Presentación

Amantes de mundos fantásticos, bisoños aventureros en busca de tesoros, criaturas de la noche, princesas estudiantiles y fanáticos de cachas de postín, ¡sed bienvenidos!. Invitados quedáis a rebuscar en nuestra colección de VHS, acomodar vuestras posaderas en una mullida butaca, darle al play, y disfrutar de lo bueno, lo malo y lo peor que dieron estas décadas.

ADVERTENCIA: Aquí no se escribe crítica cinematográfica (ni se pretende). Las reseñas son altamente subjetivas y el único objetivo es aprender y disfrutar del cine y, por supuesto, de vosotros.
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Volver a empezar. (1982. José Luis Garci).


VOLVER A EMPEZAR. 1982.
 

“Quiero rendir homenaje a los hombres y mujeres que empezaron a vivir su juventud en los años treinta; y en especial, a los que aún están dándonos ejemplo de esperanza, amor, entusiasmo, coraje y fe en la vida. A esa generación interrumpida, gracias”. Así acaba esta histórica película, con esta dedicatoria por parte de José Luis Garci.

También es necesario leer este comentario del propio Garci sobre su película: “Yo estoy orgulloso de haber ganado el primer óscar para nuestro idioma. Había habido nominaciones, pero nunca se había ganado un óscar en lengua española. Lo había ganado Buñuel, pero por una película hablada en francés. Este fue el primero para nuestro idioma y eso es para sentirte orgulloso”.
 

Además, Garci siempre ha sido muy sincero, y él mismo siempre ha admitido que tuvo mucha suerte de haber sido seleccionada su película para representar a España en los óscar de 1983, que todo fue más bien fruto de la casualidad, como bien explicó el propio director: “La cosa estaba entre La Colmena, que yo creo que era la mejor, y Demonios en el Jardín. Los partidarios de La Colmena, para no votar a Demonios en el Jardín, votaron Volver a Empezar y al revés. De rebote, salimos nosotros”.

Tras esta introducción, me adentraré más en los entresijos de esta histórica película de nuestro cine. Comenzaré por el argumento y luego contaré otros datos y curiosidades.

Argumento:

Miguel Albajara es un famoso escritor gijonés que vive en San Francisco (EEUU) tras un largo exilio de cuarenta años. Acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura, y antes de regresar a la Universidad de Berkeley donde imparte clases de Literatura Medieval, hace una escala en su Gijón natal. Allí empieza a evocar su juventud, y sobre todo vuelve a encontrarse son su primer amor Elena. Ambos recorren Gijón y gran parte de Asturias para recordar el gran amor que vivieron cuando eran jóvenes. Tras unos días juntos se dan cuenta que siguen enamorados como si no hubiera pasado el tiempo. Después de todo Albajara acaba volviendo a Estados Unidos para seguir dando clases en la Universidad de Berkeley.
 
 

Reparto:

-      Antonio Ferrandis                Miguel Albajara.

-      Encarna Paso                      Elena.

-      Agustín González                Gervasio Losada.

-      Marta Fernández                 Carolina (telefonista).

-      Pablo del Hoyo                    Botones.

-      Pedro Ruíz                                     Rey Juan Carlos I (voz).

-      José Bódalo                         Roxu.

 

A Antonio Ferrandis le eligió por su gran interpretación en la serie televisiva “Verano Azul” en la que interpretaba a Chanquete. Y a José Bódalo le eligió ya que había rodado con él “El Crack” y le prometió un papel más importante en su nueva película.
 

 

Un dato que es interesante aportar es el del título de la película.

Volver a Empezar (Begin the beguine), en verdad la traducción acabó tergiversándose un poco, ya que la gente creyó que significaba “Volver a empezar”, pero en verdad la traducción correcta es la de “Empezar el beguine”, que no es otra cosa que un baile de salón. Todo esto viene a raíz de que “Begin the Beguine” es el tema musical principal de la película. Es una composición del estadounidense Cole Porter. Hubo problemas con los herederos de los derechos de autor de la obra, así que el título finalmente se quedó  como “Volver a Empezar”.

Otro dato interesante es sobre cómo surgió la idea de realizar esta película. Alfonso Sánchez Martínez propuso a Garci que hiciera una película sobre escritores como Edgar Neville y Miguel Mihura. Entonces Garci recordó a Albajara, que era un poeta amigo de su padre durante la Guerra Civil y que fue apresado y llevado a un campo de concentración y murió en 1940. Así le llegó su primera inspiración, y decidió imaginarse que hubiera pasado si el poeta siguiera vivo y volviera a su tierra natal. El guion lo centró en la historia de amor entre Albajara y Elena.
 

En cuanto a datos de taquilla hay que comenzar diciendo que se estrenó en Gijón y Oviedo con una grandísima acogida, pero en el resto de España no tuvo mucho éxito. Sin embargo, tras el éxito de haber ganado el óscar tuvo que volver a estrenarse y ahora sí con mucho más éxito que el que cosechó al principio. En la primera semana del reestreno recaudó 20.000.000 de pesetas y finalmente fue una de las películas españolas más taquilleras con un total de 862.264 espectadores. La Fox compró los derechos en EEUU.

En cuanto a la valoración de la crítica, la cosa fue mutando al igual que el éxito en taquilla. En principio no obtuvo muy buenas valoraciones por parte de la crítica especializada, pero con el pasar del tiempo la cosa cambió llegando a obtener muy buenas críticas.

 

Garci quiso centrar la historia en torno a una ciudad no muy grande y que él conocía bastante bien. Así que se decantó por Gijón. Ni que decir tiene del gran conocimiento de José Luis Garci sobre dicha ciudad y sobre los alrededores. Como ya nos mostró en “El Crack” es un genio a la hora de mostrarnos los sitios más emblemáticos y bonitos de los lugares donde rueda. Ya lo hizo con Madrid, y ahora en esta película con Gijón y distintos lugares de Asturias. Un bonito catálogo de preciosas y emblemáticas imágenes de esa maravillosa tierra. Además, tengo que decir el gran acierto con la música que combina muy bien con la historia y con los paisajes. Al sumar estos dos aspectos el resultado es una película tierna, visual y romántica.
 

Garci también nos dejó la idea de que el amor no conoce de edades, ni el amor ni el sexo, como vemos en la película. Como dicen los protagonistas en la película “uno es joven mientras ama y es amado”.

Garci y su amor por el Fútbol:
 

Durante toda la película vemos muchísimas referencias al fútbol, empezando por el protagonista, que fue en su juventud jugador del Sporting de Gijón. Variadas y claras alusiones a este deporte. José Luis Garci es amante y gran aficionado al fútbol, sobre todo de dos equipos, el Atlético de Madrid y el Sporting de Gijón. Durante la cinta podemos ver imágenes de chicos jugando al fútbol en las playas de Gijón, varias imágenes del estadio del Molinón, e incluso imágenes reales de un partido de liga entre el Sporting y el Atlético de Madrid, que curioso, sus dos equipos. También, por las fechas, iba a ser el Mundial de fútbol de España 82 y vemos muchas referencias al citado evento, tanto en algunos pósters en el hotel y en el aeropuerto como en el avión de Iberia que le va a llevar de regreso a Estados Unidos. A la vuelta de recoger el óscar lo brindó en el estadio del Molinón en una partido de liga.

 

 

Quisiera hacer una mención especial al grandísimo papel que interpreta Agustín González haciendo de gerente del Hotel Asturias (que por cierto todavía existe en la actualidad). Hace de un gerente servil en exceso, rayando casi la sumisión absoluta para con Albajara. Un clásico y típico pelota. Para mí una de sus mayores interpretaciones, y eso que tiene bastantes y buenas. Para mí uno de los grandes secundarios del cine español que merece más reconocimiento del que tiene.
 

La otra gran protagonista de la película es Gijón y Asturias. Garci sabe cómo mostrarnos la belleza de esta tierra. En pantalla nos muestra lugares bellos y emblemáticos de la época, que hoy en día muchos o no existen o están rehabilitados como pueden ser la vieja estación de ferrocarril o el Cine Robledo, además de lugares como el paseo del Muro en la Playa de San Lorenzo, la Plaza Mayor, el Puerto Deportivo, El Molinón, todo ello en Gijón, pero además otros bellos sitios asturianos como por ejemplo Cudillero, los Lagos de Covadonga y su basílica, Cangas de Onís y la Cueva de Santillana, además de apreciar un buen escanciado de la riquísima sidra asturiana.

 

Para acabar, decir, a título personal, que posiblemente no sea una de las 10 mejores películas españolas, pero tiene su mérito por ciertos aspectos. El primero es que fue pionera en consecución de un premio tan importante y prestigioso como es el óscar. El siguiente aspecto es que sirvió como aprendizaje a otros directores y abrió el camino a nuestro cine y a su reconocimiento a nivel mundial. A mí es una película que me enamora y me enternece. Esa música tan presente en casi toda la película(a parte de la mencionada “Begin the Beguine”  la preciosa “Canon” de Pacheibel) y ese retrato del Gijón de Asturias de la época, hacen una mezcla casi perfecta y aderezado con unas magníficas interpretaciones. Lo que sí que creo fehacientemente es que es una obra imprescindible para los amantes del buen cine, en especial de los amantes del cine ochentero ya que el retrato fiel y nostálgico que consigue José Luis Garci nos transporta a tan querida época para nosotros.


 
Aquí in enlace al tema principal de la película.
 
Y de la otra canción de Pacheibel.
 

El 11 de abril de 1983, en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles se celebró la 55 edición de los premios óscar de Hollywood. En el escenario, subidos, estaban Jack Valenti y la actriz Luise Rainer dispuestos a desvelar la película ganadora de ese año como mejor película en lengua extranjera. Luise reiner abrió el sobre con el nombre de la película ganadora, y, alzando los brazos al cielo dijo unas palabras en español; ¡VOLVER A EMPEZAR!, y al escenario subió un  barbudo y joven Garci con un smokin blanco y pajarita negra. Imágenes y palabras que siempre quedarán grabadas en mi memoria.
 

Así que hasta aquí mi artículo sobre esta bonita película de amor y os invito que qué si todavía no la habéis visto lo hagáis, en serio que lo vais a agradecer.

VIVA EL CINE.

 

Benjamín Carretero Montes.


Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón ( 1980, Pedro Almodóvar).

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón.
 
Primer largometraje del afamado director manchego Pedro Almodóvar. Hablando claro, no es la mejor película del director, ni la más exitosa, ni la que tiene el mejor guion, ni el mejor montaje, etc, etc. La verdadera dimensión de esta película no es otra que siempre quedará como la ópera prima de un genio del cine español. Por decirlo de algún modo, es el comienzo de un largo y exitoso camino que con el paso de los años le sirvió de aprendizaje. Un punto de partida sobre el que asentaría su posterior sello personal y por el que tanto ha sido reconocido a nivel nacional e internacional.
 
La película se realizó en 1980, pero allá por 1976, un joven Pedro Almodóvar trabajaba de administrativo para la compañía Telefónica, y sacó tiempo para escribir los primeros bocetos del guion de esta película. Posteriormente, con el paso de los años, consiguió rodarla y tuvo que reescribir el guion de la misma. Está inspirada en la estética Punk que triunfaba en esos años de la llamada Movida Madrileña. Lo que es seguro es que la película no pasó desapercibida, ni para el público ni para la crítica especializada que la calificó de débil, de mala calidad y de muy mal gusto. Se centraron en algunas escenas bastante impactantes y controvertidas como una lluvia dorada y una violación. Por lo que más se recuerda es por ser un documento del Madrid oscuro y nocturno de la época y del apogeo de la Movida Madrileña.
 
Con todo ello, Almodóvar comenzó un rodaje austero, con pocos medios y muy poco presupuesto. Rodaba en casa de amigos y las escenas exteriores de Madrid se hacían de manera casi clandestina, ya que no tenían los permisos pertinentes. Con todos estos alicientes la película tardó en rodarse casi año y medio.
El 27 de octubre de 1980 consiguió estrenarse. Durante su proyección en el Festival de San Sebastián fue abucheada. Hay que decir que fueron unos inicios difíciles para Almodóvar y su película, ya que la mayoría del público y los críticos de la época la apalearon sin piedad. A pesar de todo ello, hay que explicar que de esta película se extraen algunos puntos que luego fueron sello característico del director manchego, como la fuerza y personalidad de sus personajes femeninos y de un fresco y original humor ácido. Esas características, digamos de algún modo, las heredó de sus dos directores fetiches como son R. W. Fassbinder y John Waters.
Otra de las características de su ópera prima es que está realizada con originalidad y con total libertad, a mí entender algo adelantada a su tiempo, pero que con el curso de los años ha pasado a ser una obra de culto.
Pedro, antes incluso de la película, ya estaba muy sumergido en la Movida Madrileña. Tocó muchos palos artísticos a parte del cinematográfico, él trabajó en cómics, también escribió en revistas alternativas y su faceta músico-teatral la desarrolló cantando junto a McNamara en KaKa de Luxe.
La película y La Movida Madrileña, en general, nos muestran a una juventud que tras años de vivir en una dictadura estaba desatada y sólo buscaba el experimentar sin ningún miedo ni rigor. Se empezó a experimentar en modas y música, y en demás palos artísticos. Todo muy influenciado por la moda Punk importada de Inglaterra. En cuanto a la música, sobre todo en la Movida, surgieron muchos grupos en los que potenciaban todas estas características, en las que primaban la reivindicación social, la provocación y salirse bastante de lo convencional y de lo políticamente correcto. La mayoría de las veces, los grupos de éxito tenían miembros que ni siquiera sabían tocar un instrumento musical, pero eso era lo de menos. Y todo esto Almodóvar lo plasma y lo traslada de maravilla en esta película.
Un par de curiosidades, en cuanto a la canción  “Murciana Marrana”, que interpreta Alaska en la película, es una especie de mix de dos canciones de la Movida. Una es “La tentación” de Kaka de Luxe y la otra “Bote de Colón” de Alaska y los Pegamoídes. En Murciana Marrana el estribillo es la letra de la primera sobre los acordes de la segunda. Esta canción, en la película se la dedica a Luci, que es la novia de Bom, es de Murcia y, como no, como desvela el título, le encantan las marranadas. Apuntar que Alaska era menor de edad cuando rodó esta película.
 
Datos técnicos de la película:
Director:              Pedro Almodóvar.
Productores:                 Pepón Coromina, Pastora Delgado y Ester Rambal.
Guion:                 Pedro Almodóvar.
Montaje:              José Salcedo.
Protagonistas:      Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara (Alaska) y  Eva Siva.
Duración:             82 minutos.
 
Argumento:
Una chica que vive sola (Pepi), tiene un piso en Madrid y en su terraza cultiva cannabis. Su vecino, que es policía, la descubre, éste la chantajea pidiéndola sexo a cambio de su silencio. Ella accede, pero la sorpresa para el policía es cuando Pepi le dice “por detrás”, él no le hace gracia y lo hace por delante. Con esta acción el policía arruina un negocio que Pepi tenía en mente, y no era otro que la venta de su “virginidad”.
Pepi acaba indignada y decide vengarse, así que pide la ayuda de unos amigos suyos. Éstos se visten de chulapos para darle una paliza al policía, pero la cosa se lía, ya que se confunden y al que apalizan no es otro que el hermano gemelo.
Pepi acaba conociendo a Luci, que no es otra que la mujer de policía. Pepi acaba descubriendo que Luci es algo masoquista. Pepi le convence para dar clases de punto, y con la excusa, pegarle un poco.
 
Luci accede, pero ella no sabe que es por venganza. En una de las clases Luci conoce a Bom, y ésta le orina encima y Luci lo goza y lo disfruta.
 
 Luci acaba abandonando a su marido para irse con Bom. Bom en una cantante de un grupo Punk, y tiene tendencias un tanto sádicas.
Durante uno de los conciertos Bom le dedica el tema “Murciana Marrana” a Luci. En una posterior fiesta Luci debe hacerle una felación al ganador de un concurso de tamaño de pene.

 
 
Todas estas correrías, fiestas y demás, se acaban de repente cuando el policía da una paliza a Luci que hace que tenga que ser ingresada. Pepi y Bom van a visitarla al hospital, y allí Luci, conociendo la bestia de marido que tiene, y con mucho miedo, les dice que no va a volver con ellas. Así que al final, Pepi y Bom acaban viviendo juntas y comiendo bacalao al pil pil.
 
 
Mi conclusión, es que es una obra imprescindible para comprender la evolución del cineasta manchego. El otro aliciente para visionarla, al menos para mí, es el del retrato tan crudo y realistas del Madrid de la Movida. Como dije al principio, no es su mejor obra, ni de lejos. Es más , en lo técnico es la peor con diferencia, pero su valor radica en los otros aspectos comentados en el artículo. No diría que es una película sólo para amantes de cine de Almodóvar ni para los que añoren la Movida Madrileña, me arriesgo a decir que cualquier ochentero debería verla. Sé que no va a gustar a todos, y más sabiendo que Almodóvar es de esos genios que logran que o la gente le ame o le odien. Yo debo de ser raro, ya que ni le idolatro ni le odio, yo veo algo fresco, original e  irreverente en su cine y eso me atrae. También tengo que confesar que muchas de sus películas voy al principio con mucho recelo, pero finalmente logra tenerme enganchado hasta que acaban, y eso, no todos los directores lo logran.
 
Bueno, queridos ochenters, espero que os haya gustado mi artículo sobre esta película. Nos vemos por este magnífico blog, y yo seguiré escribiendo artículos sobre cine español de la época dorada de los 80.
VIVA EL CINE.
Benjamín Carretero Montes.


¿Quién puede matar a un niño? (1976) Narciso Ibáñez Serrador.


¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?
 

Hoy tengo el gusto y el placer de escribir sobre una de las obras maestras del cine español. En concreto del cine de terror. Para mi gusto al nivel de otras joyas internacionales del terror. No obstante para alguien como Eli Roth (director entre otras de Hostel) es , según él, su segunda película preferida por detrás de la buenísima “Mil gritos tiene la noche”.

Esta genial película es una obra del genial Narciso Ibáñez Serrador, más conocido por Chicho, y está basada en la novela “El juego de los niños” de Juan José Plans. También cabe mencionar la magistral música a cargo de Waldo de los Ríos.

La novela la convirtió Chicho en un guion bajo el pseudónimo de Luis Peñafiel, también tomó ideas sobre la película “El pueblo de los malditos” (1960) de Wolf Rilla.

 

Hay que destacar que incluso a día de hoy, se sigue hablando de que Stephen King plagió en gran parte esta obra. Sería para su relato “Los chicos del maíz”, que posteriormente se convirtió en película. Así que voy a contar cronológicamente cómo se gestó “¿Quién puede matar a un niño?”:

Lo primero de todo fue la novela de Juan José Plans, que publicó en 1976 bajo el título “El juego de los niños”. Chicho, gran admirador del género de terror, leyó el libro y le gustó tanto que se puso en contacto con el autor. Chicho quería hacer una adaptación de la novela para hacer un episodio de la más que mítica serie “Historias para no dormir”. Hay que mencionar que dicha serie ha sido uno de los mayores éxitos de TVE. Tras darle vueltas pensó en un episodio de 50 minutos, pero no quedó satisfecho, ya que creyó que la novela daba para algo más, algo como un largometraje.
 

Finalmente, en 1976 se estrenó bajo la dirección de Narciso Ibáñez Serrador y resultó una cinta de gran éxito, tanto de crítica cómo de público. Fue innovadora dentro del género de Terror en España, tanto por la temática como por que la historia transcurre casi siempre a la luz del día.

El caso es que dos años después (1978) Stephen King lanza un libro que contiene 20 relatos cortos de terror y suspense bajo el título “ Night Shift (El umbral de la noche)”. Entre estos relatos, concretamente el 16, se titula “Los chicos del maíz”. Las similitudes son más que obvias, sobre todo cuando os cuente un poco el argumento de “¿Quién puede matar a un niño?”. La sombra de la duda del plagio de King sigue hasta nuestros días. Lo que sí, os recomiendo que veáis esta gran obra del cine español, y posteriormente la película de Stephen King. Mi opinión personal es que hay bastantes coincidencias, no sé si hasta plagio, pero hay mucha gente que opina que sí.

ARGUMENTO:

La película da comienzo con una serie de imágenes reales en las que se puede ver a adultos maltratando a niños, tanto en guerras como en otro tipo de conflctos. Las imágenes corresponden a un documental de televisión que están viendo los dos protagonistas, Tom y Evelyn, dos turistas extranjeros que llegan al pueblo de Benavís (población ficticia que localizan por la zona mediterránea). En este pueblo están de festividad y eso trunca sus deseos de unas vacaciones tranquilas, ya que Evelyn se encuentra embarazada de su tercer hijo. Así que Tom le propone zarpar en una embarcación a Almanzora (también pueblo ficticio), una isla tranquila en la que él pasó unas vacaciones cuando era niño. El caso es que nada más llegar notan un ambiente raro y extraño en todo el pueblo. Hay un gran silencio, el pueblo parece prácticamente abandonado, pero conforme van avanzando si ven habitantes. Lo más extraño es que sólo ven niños y ni rastro de ningún adulto.
 

Logran llegar a un bar, el aspecto es como si todo el mundo hubiera salido huyendo. Huyendo, pero ¿de qué?. Mientras, Tom, deja a Evelyn en el bar descansando mientras él va en busca de comida, Ahí entra una niña sonriendo constantemente, pero sin decir ni una palabra. Se acerca a Evelyn y le acaricia la tripa y posteriormente se marcha sin decir nada. Evelyn se queda bastante intrigada por la niña, el silencio y el calor sofocante. Mientras Tom, aprovecha para investigar un poco, sigue sin ver a nadie, alguna risita de niños y poco más. También cree oír ruidos en algunas casas. Así que entra en una tienda (también con aspecto de abandonada) y se aprovisiona de víveres. Luego reciben una llamada de teléfono de lo que parece una chica que les habla en un idioma que no entienden, pero parece que está nerviosa y con angustia. Finalmente se corta la llamada.
 

Luego de comer un poco se dirigen en busca del hotel. Al llegar no ven a nadie, pero ven que en el libro de registro había una familia extranjera, y deducen que alguno de ellos eran los de la misteriosa llamada. Evelyn, por fin, ve a un adulto en la calle. Se trata de un anciano que parece que se esconde de una niña. Observa con estupor como la niña le quita el bastón al anciano y le golpea repetidas veces en la cabeza hasta causarle la muerte.

Finalmente en el hotel logran encontrar a otro adulto. Es un pescador que les cuenta que todos los niños del pueblo han adquirido una especie de locura colectiva que les hace que asesinen a todos los adultos. El caso es que dice que aun viendo lo que pasaba nadie hizo nada, ya que ¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?





 

Tampoco quiero contar nada más ni como acaba la película. Os recomiendo que veáis esta genial obra maestra, no os decepcionará.

 

Ahora os comentaré otros aspectos y curiosidades de la película. Los protagonistas fueron Lewis Fiander (Tom) y Prunella Ransome (Evelyn). Sin embargo, durante el casting que tuvo lugar en Inglaterra se barajaron otros nombres, como por ejemplo Anthony Hopkins para hacer de Tom y a Mia Farrow para Evelyn. Finalmente Chicho tuvo que bajar sus pretensiones y optó por la pareja final. Pero hay que decir que Chicho siempre, incluso a día de hoy, reniega de la interpretación de Lewis Fiander.

En cuanto al rodaje, comentar que las escenas del pueblo no se rodaron en una isla. Necesitaban un pueblo con aspecto y apariencia tranquila, así que la solución fue hacerla en Ciruelos, una población perteneciente a Toledo. Sin embargo los planos de mar los rodaron en Almuñecar, Fornells y Sitges.

En la novela, lo que hace que los niños enloquezcan es una especie de polen, pero Chicho lo cambió por una especie de venganza de los niños hacia los adultos.

Chicho hace una cameo en la película. Sale cuando Tom se dirige a un autobús a preguntar.

Otro dato curioso es que Chicho se empeñó en que las escenas de los dos protagonistas se hicieran en Inglés, sin doblar. Para potenciar aún más la intriga y el no entender nada de lo que allí estaba sucediendo. Pero finalmente el equipo desechó la idea, ya que no creían que el público de entonces estuviera dispuesto a ver una película casi al completo con subtítulos.

 

Ahora os dejo mi conclusión y veredicto final. Es una obra completísima. Por la conjunción de muchos aspectos. Desde el guion, que es bastante original y controvertido para la época, ya que pone al espectador ante la tesitura ética de qué haría uno en esa situación, de ahí el oportuno título.

El otro aspecto a destacar de la cinta es la forma de guiar al espectador con esas tomas con la cámara al hombro siguiendo a los protagonistas por el fantasmagórico pueblo. Además la intriga y el suspense lo potencia con el calor sofocante que nos hace percibir a los espectadores.

El remate final es la maravillosa e inolvidable música del maestro Waldo de los Ríos. Cuanta razón tiene la gente cuando dicen que gran parte del éxito de una película la tiene su banda sonora. En este caso fue un grandísimo acierto. Tiene tintes a la banda sonora de “la semilla del diablo” (168) y en algunas partes a “Tiburón”, pero aun así es una grandísima y genial propuesta musical que os invito a que escuchéis ya que le da fuerza y personalidad a la película.

La película fue prohibida en su momento en algunos países y en otros hicieron cortes.

Juan José Plans hizo una versión radiofónica en 1999 en el programa “Historias” emitido en Radio Nacional de España.

Gracias Chicho por todas tus contribuciones artísticas, pero tengo que agradecerte más que nada por darnos la oportunidad de disfrutar de esta obra genial y que debería ser inolvidable para los amantes del cine español y sobre todo los fans del cine de Terror.

Gracias a todos por la lectura de este humilde artículo.

VIVA EL CINE.

Benjamín Carretero Montes.

 Chicho habla sobre su película:
 

 

 

 

 

Perros Callejeros. (1977, José Antonio de la Loma).


PERROS CALLEJEROS. José Antonio de la Loma. 1977.
 

Para  mi entender es una obra imprescindible dentro del cine español, y más concretamente el de finales de los 70 y principio de los 80. El director, José Antonio de la Loma, ideó con ello lo que luego fue llamado género Quinqui. Además de ser precursora dentro del género, para mí es, posiblemente, la mejor sin duda. La película fue realizada en 1975, pero no fue legalizada y posteriormente estrenada hasta 1977.

José Antonio de la Loma, al principio de todo, tenía en mente llevar a la pantalla una película basada en la vida de un delincuente juvenil muy famoso en la época, no era otro que José Luis Moreno Cuenca alias el Vaquilla. Para tratar de que fuera una película lo más realista y cruda posible el director decidió investigar. Para ello pidió información a la Guardia Civil y distintos cuerpos policiales de la época. También se decidió a realizar entrevistas personales con personas fichadas o que habían intervenido en crímenes como robos con intimidación y por el método del “tirón”. Muchas de estas entrevistas fueron en secreto, ya que muchos de los chavales estabas perseguidos por la justicia. Al hacer esto, consiguió ideas de gente que lo vivía de primera mano, con lo que daría a la película tintes bastante realistas y crudos.

Lo cierto es que este tipo de delincuencia era muy común en España en esa época. Eran los primeros años de la transición democrática, y el país tenía un gran número de gente en paro y muchos vivían en la pobreza. Normalmente eran suburbios de grandes ciudades como Barcelona y Madrid, donde afloraban este tipo de delincuentes juveniles. Además, al ser menores, como mucho iban una temporada a un reformatorio y nada más. Son jóvenes de familias marginadas, sin recursos, de los cuales, normalmente se aprovechaban pequeñas mafias.

Centrándonos en la película, de la Loma quiso contar con el Vaquilla para interpretarse a él mismo, pero por entonces se encontraba huido de la justicia.
 
 
 Así que tuvo que recurrir a otro delincuente juvenil. Se decidió por Ángel Fernández Franco alias “el Trompetilla” para hacer el personaje principal, “El Torete”.
 
 
El perfil de este chaval le dio bastante autenticidad a la película, ya que él vivió en sus carnes el tema de robos con tirón, robos de coches, persecuciones y entradas y salidas a los reformatorios. Además tenía cicatrices auténticas de heridas de bala, tanto en una pierna como en un brazo.

Una vez tuvo su historia y su reparto, de la Loma se decidió a realizar Perros Callejeros.


 

La historia nos sumerge en los suburbios de Barcelona, donde un grupo de pequeños delincuentes menores de 16 años llevan una vida de delincuencia y violencia al margen de la ley. Se dedican tanto al “tirón” como a atracos a establecimientos y a acosar a parejas, robándoles e incluso abusando de las mujeres. También, para cometer sus fechorías y escapar de la policía se dedican a robar coches.


A lo largo de la película vemos que se van creciendo, y van subiendo sus expectativas. Así que atracan una armería, y se envalentonan y el Torete y sus secuaces deciden incluso robar bancos.
 

El Torete se alía con otros menores como “El pijo”, “El chungo” y “El fitipaldi”.
 

A todo esto, el Torete está enamorado de Isabel. Pero esto le acarreará muchos problemas, ya que esta menor es de raza gitana y está acordada a otro hombre. Además, es sobrina de “El esquinao”, un gitano con mucho poder en la zona y con argumentos bastantes mafiosos.

La película, además, cuenta con multitud de persecuciones en coche. A mí entender están magníficamente realizadas. Son bastante espectaculares.
 

Tras múltiples fechorías de la banda, y de su entrada y salidas (muchas fugándose) de los reformatorios, el Torete no puede resistirse al amor que siente por Isabel, y aun desoyendo a sus amigos por el peligro que entrañaba la relación, decide fugarse con ella. Además, ella entra a formar parte de la banda y colabora en los distintos atracos.
 
 
 A todo esto, finalmente, Torete acaba embarazando a Isabel, con lo que su vida se tuerce más aún. Decide que es su estado no puede seguir así y decide que vuelva al barrio. Pero su tío, el Esquinao, se entera y la coge. Como ha deshonrado a la familia, decide renegar de ella y hace que sus hombres abusen de su propia sobrina. Torete se entera y decide ir a rescatarla, pero  sorpresa, uno de sus colegas le delata y le tienden una emboscada en unos establos. Los secuaces del  Esquinao le atrapan y le dan una paliza, y para rematar todo el propio Esquinao decide cortarle el pene a el Torete.

A todo esto, el Esquinao decide que Torete siga con vida, así que manda a un veterinario para que le cure y le mantenga vivo.

Tras una más que pronta recuperación, el Torete está lleno de rabia y desoyendo a todos decide vengarse. Sigue con un coche robado al Esquinao hasta un descampado, y allí se deshace de uno de sus guardaespaldas y posteriormente atropella en varias ocasiones a la persona que le cortó el pene.
 
 Posteriormente se da a la fuga. Comienza entonces una persecución, y la película acaba con el Citroen Tiburón que conduciía el Torete precipitándose por un barrranco.

Nos da a entender que aquí se acabó el Torete, pero lo cierto es que luego hubo dos secuelas más de Perros Callejeros.

Tras contar la película, voy a escribir sobre otros temas también relacionados con la misma.

La cinta creó mucha controversia en la época y fue duramente critcada. José Antonio de la Loma se defendió diciendo que él sólo contó lo que pasaba en realidad en el país y muchos no querían ver. El caso es que la película no sólo es una crítica al Estado y a la sociedad de la época, como muchos creían, también nos muestra a delincuentes que comenten actos delictivos de manera más que consciente. También hay que entender la mala vida que estos jóvenes llevaban, sin apenas educación y sin ningún referente paterno o materno. Más bien los mayores se aprovechaban en muchos casos de estos jóvenes. La auténtica realidad es que en esos años la delincuencia juvenil era un problema de difícil solución. La película sufrió una campaña de desprestigio por muchos sectores que se sentían atacados en la película. Lo cierto, desde mi sincera opinión, es que es una película bastante cruda y con grandes dosis de realidad. No creo que en ningún momento se ensalce a estos delincuentes ni les traten como héroes, sí que eran víctimas de su época y de su situación. A mí me encanta este tipo de cine que se rodó en los 80. Tienen un gran encanto que no hay que olvidar, que no todo era bonito ni de color de rosa, y que esta gente existió. En ningún caso creo que este cine justifique los actos de estos personajes, simplemente reflejan algo que estuvo conviviendo con nosotros, es más, me arriesgo a decir que este tipo de delincuencia sigue vigente en nuestro país. El caso es que Perros Callejeros, polémicas aparte, llegó a ser durante muchos años una de las películas más taquilleras de la historia del cine español. Además fue la precursora del género Quinqui que tanto juego y éxito tuvo en los 80.

Como dato curioso, el actor que encarnó al Toretes, Ángel Fernández Franco, es el único de toda la película que se dobla a él mismo. El resto de actores son doblados por otras personas. Ángel murió a causa del sida cuando tenía 31 años, posiblemente por el uso de jeringuillas debido a su adicción a la heroína (otra realidad de la época, por la que muchos jóvenes murieron o acabaron muy mal).

 

Pues esta es mi aportación sobre la película PERROS CALLEJEROS, espero que os guste y nos vemos por Cine de los 80. Viva el cine.

Benjamín Carretero Montes.