Presentación

Amantes de mundos fantásticos, bisoños aventureros en busca de tesoros, criaturas de la noche, princesas estudiantiles y fanáticos de cachas de postín, ¡sed bienvenidos!. Invitados quedáis a rebuscar en nuestra colección de VHS, acomodar vuestras posaderas en una mullida butaca, darle al play, y disfrutar de lo bueno, lo malo y lo peor que dieron estas décadas.

ADVERTENCIA: Aquí no se escribe crítica cinematográfica (ni se pretende). Las reseñas son altamente subjetivas y el único objetivo es aprender y disfrutar del cine y, por supuesto, de vosotros.

El coche fantástico, serie (1982-1986, Glenn A Larson, Knigth Rider, El auto fantástico, El auto increíble)


 

“El coche fantástico' es una trepidante aventura de un hombre que no existe, en un mundo lleno de peligros. Michael Knight, un joven solitario embarcado en una cruzada para salvar la causa de los inocentes, los indefensos, los débiles, dentro de un mundo de criminales que operan al margen de la ley”

Ochenters, vamos a comentar una de las series más emblemáticas de nuestra querida década, EL COCHE FANTÁSTICO, que lanzó la fama al apuesto y apolíneo David Hasselhoff, y convirtió a KITT en uno de los referentes automovilísticos de los 80.

EL ARGUMENTO Y LOS PROTAGONISTAS


         El protagonista absoluto de la serie es Michael Knight (es constante el juego de palabras tanto en el título de la serie en inglés, Knight Rider, que se podría traducir como caballero andante o caballero montado, como en los títulos de los capítulos). Lo interpreta, como ya hemos dicho, David Hasselhoff, hasta entonces un joven actor casi desconocido, al que apenas habíamos visto en pequeños papeles en series, o en el film de serie Z Star Crash (1979), un remedo barato de La guerra de las Galaxias que hoy es casi un film de culto, en el que era el protagonista junto al icono del género de aventuras Caroline Munro.
         La serie convirtió a Hasselhoff en una estrella, y en uno de los iconos de los 80, con su melena rizada, su media sonrisa, su camisa desabrochada, su chaquetilla de cuero, y sus botas, que le daban un cierto aire de macarra. Como curiosidad diremos que el gran Hoff ha tenido posteriormente una exitosa carrera como cantante, y que, pese a su fama, tardó casi una década en conseguir que alguna cadena televisiva creyera en su siguiente proyecto, la luego exitosa Los vigilantes de la playa.
En EL COCHE FANTÁSTICO, Hasselhoff Interpreta a Michael Arthur Long, teniente de policía, que cae abatido junto a su coche, un Pontiac Trans-Am negro. Para su fortuna, es rescatado por una organización liderada por el magnate Wilton Knight, que, tras salvarle la vida y reconstruirle la cara, le cambia el nombre por el de Michael Knight, y le pone a trabajar para la Fundación para la Ley y el Orden en la lucha contra el crimen y la injusticia. Y lo hará al volante de su mismo vehículo, al que han dotado de la más avanzada tecnología, y han convertido en el poderoso e indestructible KITT (Knight Industries Two Thousand, en español Industrias Knight 2000), un coche dotado de un cerebro electrónico que le permite autoconducirse, y no solo hablar, sino incluso hacerlo con ironía y sentido del humor.
Como jefe en la Fundación, Michael tiene a Devon Miles, interpretado por el veterano Edward Mulhare, secundario en un montón de clásicos del cine de los 50, 60 y 70. Miles es un cincuentón flemático y estirado, que era el principal colaborador del magnate Wilton Knight, y asume la dirección de la Fundación tras su muerte.
A los dos les acompaña una joven mecánica, que es la encargada del mantenimiento y las averías de KITT. Aunque generalmente se considera que este personaje es Bonnie Barstow (interpretada por Patricia McPherson), en la temporada 2 fue April Curtiss (Rebecca Holden).
La historia de este personaje es muy curiosa: al parecer, al final de la primera temporada, y por un problema contractual, McPherson dejó la serie, y se contrató a Holden. Sin embargo comenzaron a recibirse cartas de los fans reclamando la vuelta de Bonnie y los productores se echaron atrás y así quedó hasta el final de la serie. Aunque para la generalidad de los fans, se considera que Bonnie Barstow es el personaje “oficial”, hay también un grupo numeroso que valora el personaje de April y en general la segunda temporada, donde se encuentran algunos de los mejores capítulos de la serie. En cuanto a diferencias, tanto ambas actices como el matíz que dan a sus personajes son muy diferentes. Mientras Patricia McPherson tiene el pelo liso, es alta y apolínea, y su personaje es formal y aséptico, Rebecca Holden es menuda, peliroja (con un cardado superochentero), con mucho sex appeal, y su personaje es cercano, divertido, y además tiene una gran química tanto con Michael como con KITT.
Como curiosidad os diremos que EL COCHE FANTÁSTICO fue la primera serie de televisión en la que un personaje femenino ocupaba el puesto de mecánico principal de del coche protagonista. Y estos arreglos se hacían casi siempre en carretera, a bordo de un camión negro con el emblema de la fundación, un caballo de ajedrez, al que KITT entraba en marcha, a través de una rampa levadiza.
En la cuarta y última temporada se añadió un personaje adicional, el controvertido Reginald Cornelius III o RC, interpretado por el actor de color Peter Parros, en teoría para dar un apunte cómico y étnico a la serie, aunque, la verdad, con poca fortuna, ya que en esta temporada la es cuando la serie más decae.

EL FORMIDABLE KITT
Como ya hemos comentado, el modelo de automóvil que se utilizó en la serie para encarnar a KITT fue un Pontiac Firebird Trans-Am V8, de color negro, que se ha convertido en todo un icono de la década de los 80, a la altura de otros vehículos legendarios como el Delorean de Regreso al Futuro, la furgoneta GMC Vandura  del Equipo A, o el Ford Grand Torino de Starsky & Hutch.
KITT tenía todo tipo de adelantos tecnológicos, scanner, cámaras, videoteléfono, un volante y un salpicadero futuristas, y sus características luces rojas del morro. Y cómo no mencionar su función más espectacular: el TURBO BOOST, un botón que lanzaba el coche en un salto volador que le permitía atravesar muros y pasar por encima de todo tipo de obstáculos: ríos, puentes, camiones, etc.

Para el rodaje de cada capítulo se utilizaban en torno a una decena de coches, de los que dos eran para los primeros planos, y el resto para las tomas lejanas y las escenas de riesgo. Estos últimos acaban casi todos en el taller de chapa.
En la cuarta y última temporada, a KITT se le añadieron vistosas innovaciones, como unos alerones laterales y traseros que se desplegaban cuando Michael activaba el modo superpersecución.
Como curiosidad, en uno de los capítulos, KITT “pierde la memoria”, que resulta ser un aparatoso artefacto que lleva bajo la carrocería (curiosamente muy similar a los reproductores de vídeo de entonces), y que encuentra por casualidad un niño, que es el que le ayuda cuando está perdido.


GARTZ Y KARR, LOS ARCHIENEMIGOS
         Tanto Michael como KITT se enfrentan, en tal vez los capítulos más recordados, a una especie de “versión malvada” de ambos. La de KITT es KARR (Knight Automated Roving Robot, o Robot Rodante Automatizado Knight), que parece en dos capítulos de la primera y tercera temporadas. Se trata de un prototipo diseñado también por Industrias Knight, pero que por un fallo de programación, resulta inestable y potencialmente peligroso.
         Por su parte, el “reverso tenebroso” de Michael es Gartz, hijo legítimo del magnate Wilton Knight, que es malvado y cruel. Odia a Michael porque le ve como un rival ilegítimo, y desarrolla un supercamión llamado Goliath para enfrentarse con KITT. Este personaje aparece en dos capítulos de la segunda temporada.
      Otro de los capítulos legendarios era en el que Michael y KITT se enfrentan a un grupo de moteros que quieren sembrar el caos en una pequeña localidad del medio oeste. Y como curiosidad, en este episodio, la estrella invitada era la actriz Anne Lockhart, a la que los ochenters recordamos como Sheba en Galáctica, estrella de combate.

        Y mencionaremos también el episodio en el que Devon se hace pasar por un excéntrico magnate tejano.


CONCLUSIÓN

Quién no ha hablado a su reloj para decir “KITT, te necesito”, y ha esperado recibir como respuesta un “¿Dónde estás, Michael?”. ¿Quién no recuerda su famosa sintonía?. EL COCHE FANTASTICO forma parte de nuestra esencia ochenter. Es una serie que ha trascendido la leyenda y forma parte de la iconografía de la década. También ha tenido versiones, remakes (bastante flojos, la verdad), y videojuegos. Así que ochenters, conectemos el TURBO BOOST y a volar.

Por Víctor Sánchez escritor













El Chip Prodigioso (1987, Joe Dante) Innerspace


TÍTULO ORIGINAL: Innerspace

AÑO: 1987

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Joe Dante

GUIÓN: Jeffrey Boam, Chip Proser

MÚSICA: Jerry Goldsmith

FOTOGRAFÍA: Andrew Laszlo

REPARTO: Dennis Quaid, Martin Short, Meg Ryan, Kevin McCarthy, Fiona Lewis, Vernon Wells, Robert Picardo, Henry Gibson, Dick Miller, Wendy Schaal.

PRODUCTORA: Warner Bros, The Guber-Peters Company, Amblin Entertaiment.

GÉNERO: Aventuras, Acción,  Fantástico, Comedia.

PREMIOS:

Oscar a los mejores efectos visuales (1988): Dennis Muren, Bill George, Harley Jessup, Kennet, Smith, 

SINOPSIS:

Tuck Pendelton (Dennis Quaid) es un piloto que se presenta voluntario a un experimento de miniaturización para explorar el interior de un conejo. Pero unos delincuentes roban el proyecto y por accidente acaba dentro del hipocondríaco Jack Putter (Martin Short). Para conseguir que Tuck salga del cuerpo de Jack piden ayuda a Lydia (Meg Ryan), la ex novia de Tuck. Mientras, la organización criminal no deja de perseguirlos. 


En 1984, el productor Peter Guber propuso a Joe Dante rodar el guión de Innerspace escrito por Chip Proser. Guber había desarrollado la idea junto al ejecutivo Bruce Berman en la Universal. Dante no consideró muy interesante este proyecto por recordarle a Un viaje alucinante (1966, Richard Fleischer).

Tiempo después, Berman dejó la Universal por la Warner y contrató al guionista Jeffrey Boam (La Zona Muerta, Jóvenes Ocultos, Arma letal 2 y 3) para reescribir el guión de Innerspace.  El enfoque del guión de Boam se orientó hacia la comedia.

Junto con la Warner, los productores fueron Steven Spielberg (es una película Amblin) y Peter Guber junto con Jon Peters (socios desde Un hombre lobo americano en Londres). 

Los papeles protagonistas recayeron en Dennis Quaid, Martin Short y Meg Ryan. Los secundarios son habituales en las producciones de Dante: Kevin McCarth, Robert Picardo, Henry Gibson, Dick Miller, Wendy Schaal … Vernom Welles encarnó al matón con reminiscencias de Terminator.




Otros que también trabajaron en diversas ocasiones con Joe Dante fueron Rob Bottin (creador de los diseños y efectos de maquillaje) y Jerry Goldsmith (compositor musical). El director de fotografía fue Andrew Laszlo (La Presa, Acorralado, Calles de Fuego).

El rodaje transcurrió entre el 24 de julio y el 1 de noviembre de 1986 en los platós de la Warner y exteriores de San Francisco y Los Angeles.

Dennis Muren, al frente de la Industrial Light of Magic, se encargaría de los efectos especiales. Muren tiene en su haber dos records Guinness; el de mayor nominaciones en los Oscars y el de ganador de mayor número de Oscars en la categoría de efectos especiales. En cuanto a los Oscars ganados en la categoría de mejores efectos especiales nos encontramos con: Jurassic Park, Terminator 2, The Abyss, El Chip Prodigioso, Indiana Jones y el Templo Maldito, El Retorno del Jedi, E.T., y El Imperio Contraataca.

Para adaptarse al estilo desenfadado de Dante, Muren optó por unos efectos que huyeran de trucajes ópticos y que fueran grabados frente a la cámara a la vieja usanza; así lo que primó fue el uso de maquetas y miniaturas. Para recrear el cuerpo humano se consultaron expertos médicos y documentales. Otra técnica empleada fue la perspectiva forzada en la que se utilizaban objetos de tamaño doble para hacer a los actores más pequeños: por ejemplo cuando los villanos están en el coche o en la cabina telefónica.



En el Chip prodigioso nos encontramos frente a un película que conjuga comedia, acción y ciencia ficción, rodada impecablemente y que es más comedida respecto a lo que Dante nos venía acostumbrando. Tiene un toque de buddy movie en cuanto a la relación entre Tuck y Jack; ambos de temperamentos diametralmente opuestos, pero que se complementan estableciendo una relación simbiótica. 
Tanto Dennis Quaid como Martin Short están sensacionales, pero a mi gusto el que se lleva el gato al agua es Martin Short con su cachondísima interpretación de Jack Putter. Y es que los momentos que nos ofrece son inolvidables; la pesadilla en el supermercado que se hace realidad, su transformación en El Cowboy, su arrebato de valor en el camión frigorífico … Pero mi favorito es cuando espera en la consulta del médico y al escuchar la voz interior de Tuck exclama aterrado: “¡Ay, Dios mío! ¡Qué alguien me ayude! ¡Estoy poseído!”. El doblador español para Putter fue Joan Pera (al que todos conoceréis como la voz de Woody Allen).
Por otra parte es un placer contemplar a Meg Ryan en su papel de Lydia, una mujer dulce pero de armas tomar. Fue durante este rodaje donde Ryan y Quaid se conocieron y entablaron una relación de pareja que duró años. 

Desgraciadamente, la acogida por parte de crítica y público muy floja. A la crítica no le entusiasmó y en taquilla no llegó ni a cubrir su presupuesto (25 millones recaudados con un presupuesto de 27).

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA

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Re-Animator (1985, Stuart Gordon)


TÍTULO ORIGINAL:  Re-Animator

AÑO: 1985

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Stuart Gordon

GUIÓN: Dennis Paoli, William Norris, Stuart Gordon.

MÚSICA: Richard Band

FOTOGRAFÍA: Mac Ahlberg

REPARTO: Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, David Gale, Robert Sampson, Carolyn Purdy-Gordon, Peter Kent, Ian Patrick Williams, Bunny Summers, Al Berry 

PRODUCTORA: Empire Pictures / Re-Animator Productions

GÉNERO: Terror. Comedia negra.

PREMIOS:

-Avoriaz Fantastic Film Festival (1986), Mención Especial: Stuart Gordon
-Fantafestival (1986), Mejor Película: Stuart Gordon
-Fantafestival (1986), Mejores Efectos Especiales: Anthony Doublin
-Sitges (1985), Mejor Película: Stuart Gordon

SINOPSIS:

Herbert West (Jeffrey Combs) estudia en Europa métodos para devolver la vida a los muertos. Después de que su mentor muera en extrañas circunstancias viaja a EEUU, donde continuará sus experimento en la Universidad de Miskatonic. 


Stuart Gordon había cofundado junto a su mujer Carolyn Purdy-Gordon la compañía de teatro Organic Theater de Chicago. Gordon llevaba tiempo queriendo hacer una película y un amigo le aconsejó que dirigiera una de terror porque “nunca pierden dinero”. Fue en medio de una conversación acerca de que había demasiadas películas de Drácula y Frankenstein cuando alguien le recomendó el cuento Herbest West, reanimador de H.P.Lovecraft. Gordon era admirador del de Providence (realizaría más adaptaciones suyas a la gran pantalla), pero ese cuento no lo había leído. Fue en la biblioteca de Chicago donde pudo consultarlo y decidió que sería un proyecto para una serie de televisión de 13 episodios basándose en la estructura de 6 capítulos de Herbert West, reanimador.

Paralelamente, Brian Yuzna acababa de llegar a Los Angeles buscando un director para un proyecto inexistente. Fue así como conoció a Charles Band, el dueño de la mítica productora Empire (Band y su Empire merecerían un artículo aparte así que no me detendré sobre este asunto en cuestión).
Yuzna oyó hablar de un director de teatro que quería hacer una película de terror y fue así como contactó con Stuart Gordon y le convenció de convertir su idea de serie televisiva en un largometraje; así nació Re-Animator.


Dennis Paoli (amigo de la infancia de Gordon y colaborador de la Organic Theater) escribió el guión. La influencia de este en el resultado final es notable: era profesor de literatura en Nueva York especializado en ficción gótica de los siglos XVIII y XIX y conocía muy bien la obra de Lovecraft: “Lovecraft impulsó el género y lo llevó más allá en términos literarios, nosotros teníamos que hacerlo en términos cinematográficos”. Aunque esta es una adaptación completamente libre y poco tiene que ver con el estilo lovecraftiano (este hubiera detestado la violencia explícita, el humor burdo y las escenas sexuales), a partir de esta película se dispararon las adaptaciones cinematográficas de su obra.

En el guión también participó Stuart Gordon, quien , junto con Yuzna, se tragó todas las películas de terror de finales de los setenta y principios de los ochenta con el propósito de dejar este cine atrás, aunque fuese por la vía del exceso.

El tercer guionista fue William Norris,  quien ayudó a desarrollar la trama en la actualidad. 


El personaje de Meg no aparecía en el relato original, pero se creó para dar un contrapunto de cordura a las decisiones desquiciadas de los hombres. Meg fue interpretada por la mítica Barbara Crampton, quien actualmente disfruta de una segunda juventud debido al revival ochentero actual.

Charles Band fue el que recomendó a Mac Ahlberg como director de fotografía. Ahlberg se había encargado de la fotografía de casi todas las películas de la Empire y se nota en la estética de Re-Animator.

Otra aportación de Band fue el equipo de efectos especiales: Everett Burrell, Anthony Doublin, John Naulin, John Carl Buechler … Todos ellos terminaron en proyectos más ambiciosos debido a los espectaculares efectos que crearon, y más siendo artesanales.

Otro cercano a Charles Band y a la Empire fue su hermano Richard Band, quien no dudó en copiar descaradamente el tema principal de la B.S.O. del clásico de Hitchcock, Psicosis (1960).



Aparte de Barbara Crampton como Meg, la novia de Dan, los actores principales son Jeffrey Combs (Herbert West), Bruce Abbott  (Dan) y David Gale (Dr.Hill).

Destacan sobre todo las actuaciones de Combs y de Gale. El primero completamente obsesionado por reanimar a los muertos y el segundo un sádico recalcitrante. Abbott ofrece, al igual que Crampton, un papel más comedido e inocente. 

La historia es muy sencilla y sirve casi como excusa para recrearse en el “splastick” al más puro estilo de El regreso de los muertos vivientes o Posesión Infernal (1981, Sam Raimi). Así se suceden las situaciones estrambóticas con las escenas gore. 

Destaca en especial la parte final con la cabeza del Dr.Hill y su cuerpo haciendo de las suyas … Por separado … A este respecto no desvelaré nada para no estropear la sorpresa a quien no la haya visto.

El presupuesto de Re-Animator fue de 900.000 dolares y supero los 2 millones de beneficios. Dio pie a una trilogía completada con La novia de Re-Animator (1990, Brian Yuzna) y Beyond Re-Animator (2003, Brian Yuzna).

Este fue el inicio de la continua colaboración y amistad entre Stuart Gordon y Brian Yuzna.

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA

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Muere Stuart Gordon

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Stuart Gordon falleció la madrugada del 24 de marzo de 2020 a los  72 años.

Gordon debutó como director con la película Re-Animator (1985), pero anteriormente había dirigido obras de teatro experimental (incluida una versión política de Peter Pan que lo llevó a la cárcel por obscenidad al incluir temas como la homosexualidad y las drogas).

Compartía con su amigo Brian Yuzna (colaboraron en muchas ocasiones) su amor por H.P.Lovecraf y así lo demostró dirigiendo, además de la citada Re-Animator, Re-Sonator (1986) y la producción española Dagon (2001), así como el episodio de Masters of Horror, Dreams in the witch House (2005). Pero no fue este su único homenaje a uno de los maestros literarios de terror, así adaptó la obra de Edgar Allan Poe en 1991 con El pozo y el Péndulo y en 2007, otra vez en la serie Masters of Horror, con El gato negro. Su obra como director en este género queda completa con Dolls (1987), Castle Freak (1995) y el capítulo El Canibal (2008) de la serie de Mick Garris, Fear Itself.
Gordon también incursionó la ciencia ficción con tres películas: Robot Jox (1990), Fortaleza Infernal (1992) y Space Truckers (1996).
Sus últimos trabajos (en mi opinión de gran calidad) se alejaron del fantástico y abrazó producciones de cine independiente muy cercanas al noir y el thriller: King of the Ants (2003), Edmond (2005) y Stuck (2007).

En su más desconocida (y a veces sorprendente) faceta de guionista abordó proyectos tan dispares como Cariño, he encogido a los niños (1989), Body Snatchers (1993), El dentista (1996) o Progeny (1998).

A pesar de esta magnífica trayectoria, Gordon ha sido generalmente bastante infravalorado. En Más que Cine de los ochenta lamentamos profundamente su muerte y reivindicamos, hoy más que nunca, su legado. 

D.E.P.

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA


Conan, el Bárbaro (1982, John Milius) Conan the Barbarian




TÍTULO ORIGINAL: Conan The Barbarian

AÑO: 1982

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: John Milius

GUIÓN: John Milius, Oliver Stone (Novela: Robert E.Howard)

MÚSICA: Basil Poledouris

FOTOGRAFÍA: Duke Callaghan

REPARTO: Arnold Schwarzenegger, James Earl Jones, Sandahl Bergman, Max von Sydow, Ben Davidson, Sven-Ole Thorsen, Cassandra Gaviola, Gerry López, Mako, Valérie Quennessen, William Smith, Nadiuska, Jorge Sanz, Jack Taylor.

PRODUCTORA: Edward R. Pressman Production / Dino de Laurentiis Productions.

GÉNERO: Aventuras. Acción. Fantástico.

PREMIOS:

  • Ganadora del Globo de Oro a Nueva Estrella del año en una película: Sandahl Bergman
  • Ganadora del Saturn Award a Mejor actriz: Sandahl Bergman

SINOPSIS: En la Era Hiboria, el ejército comandado por Thulsa Doom (James Earl Jones) saquea una pequeña aldea de Cimmeria asesinando a los adultos y esclavizando a los niños. Uno de los pequeños supervivientes (Arnold Swachzenegger) es Conan, un joven que cuando crezca no descansará hasta cobrar venganza por la muerte de sus padres y de su pueblo. 



El personaje de Conan nació en 1932 de la mano de Robert .E. Howard en la revista Weird Tales. Si bien su impacto inmediato fue modesto, a partir de 1966 tuvo un gran resurgimiento con la publicación de una serie de libros de bolsillo sobre el cimmerio que se hicieron muy populares. Poco después el personaje emprendió una vida independiente debido a un creciente número de seguidores que continuaron las historias de Howard. En 1982 ya estaban a la venta al menos 65 libros en rústica de tres diferentes editoriales, además de una serie de revistas de Marvel relacionadas con Howard y una tira de prensa que aparecía en cerca de 100 diarios. Con la película, Conan renació una vez más.

Conan, El Bárbaro(1982, John Milius) se concibió como película por primera vez en 1975 por el productor ejecutivo Edward R.Pressman quien, deseoso de encontrar una película para Arnold Schwarzenegger, fue introducido en el arte de Frank Frazetta. Pressman, junto con el productor asociado Edwars Summer contrataron a Oliver Stone como guionista. El guión original de Stone era una auténtica locura: estaba ambientada en un futuro postnuclear y contaba con ejércitos de mutantes. Además, Stone barajó la opción de una saga de doce películas.

El proyecto, como era de esperar, fue rechazado por los grandes estudios. Así que Pressman y Summer lo vendieron a Dino de Laurenttis, quien contrató a John Milius como director, a su hija Raffaella como productora y ellos siguieron vinculados con sus funciones originarias: productor ejecutivo y productor asociado.




La elección de John Milius como director no pudo ser más acertada ya que compartía con Robert.E.Howard la misma interpretación vital: sólo los más fuertes sobreviven. Milius no dudó en impregnar toda la película con este filtro darwiniano en cuanto a fondo (hablaré después sobre la influencia de la idea del superhombre nietzscheano), y en cuanto a forma: todos los protagonistas y especialistas destacaban por su físico. También dotó a la producción del espíritu bélico que le embargaba desde sus años jóvenes (Milius fue voluntario en la guerra del Vietnam, pero fue rechazado por ser asmático).

El rodaje comenzó el 7 de enero de 1981 y la fecha de finalización fue exactamente la programada: 20 de mayo. El presupuesto fue de 20 millones de dólares.

Aunque se consideraron países como Canadá, Checoslovaquia , Alemania y Yugoslavia, España fue elegida por la variedad de terreno que ofrecía. Además, Milius ya conocía nuestro país al haber rodado El viento y El León. Las localizaciones principales fueron Madrid y Almería. Otras localizaciones secundarias fueron Ávila, Talamanca, Segovia y Cuenca. Para el rodaje de interiores se acondicionaron como platós dos almacenes y un hangar de aviones del ejército de Madrid. En Talamanca se utilizó un convento abandonado para las secuencias, tanto de interiores como de exteriores, de la taberna. Las escenas de “La Rueda del Dolor” se rodaron en la llanura de Ávila. Valsaín (Segovia) fue el escenario para la invasión e incendio del poblado de Conan. Cuenca y su “Ciudad encantada” y Almerimar (Almería) completan las localizaciones exteriores.

En total se emplearon entre 5.500 y 6000 personas para el rodaje, entre actores, personal administrativo, equipo técnico y artístico y extras. De estas personas, cerca de 20 componían el reparto principal, sobre 100 eran papeles secundarios , y entre 270 Y 300 componían el equipo técnico y artístico. El resto, 5000 o más, eran extras y especialistas de todas las nacionalidades.



Los elegidos como protagonistas fueron Arnold Schwarzenegger, Sandahl Bergman y Gerry López. 

Poco me voy a extender hablando de Schwarzenegger, simplemente decir que interpreta a Conan (de niño , Jorge Sanz) en su primer gran papel, y que a raíz de el se convirtió en una superestrella. Y es que muy difícil resulta imaginar a otra persona encarnando al cimmerio.

Sandahl Bergman destacó en All That Jazz, sobre todo con el número de baile “Air erotica”. Desde los cinco años se preparó como bailarina estudiando ballet clásico, jazz, tap, y, con José Greco, flamenco. Sus mentores de baile fueron Michael Bennett y Bob Fosse. Debutó como actriz y bailarina en 1971, con el musical Coco, y continuó con Gigi, Follies, Mack y Mabel … En Conan interpreta su primer papel protagonista, el de Valeria, por el que recibió el Globo de Oro a la actriz revelación. Después sólo  trabajaría en pequeños papeles en cine y televisión.

Nacido en Hawai, Gerry López era una leyenda del surf que ya había trabajado con Milius en El gran miércoles (1978) interpretándose a sí mismo. Puede decirse que Conan es su debut cinematográfico.  Interpreta a Subotai, un guerrero con claras reminiscencias mongólicas; de hecho, su apariencia está claramente inspirada en Gengis Kan.

El trío de malvados es sensacional. James Earl Jones interpreta a Thulsa Doom, Ben Dasvidson es Rexor y  Sven Ole Thorsen es Thorgrim.


James Earl Jones fue la voz de Darth Vader y su caracterización de Doom con esos ojos azules, piel negra y cabello largo y lacio, le confieren el aspecto de otra especie de hombre, el último de una raza extinta (dicen que tiene más de mil años, se comenta en varias secuencias). 

Ben Davidson (Rexor) medía 2,03 metros de altura y pesaba 122 kilos, había sido estrella del fútbol americano y practicante de lucha grecoromana. 

Steve-Ole Thorsen medía 1,95 metros y pesaba 127 kilos, era especialista en karate , powerlifting y culturismo. 





La mayoría de las escenas fueron interpretados por sus tres protagonistas a pesar de que hubiera escaladas y saltos desde gran altura. A esto contribuyó que ya estuvieran en una gran forma física al destacar en sus respectivos mundos: culturismo, baile y surf. Además, fueron entrenados en kendo bajo la dirección del maestro japonés Kiyoshi Yamazake. El no emplear especialistas dotó a las actuaciones de mayor realismo. Aún así, tanto Arnold como Sandhal no se libraron de resultar heridos. Hay una anécdota sobre las heridas que Arnold sufrió cuando fue atacado por el perro en el túmulo; al parecer, Milius le dijo: "El dolor es pasajero, el cine eterno".


Para que se mantuvieran en forma se cuidó al detalle su alimentación y entrenamiento. Se les equipó con un gimnasio completo que les seguía por las localizaciones de la película e incluso muchos actores y miembros del equipo se sumaban al entrenamiento al final del día fortaleciendo de este modo la moral general. 

En los papeles secundarios tenemos a William Smith como padre de Conan y la bella Nadiuska su madre. Mako es Akiro, el hechicero (narrador de esta historia y compañero de andanzas en la segunda parte donde cobra más protagonismo) y Cassandra Gava la bruja que seduce a Conan. Valérie Quennessen es la Princesa Yasimina, y, el recientemente difunto Max Von Sydow el Rey Osric.

Contamos con los siguientes cameos. John Milius, en una escena del mercado de la antigua Shadizar, vende “lagarto en un palo” (escena eliminada). El diseñador de producción (Ron Cobb) ofrece a Conan y Subotai “Loto negro de Estigia”. La esposa de Milius, Celia Kaye, y la de Ron Cobb, Robin Love, interpretan a devotas de la secta de Set en una escena de La Montaña del Poder de Thulsa Doom. Y el secretario de John Milius (Saralo) aparece brevemente como el luchador del foso al que Conan decapita.


Las serpientes fueron centrales al ser objeto de culto por parte de la secta de Thulsa Doom.  Milius declaró que las serpientes estuvieron involucradas en muchos de los cultos de la antigüedad (Set fue una deidad serpiente en el Oriente Medio, y recordemos la serpiente del Jardín del Edén) y que tienen mucho que ver con la sexualidad (y la sexualidad con el control de la mente). 

En total se emplearon 35 serpientes reales entre anacondas, pitones y boas, de longitudes entre 1 y 3 metros. Su adiestrador era un mexicano nacido en Bélgica y residente en Madrid, el Dr. Tiva, quien también supervisó la enorme serpiente mecánica de Nick Allder y las lentes de contacto de “ojo de serpiente” que utilizó el actor James Earl Jones durante su “transformación”.

En cuanto a los efectos especiales de Nick Allder -ganador de un Oscar por Alien (1979, Ridley Scott)- destaca la construcción de una serpiente mecánica de 10 metros de largo que era impulsada por un ariete hidráulico capaz de mover 90 toneladas. La serpiente fue construida en gran parte con materiales específicos de aeronaves. Ron Cobb diseñó el exterior, Peter Voysey produjo el modelo y Allder diseñó y construyó la mecánica interna, además de encargarse de la soldadura. El interior de la serpiente parecía un avión.





Aquello que no nos mata
nos hace más fuertes

(Friedrich Nietzsche)


La obra se abre con esta frase del filósofo alemán (frase que cobra todo su sentido en el desarrollo de la trama). A continuación vemos la inserción de los créditos sobre una pantalla completamente negra mientras escuchamos retumbar unos tambores de guerra y la voz grave y solemne del narrador (Akiro, el mago) dice ...

En aquellos tiempos, cuando los océanos separaron el Atlantis, y surgió el amanecer de los soles de Aries, hubo una época increíble en la que Conan estaba destinado a llevar la joya de la corona de Aquilonia sobre unas tierras en peligro. Sólo los suyos fueron los que muy particularmente pudieron contar su saga. 

Yo quiero contar todo sobre aquella época de suma aventura...


La música épica de Basil Poledouris irrumpe a la par de la imagen de una espada (la espada del padre de Conan) que está siendo forjada en el fuego.

El comienzo es simple y llanamente portentoso.



La historia está ambientada en la Era Hiboria, un período ucrónico creado por Howard para su obra. Milius no duda de aprovechar sus conocimientos históricos para repletar la narración de referencias a épocas históricas pasadas y símbolos culturales pretéritos: ciudades megalíticas, la crucifixión de Conan, túmulos, vestimentas vikingas , pirámides (La Montaña del Poder) ...

Para componer la banda sonora se había pensado en Ennio Morricone, pero al final fue Basil Poledorius (El lago azul, Robocop, La caza del Octubre Rojo) el creador de una música esencial al soportar un relato con pocos diálogos. Poledorius lo enriquece mediante una música épica y grandilocuente y plagada de guiños a tiempos ancestrales.

Swachzenegger tenía clarísimo que su interpretación como Conan debía de ser fundamentalmente física e hierática, al más puro estilo de muchos de los personajes de su idolatrado Clint Eastwood. Para lograr esto no dudó en pedir a Milius que lo tratase como a un perro entrenado (y a Milius,  como buen militar frustrado,  le entusiasmo la idea).


Los conceptos de fuerza, poder y voluntad son núcleo central. Por ejemplo, Doom , con su mirada - que interpretada como una mirada hipnótica se podría reinterpretar como una acción de poder y voluntad - somete a una madre de Conan quien, en principio, defiende a su hijo con uñas y dientes para terminar rindiéndose por completo antes de que muera decapitada mientras sostiene la mano de su pequeño. Pero este favor le será devuelto cuando, en el tramo final, Conan cobra su ansiada venganza decapitándolo (también tras una lucha previa de miradas), de una forma brutal y despiadada. 

Por eso no es casualidad que en su inicio se cite la frase de Friedrich Nietsche, ni que tanto Howard como Milius (ambos lectores voraces) admirasen al alemán y volcasen en sus respectivos trabajos de Conan (uno como escritor y creador y otro como cineasta) el concepto del superhombre nietzscheano.

Además, el hecho de que la idea de fuerza es central queda más que patente al conocer que Milius había concebido Conan como una trilogía en la que la primera parte versaría acerca de la fuerza bruta, la segunda sobre de la responsabilidad y la tercera acerca de las tradiciones y la lealtad.

Milius no se corta en presentarnos a Conan como un superhombre nietschano en cuanto a su moral y a un superviviente darwiniano en cuanto a su fortaleza. Durante la secuencia de la Rueda del Dolor vemos como , mediante una elipsis temporal, uno tras otro, todos los que acompañan a nuestro héroe girando la rueda van desapareciendo , hasta que se nos muestra a un único hombre en pie: Conan. Cuando es "liberado" de este tormento es condenado a luchar a muerte como gladiador. En una sangrienta carrera meteórica en el foso, Conan se transforma en un guerrero implacable que ya es instruido en la lectura y la escritura, además de en el arte de la lucha.

 -Conan, ¿qué es lo mejor de la vida?

-Aplastar enemigos. Verlos destrozados. Y oír el lamento de sus mujeres.

Finalmente , Conan es liberado. Pero en otro acto de este prototipo nietscheano ni siquiera da las gracias. Simplemente huye y , con la espada que encuentra en el túmulo, corta sus propias cadenas para ejercer la libertad tal y como él la contempla: saqueando, robando , matando para satisfacer todos sus apetitos primarios: sexo, sed, comida; de la forma más bárbara y animal posible. Y por supuesto ,su sed de venganza hacia los hombres que le arrebataron todo. De hecho, es más fuerte este deseo que el amor que siente por la propia Valeria. En este aspecto, Thulsa Doom, su némesis, actúa como el verdadero motor impulsor de las motivaciones de Conan, como él mismo se encarga de recordarle previamente a su crucifixión y en el final. 
Durante la batalla en los aposentos megalíticos de Mako, el hecho de quebrar la espada de su padre en las manos de Rexor, podría representar el símbolo de superar la sombra del recuerdo y de la influencia del progenitor, para abrazar la libertad plena y conducirse de forma autónoma por la vida.




Otra cualidad del superhombre es el odio a la religión, y Conan detesta la religión y la magia. En cuanto a la primera, sólo desea exterminar a la secta de Set y el dios en el que cree, Crom, es, como dice su padre, un dios que está en la tierra, que, aunque Conan respeta, lo ve como un igual. La magia representaría un juego sucio: los problemas deben solucionarse por la propia fuerza y destreza , no mediante poderes externos.

Esto es lo que dice cuando lo vemos rezar por primera y única vez a Crom:

Crom, jamás te había rezado antes, no sirvo para ello. Nadie, ni siquiera tú recordarás si fuimos hombres buenos o malos, por qué luchamos o por qué morimos. No... lo único que importa es que dos se enfrentan a muchos. Eso es lo que importa. El valor te agrada, Crom, concédeme pues una petición, concédeme la venganza. Y si no me escuchas.... ¡vete al infierno ! 


Pero Conan también es un personaje que sufre, sangra y pierde (otra vez remito la frase de Nietsche: Aquello que no nos mata nos hace más fuertes), para después resurgir fortalecido y destruir a su enemigo: en su primera pelea en el foso su ingenuidad lo lleva casi a la muerte, es arrestado por los soldados de Osric al yacer inconsciente de la borrachera, y queda al borde de la muerte tras su primer encuentro con Thulsa Doom (de adulto). 


En mi opinión nos encontramos con una gran película y un clásico imprescindible de los ochenta que ofrece acción y entretenimiento, pero que esconde ricas interpretaciones para quien quiera indagar y ver más allá del mero envoltorio. En taquilla fue un éxito recaudando cerca de 70 millones de dólares con , recordemos, un presupuesto de 20.

Así fue como Conan devolvió a su hogar a la caprichosa hija del rey Osric y, no teniendo ningún otro motivo que le retuviera allí, él y sus  compañeros se dirigieron hacia el Oeste. Muchas guerras y enemistades tuvo que desentramar. Honor y temor cubrieron su nombre y, con el tiempo, llegó a convertirse en rey por sus propios méritos.

Pero esa es otra historia...

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA

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