivamente "Very", "Bilingual", "Nightlife" y "Release". Para el siguiente disco ("Fundamental", ya en 2006) habría hecho falta un año más. Luego de eso volveríamos a lo de ir a disco cada 3 años con "Yes" en 2009 y "Elysium" en 2012. De nuevo la regla se rompe y se saca, en un arrebato de productividad, un nuevo trabajo justo al año siguiente "Electric" y posteriormente (después sí, de 3 años de nuevo) los chicos sacarían el hasta ahora último trabajo "Super" en 2016.


Pero eso es ir muy lejos y demasiado pronto aún, volviendo a la década de los 90, decir que los PSB la iniciaron de una manera bastante decente, siendo su disco "Behaviour" bastante popular y, aunque a día de hoy sigue pareciendo un poco fuera de lugar teniendo en cuenta el tono de sus discos anteriores y que su número de ventas no fue tan alto como el de sus predecesores, se puede considerar que posee un cierto status de culto por ser mayormente un disco de cariz más intimista con canciones como "My October Symphony", "Being Bored" o "To Face The Truth", siendo su tónica más tranquila rota poco más que por el algo más animado "So Hard".


En 1993 saldría a la luz "Very", disco considerado un poco hito en relación al final de los rumores sobre la posible homosexualidad por parte de Neil Tennant, quien puso fin a los mismos mediante una oportuna salida del armario. En "Very" la templadez del disco anterior se ve relegada por ritmos más bailables siendo además el look del dúo algo que también mutaría, apostándose ahora por un festival de extravagancia a todo color y curiosos ropajes. Este disco, que vendió 5 millones de copias y está incluido en el libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir", nos daría entre otros ese gran himno que es "Go West" (originariamente de Village People) con el cual suelen de hecho terminar sus conciertos y cuyo videoclip a día de hoy sigue siendo muy recordado.

 

El siguiente trabajo de PSB sería su disco "Bilingual", el cual es un disco que yo particularmente aplaudo dado el alto cariz experimental que le metieron, encontrando su máxima expresión en las percursiones brasileñas en canciones como la muy veraniega "Se A Vida E (That's The Way Life Is)"...


... o la estupenda "Single - Bilingual", con chapurreos ocasionales en español, un videoclip que parodia la vida propia de los yuppies y la tan llamada "business class" así como una influencia clara de la canción "Matador" de Los Fabulosos Cadillacs. Este empape de ritmos latinos fue consecuencia directa de una gira por Sudamérica antes de lanzarse el disco.


A las puertas casi del nuevo milenio PSB sacaría "Nightlife", dejándose acompañar en su promoción  de una estética que mezclaba trajes de ejecutivo (cuando no ropa casual) con pelucas rozando lo punk y cejas postizas de corte Kabuki. Este fue un disco con algunos temas muy buenos y también una (no muy para tirar cohetes) colaboración con Kylie Minogue. Como mejores canciones escucharíamos la super bailable "For Your Own Good", la pastiche disco "New York City Boy" así como "I Don't Know What You Want But I Can't Give It Anymore", canciones de una gran calidad pero que extrañamente chocaban un poco con la sensación de relleno que desprendía el resto del disco.

 

Y es que antes del lanzamiento de "Nightlife" los Pet Shop Boys estaban enfrascados colaborando en la realización de un musical de nombre "Closer To Heaven" (compartiendo título con una de las canciones del disco) y pudiere ser que el resultado final de "Nightlife" se viera algo condicionado por ello. Las cifras de este trabajo fueron realmente bajas en comparación con las de sus anteriores trabajos, siendo un claro síntoma de que la era de la piratería musical ya había comenzado a afectar bastante al formato cd.

2002 trajo consigo el disco "Release", un trabajo bastante templado en comparación con el resto de la discografía. Esto supuso el desencanto de gran parte de los fans quienes veían que las acostumbradas canciones que animaban a salir de fiesta eran mayormente sustituidas por pistas lentas y bastante "hogareñas" por así decir, en las que incluso el uso de la guitarra acústica era bastante predominante, salvándose de esta tónica "Sexy Northener" (que ni siquiera estaba en el disco pues era cara B del single "Home & Dry") y el magnífico ejercicio de electrónica "The Samurai In Autumn", que venía a operar como el mayor rastro de PSB en este sinsentido casi infumable que supuso "Release" y que para rizar el rizar fue filtrado antes de su lanzamiento.


4 años más tarde nos encontramos con "Fundamental", disco dedicado a 2 adolescentes iraníes homosexuales que fueron ejectuados (muy presumiblemente por exhibir sus sentimientos en público). Este disco hay quien lo considera el mejor desde "Very" y recibió de hecho buenas críticas aunque las ventas fueron en realidad a peor que en relación a aquel. PSB seguía postando por un sonido templado con escasas excepciones y, aunque la canción "I'm With Stupid" fuera nominada a los Grammy (al igual que el propio disco), en mi opinión las más reseñables son "Twentieth Century" e "Integral", estando esta última imbuída de un cierto "toque épico" aparte de ser la más animada del disco.
 

En 2009 salió "Yes", disco en el cual los PSB mostraron unas renovadas fuerzas no necesariamente traducidas como "hacer música de discoteca", pero desde luego sí que se apreciaba un cierto aumento general en el tempo (con escasas excepciones como "All Over The World" o "King of Rome"), ofreciendo un muestrario de temas mayormente animadetes, con toques optimistas y un sabor más ochentero que el de sus discos inmediatamente anteriores.

 

En nuestra década actual nos encontramos con los 3 últimos discos de Pet Shop Boys hasta el momento, empezando por "Elysium" (2012) que en un primer momento iba a titularse "HappySad" y en cuyo repertorio se busca deleitar al oído con melodías suaves como las de "Leaving" e "Invisible".


Tan sólo un año más tarde tenemos el disco "Electric" el cual era verdaderamente diferente al anterior e incluso se deja introducir por un temazo partepistas como es "Axis" el cual es ciertamente un tanto afín al Synthwave actual.


"Electric" es como se suele decir y valga la redundancia un disco "redondo", esto es, bueno de principio a fin, con canciones cuidadas al más mínimo detalle, algo que ayudaría a que vendiera varios miles de copias en su primera semana siendo el disco con mejor desempeño en listas desde 1993.


Por último llegamos a 2016 y con ello a "Super" que, al igual que pasó con "Electric", debutaría directamente en el nº 3 de las listas británicas vendiendo algunos miles de discos más en la primera semana que su anterior trabajo. "Super" se dejó saborear en un primer momento con el single "The Pop Kids" (auténtico homenaje a la música Dance de primera mitad de los 90) y posteriormente pudimos apreciar que en el disco se incluía algún tema de corte igualmente melancólico (como fue el caso de "The Dictator Decides" o "The Sad Robot World") para descansar entre los temas más movidos del disco.


Al igual que Depeche Mode, los Pet Shop Boys a lo largo de su discografía han destacado por la calidad de sus numerosas caras B (muchas de las cuales deberían de hecho haberse incluido en los LPs en vez de figurar en los singles, tal y como pasa con los de Basildon), destacando por ej. "Paninaro", "Miserablism" o "Losing My Mind" (cover en compañía de la excelsa Liza Minelli). Una parte de estas caras B las podemos encontrar en los discos (no mentados anteriormente) "Alternative" de 1995 y "Format" (el cual viendo la luz en 2012 recogería sin embargo las caras B desde 1996 hasta 2009).


El dúo ha ido acaparando durante su carrera un gran palmarés de premios musicales (y otras tantas nominaciones) destacando varios Brit Awards y premios de la MTV. Asímismo han alcanzado un par de Guiness Records como son el de "Dúo musical más exitoso de la Historia" y "Título de canción más largo".


Otro dato para comprender la magnitud e influencia de los PSB es precisamente el relativo a sus colaboraciones las cuales han tenido lugar con artistas y bandas de la talla de David Bowie, Tina Turner, Madonna, Blur, Suede, Rammstein, Lady Gaga y un largo etc.

Neil y Chris actualmente siguen con The Super Tour el cual les traerá de hecho a nuestro país, concretamente actuarán en el Starlite Festival de Marbella el 18 de Julio de este 2018.


Teniendo además en consideración la costumbre mencionada durante el artículo de que cada 3 años podemos esperar (la mayoría de las veces) un nuevo disco por parte del genial dúo británico, no es de extrañar que el año que viene los chicos de la tienda de mascotas nos ofrezcan algo nuevo. Crucemos los dedos para que estos grandes sigan sacando nuevos trabajos al igual que otras leyendas de los 80 que por el momento no tienen intención alguna de retirarse.

Nota final: este artículo aunque extenso no es precisamente completo debido a que la discografía de Pet Shop Boys comprende un gran número de lanzamientos entre los cuales encontramos numerosos recopilatorios y compilados de remixes, destacando los varios volúmenes de "Disco".

Otros artículos musicales por Root Wounds para Cine de los 80:

- MEDLEY TOTAL: LA EDAD DE ORO DEL MEGAMIX
- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO II : TEARS FOR FEARS
- VÉRTIGO SE ESCRIBE CON B 
- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO I : DEPECHE MODE
- PANORÁMA ELÉCTRICO: UNA APROXIMACIÓN AL SYNTHWAVE



La abadía del crimen (1987, Opera Soft)

En este artículo voy a hablar del que se podría decir que es el juego español mas conocido internacionalmente en la época de los microordenadores.
Fue programado por el ya fallecido Paco Menéndez, un joven ingeniero de telecomunicaciones también creador de juegos como Fred y Sir Fred. Aprendió a programar con quince años en el instituto, uno de los pioneros en incorporar la asignatura de informática en España.
Tras leer el libro de Umberto Eco "En el nombre de la rosa", se dio cuenta de que podía programar un videojuego basado en el, ya que tenía una historia compleja y con un buen argumento.
Tardó 14 meses junto con Juan Delcán un amigo de la infancia, en desarrollar el juego, que aunque no sabía programar fue el diseñador de todas las pantallas del juego.
Trataron de llamar al juego "En el nombre de la rosa" igual que la novela, pero al no obtener respuesta del autor decidieron llamarlo "La abadía del crimen" que era uno de los primeros nombres que Umberto Eco había barajado.
Inicialmente fue programador inicialmente en un Amstrad CPC debido a su mayor potencia gráfica y y que facilitaba la conversión al resto de ordenadores. La versión de Spectrum y MSX son idénticas aunque cambiando el color negro en vez del azul como color de fondo en la versión de MSX.

Capturas de pantalla del juego en su versión Amstrad CPC, MSX y Spectrum.

El juego finalmente fue publicado por la Mister Chip, que era la academia de informática que el padre de Paco tenía en Madrid.
Debido a la calidad del videojuego Opera Soft vio una oportunidad para comprar los derechos y así poder portarlo a otros sistemas, asi que compraron los derechos a través de un contrato en febrero de 1989.


El contrato con el que Opera Soft adquirió todos los derechos.


La abadía del crimen es una videoaventura donde Guillermo de Occam, un monje fransciscano junto al joven Adso, tienen que descubrir una serie de asesinatos que ocurren en una abadía situada en la peninsulta itálica durante el siglo XIV.
Antes de comenzar el juego se muestra un pergamino donde se va escribiendo un texto (que es una modificación del texto original de la novela):

Ya al final de mi vida de pecador, mientras espero el momento de perderme en el abismo sin fondo de la divinidad desierta y silenciosa; en esta celda de mi querido monasterio de Melk, donde aún me retiene mi cuerpo pesado y enfermo, me dispongo a dejar constancia en este pergamino de los hechos asombrosos y terribles que me fue dado presenciar en mi juventud... El Señor me concede la gracia de dar fiel testimonio de los acontecimientos que se produjeron en la abadía cuyo nombre incluso conviene ahora cubrir con un piadoso manto de silencio; hacia finales de 1327, cuando mi padre decidió que acompañara a fray Guillermo de Occam, sabio franciscano que estaba a punto de iniciar una misión en el desempeño de la cual tocaría muchas ciudades famosas y abadías antiquísimas. Así fue como me convertí al mismo tiempo en su amanuense y discípulo; y no tuve que arrepentirme, porque con él fui testigo de acontecimientos dignos de ser registrados, para memoria de los que vengan después... Así, mientras con los días iba conociendo mejor a mi maestro, llegamos a las faldas del monte donde se levantaba la abadía. Y ya es hora de que, como nosotros entonces, a ella se acerque mi relato, y ojalá mi mano no tiemble cuando me dispongo a narrar lo que sucedió después...

Se dispone de 7 días para ello, pero el monje debe realizar sus tareas típicas para no ser descubierto tales, como ir a misa, comer en el comedor y no salir de su habitación por las noches, cosa que hay que desobedecer sin ser descubierto para realizar la investigación por la laberíntica abadía.
Si durante el transcurso de la aventura nos cogen faltando a alguna de nuestras obligaciones nos expulsarán de la abadía y el juego terminará.
En algunos sistemas como por ejemplo el Amstrad CPC464 algunos pasillos sin ninguna importancia para el juego fueron eliminados, por lo tanto el mapa se redujo bastante. Todo ello para poder adaptar el juego a los 64 kB de memoria de algunos modelos.
La banda sonora también era buena y es que sonaba Anna Magdalena y la Sonata para flauta BWV 1033 de Bach así como Crystal Palace de Gwendal. La versión de PC también incluía una pequeña versión del Ave María de Schubert que sonaba durante las misas.
El mapa del juego era bastante complejo, pudiendo perderte con mucha falicidad. La planta principal está compuesta de una matriz de 16x10 pantallas. Con esto nos podemos hacer una idea de las dimensiones del juego y lo bien optimizado que está el juego para poder meter todo en la poca memoria de la que contaban por aquel entonces los ordenadores.

Mapa de la planta principal


A pesar de tener un discreto éxito comercial el juego está considerado un juego de culto de la era de los 8 bits.
El 8 de mayo de 2017 salió un minipliego de seis sellos de 0,60 euros en conmemoración del 30 aniversario del videojuego, convirtiéndose en el primero que disfruta de su propia tirada de sellos de correos en España.


El pliego de sellos imitando la abadía.


Existe una exposición desde el 17 de noviembre de 2017 en el Museo Histórico de Informática de la Universidad Politécnica de Madrid que se titula "El lado Humano del Videojuego" que se hizo para conmemorar el 30 aniversario del juego.

En mi opinión es una joya que ha hecho mucho por el software español y que nunca ha de ser olvidada.

Borja Ordieres González






HOLOCAUSTO CANIBAL (1980- RUGGERO DEODATO) CANNIBAL HOLOCAUST


HOLOCAUSTO CANIBAL. 1980.

 


       Mi artículo de hoy va sobre la película “Holocausto Canibal”. Para empezar quiero comentaros un par de aspectos al respecto. A pesar de ser una película referente en su género y considerada una de las que más polémica y revuelo  consiguió, yo nunca la había visto completa y voy a explicar mis motivos. En la época de su estreno, yo tenía unos 8 años, a pesar de ello yo era muy fan de las películas de terror. Y tuve la gran suerte de que mis padres no eran muy restrictivos con el tema de las calificaciones de las películas. En los 80 visioné, sobre todo de videoclub y de video comunitario, muchísimas películas que eran clásicos de terror y sobre todo me enamoré de películas como Psicosis, Viernes 13 y Pesadilla en Elm Street. Pero nunca me atreví a ver algo como la película sobre la que voy a escribir, uno de los motivos principales era que me aterraba demasiado la carátula, y el aspecto que más me echaba para atrás es que por aquella época aún se creía que esta película era ciertamente un documental con imágenes reales de canibalismo. Hay que comprender que por entonces mucha información corría de boca en boca, no teníamos la facilidad de ahora para consultar cualquier dato en internet. A pesar del morbo que pudiera generarme, fui muy reticente a visionarla en aquella época. Sólo logré ver algún trozo suelto por entre los dedos de las manos con las que me tapaba los ojos. Era muy joven para ver algo que creía firmemente que eran imágenes reales. El caso es que ahí quedó la cosa. Tras el paso de los años y después de visionar infinidad de películas de todos los géneros llegó internet a mi vida. Y he aquí que me puse a investigar sobre una carátula de una película que muchas veces vi en los videoclubs, no era otra que la de “Holocausto Canibal”. Al final supe que todo fue un montaje publicitario del director para potenciar el morbo por la película, y que realmente son imágenes de canibalismo que no son reales, si no simple maquillaje y efectos de la época.

Pues bien, al final me decidí a hacer este artículo sobre esta película, así que no me quedó otra cosa que verla. Tengo que decir un par de cosas, la película en sí me encanta y me sigue asombrando su realismo, pero hay un par de aspectos que me han asqueado bastante, resulta que se pueden ver imágenes en las que se maltrata realmente a unos cuantos animales. Eso ni me gusta ni lo defenderé nunca aunque sea para una película, bien es cierto que por aquel entonces las leyes eran distintas y en más de una película se maltratan animales. Realmente son escenas repugnantes que para mi gusto no aportan nada a la película. He visto en otros artículos de otros blogs que se hace referencia a las muertes y torturas a varios animales, me vais a permitir que yo no lo haga más, simplemente comentarlo por si alguien no lo sabía.

Ahora escribiré sobre la película en sí. Se puede decir que tiene dos partes bien diferenciadas.
 

Primera parte:

Cuatro jóvenes reporteros y un guía local pretenden adentrarse en la selva del Amazonas, más concretamente una zona que denominan “Infierno Verde”, para hacer un documental a cerca de unas tribus aisladas que se supone que practican el canibalismo.
 

El caso es que transcurre el tiempo y nadie tiene noticias de los reporteros. Así que se decide enviar a un prestigioso antropólogo para investigar y saber que ha podido ocurrir.

 

Este antropólogo junto con dos hombres más se adentra en el Amazonas para tratar de buscarles o por lo menos saber que ha ocurrido con ellos. Tras una dura marcha a través de la selva por fin encuentran a la tribu con la que tenían que encontrarse los reporteros.
 
Pero en antropólogo intuye que los indígenas les tratan con muchísima desconfianza y miedo. El caso es que durante su estancia con esta tribu, reciben el ataque de otra tribu más salvaje y ayudan a los primeros matando a unos cuantos de los indígenas caníbales. Tras esto les ayudan y les muestran el lugar donde encuentran los cadáveres de los reporteros, que habían sido asesinados y comidos  por la otra tribu. Logran recuperar el material que constaba de varias cintas grabadas y sus cámaras. Tras todo esto decide volver a Nueva York y así poder visionar lo que contenían las cintas para poder esclarecer qué sucedió. Junto con responsables de la cadena de televisión que habían financiado el documental se ponen a visionar todo el material y lo que terminan descubriendo es un material asombroso y repugnante, no sólo por las muertes de los reporteros.

Segunda parte:

En esta parte vemos el visionado que los reporteros fueron haciendo desde el principio. Primeramente vemos imágenes suyas por la selva, hasta ahí todo normal, pero según avanza la expedición, vamos viendo como los reporteros van cambiando su forma de ser y su actitud. En medio de la expedición se puede apreciar como realizan actos de maltrato animal (no voy a entrar en detalle como dije al principio).
El guía es mordido por una serpiente e intentan salvarle cortándole una pierna, pero éste termina falleciendo.
 
Tras esto terminan encontrando a la tribu que andaban buscando y haciendo uso de sus armas de fuego les amedrantan mientras se le oye al director del reportaje decir que sigan grabando. Hacen que los indígenas se metan en unas chozas a las cuales les prenden fuego mientras disparan y siguen filmando.
 
 Otro día se encuentran con una joven indígena virgen a la que acaban violando entre los tres chicos del grupo de reporteros. Luego la graban empalada y dicen que los nativos lo habían hecho como si fuera un Ritual Sexual.
 
 Al poco son atacados por otra tribu más salvaje que son caníbales.
 
Terminan siendo cazados uno a uno mientras no paran de grabar todo y vemos escenas en las que o se los comen vivos, los desmiembran o incluso a la chica la violan para luego matarla a pedradas. Las cintas acaban cuando el último que lleva una cámara cae y se ve como los indígenas van a por él.
 

A la mitad de las proyecciones el antropólogo se niega a seguir colaborando con la cadena. Los ejecutivos deciden seguir visionando a pesar de la advertencia del antropólogo y salen de la proyección totalmente escandalizados y horrorizados, así que deciden ordenar que se quemen las cintas.

El fondo en cuestión de esta película parece ser otro. A mi entender, lo que se quiere es hacer una pregunta ¿quiénes son los verdaderos salvajes?, ¿los caníbales o los reporteros?

 

Ruggero  Deodato quiso desde un principio darle a la cinta un ambiente de realismo. Para ello se decidió a rodar en inglés. Pero surgió un primer problema, en aquella época para poder ser distribuida en Europa era necesario que fuera de nacionalidad italiana. Según la ley italiana era imprescindible que contara en el reparto con al menos dos actores que hablaran italiano como lengua nativa. Así que contrató a Luca Bardareschi y a Francesca Ciardi, dos italianos que hablaban perfectamente inglés, así que problema resuelto.

Durante el rodaje hubo muchísimos desencuentros y diputas entre actores y el director. Uno de los puntos más polémicos era cuando tocaban escenas de maltrato animal. En algunas los protagonistas se negaron a estar presentes y en una que tenían que matar de verdad a un cerdo finalmente el actor que tenía que hacerlo se negó y cambiaron el guion para que lo hiciera otro. Otra escena fuerte fue la muerte de una tortuga que hizo que muchos acabaran muy afectados y disgustados.

La estrategia de Ruggero incluía un contrato con los actores en el que se comprometían a no salir durante un año ni en películas ni en ningún medio de comunicación después del estreno de la película. Se lanzó el bulo de que iba a ser un documental real sobre unos jóvenes que son asesinados y comidos por unos salvajes caníbales. Todo esto fue tan logrado y logró crear esa atmósfera que la película fue confiscada diez días después de que se estrenara en Milán. Además, Deodato fue arrestado por la policía ya que sospecharon que era una “snuff movie” y que contenía imágenes reales de los asesinatos de los actores. Incluso el Tribunal llegó a creérselo además de sospechar sobre que fuera real la imagen de la joven empalada. Como los actores, por contrato estaban “desaparecidos”, a Deodato le resultó difícil desmentir todo. Así que Ruggero Deodato tuvo que ponerse en contacto con los actores y dar todas las explicaciones que pudo. Reunió a los actores en un programa de televisión y eso calmó al Tribunal. Pero quedó un cabo sin atar, la escena de la mujer empalada. La explicación fue esta; “se juntó un poste a un asiento de bicicleta en el cual estaba sentada la actriz. Luego cogieron un trozo de madera de una balsa y se la pusieron en la boca, así se creaba el efecto de empalamiento”. Sin embargo intentó reproducirse, pero nadie logró quedarse tan inmóvil como sale en la película. Encima fue imposible localizar a la joven colombiana que realizó la escena. Las sospechas y la leyenda sigue aún presente, pero finalmente Deodato fue absuelto de los cargos de homicidio. Pero no todo acabó ahí quisieron prohibir la película acogiéndose a las escenas de muertes reales de los animales, ya que había una ley que lo prohibía. Así que director, productores, guionistas y representantes estuvieron en libertad condicional durante cuatro meses acusados de violencia y obscenidad. Tres años más tuvo Deodato que estar litigando en Tribunales para que se levantara la probición. Al final, en 1984, logró que se distribuyera, pero con algunos cortes. Más tarde se reestrenó sin esos cortes.

A pesar del éxito que cosechó en Italia, llegó a estar prohibida en infinidad de países. La versión íntegra, sin cortes, continúa a día de hoy prohibida en el Reino Unido.

 

Según mi humilde punto de vista, la película parece ser, sobre todo, una gran crítica a la sociedad moderna llamada “mundo civilizado”. Al final te queda la sensación de que el hombre en sí, es un salvaje, y da igual el grado de civilización que tenga, es más, te deja la sensación de que el hombre actual es más salvaje que los que habitan en una civilización más atrasada.

B.S.O.:

Este es un capítulo aparte que no hay que dejar de lado. La música corre a cargo del genial músico italiano Riz Ortolani. Es tan variada y completa que potencia mucho más la atmósfera que hace de esta película una película imprescindible para cualquier cinéfilo, sea o no amante del Terror. Es una mezcla genial de estilos e instrumentos musicales, temas orquestados o canciones con sintetizadores. Esta banda sonora es bastante aconsejable de oír, extraña, pero genial.

 

Bueno amigos, este es mi repaso a esta obra, que a pesar de las polémicas y leyendas generadas perdura como una de las películas más influyentes del género de terror de los 80. Finalmente Deodato se salió con la suya, llegando a filmar una obra que a día de hoy está considerada entre las mejores del género de terror. Es más, digamos que fue precursora en un nuevo estilo de hacer cine. El crear una atmósfera de realidad que en verdad es falsa, pero que gran parte del público cree que es real. Posteriormente influenció a otras películas como “El proyecto de la bruja de Blair”, que casi, casi copió el formato y el guion, cambiando los caníbales y los salvajes por la leyenda de una bruja que habita en un bosque.



 
Otras películas que siguen el formato de “falso documental” son “REC” y “Paranormal Activity”, todas ellas también con gran acogida y éxito, pero no olvidemos que la precursora de este estilo no fue otra que HOLOCAUSTO CANIBAL.

Esto es todo, espero, como siempre, que os haya gustado y entretenido. Y como siempre, ¡Viva el Cine!.

Benjamín Carretero Montes.