Bandas de los 80 aún en activo III: PET SHOP BOYS

 

Porque hablar de Pet Shop Boys es hablar de calidad y experiencia y, al ser uno de esos grupos irreductibles que aún perduran sin prácticamente decepcionar con su actividad, merecían pasar por esta sección musical.

Este dúo británico que debe su nombre a que ambos integrantes (Neil Tennant y Chris Lowe) tenían un amigo en común que trabajaba en una tienda de animales, en realidad se conocería en otro tipo de tienda, concretamente en una de artículos electrónicos y gracias a que Neil (el cantante) había comprado un teclado y no sabía cómo demonios conectarlo, necesitando de un adaptador especial. Volviendo al tema del nombre de la banda, decir que en un principio iba a ser "West End", y es que a Neil, a pesar de que su gusto tiraba algo más hacia lo clásico, le hacía gracia cómo sonaba pues parecía el nombre de un grupo de rap.

Ese gusto por la música clásica por parte de Neil (quien además de haber sido editor para Marvel Comics fue periodista y crítico musical en Smash Hits Magazine) no evitaría que el interés por el Dance fuera el punto de encuentro entre él y Chris Lowe (el maquinitas) y así, 5 años después de conocerse, vería la luz su primer disco "Please" (1986), cuyo nombre jugaba con la idea de que cuando la gente fuera a pedir "el disco de los Pet Shop Boys" a las tiendas añadiera "por favor". En "Please" se incluiría ese clásico (que rara vez falta en un recopilatorio comercial de los 80) llamado "West End Girls" (porque lo de "West End" había que usarlo sí o sí).

 

Sobre esta canción hay que anotar que había sido lanzada previamente como single en 1984 pero que no había logrado el éxito, sin embargo al ser relanzada en una nueva versión, no sólo lograría alcanzar el nº 1 sino que años más tarde sería elegida como mejor canción entre 1984 y 1994 por una encuesta realizada por la BBC. Va a ser que al menos musicalmente funciona eso de "quien la sigue la consigue".

Los chicos seguirían trabajando duro para hacerse un hueco más amplio en el panorama internacional publicando 2 nuevos discos en 1987 y 1988, concretamente "Actually" (que en su discografía ostenta el tercero en ventas y aunque similar a "Please" mostró una mejor producción) e "Introspective", segundo en ventas y que, en mi opinión es un mal llamado LP, tratándose más bien de un EP del cual sólo 2 de las 6 canciones que lo componen son propias (y muy buenas) siendo las 4 restantes unas estupendas covers de otros artistas.

Estos 2 trabajos nos darían grandes canciones como "What Have I Done To Deserve This?", "It's A Sin" (canción inspirada en la dura educación religiosa que recibió Neil), "Left To My Own Devices" (título que inspiraría al actual grupo de Synthwave de nombre Le Cassette), "I'm Not Scared", "Domino Dancing" o "Always On My Mind".

A partir de este momento y ya en los 90 se iniciaría el uso de una curiosa regla por la que los Pet Shop Boys casi siempre sacarían disco nuevo cada 3 años, regla sólo rota en 2 ocasiones. De esta manera tendríamos "Behaviour" en 1990 y con 3 años de separación entre cada disco vendrían consecutivamente "Very", "Bilingual", "Nightlife" y "Release". Para el siguiente disco ("Fundamental", ya en 2006) habría hecho falta un año más. Luego de eso volveríamos a lo de ir a disco cada 3 años con "Yes" en 2009 y "Elysium" en 2012. De nuevo la regla se rompe y se saca, en un arrebato de productividad, un nuevo trabajo justo al año siguiente "Electric" y posteriormente (después sí, de 3 años de nuevo) los chicos sacarían el hasta ahora último trabajo "Super" en 2016.

Pero eso es ir muy lejos y demasiado pronto aún, volviendo a la década de los 90, decir que los PSB la iniciaron de una manera bastante decente, siendo su disco "Behaviour" bastante popular y, aunque a día de hoy sigue pareciendo un poco fuera de lugar teniendo en cuenta el tono de sus discos anteriores y que su número de ventas no fue tan alto como el de sus predecesores, se puede considerar que posee un cierto status de culto por ser mayormente un disco de cariz más intimista con canciones como "My October Symphony", "Being Bored" o "To Face The Truth", siendo su tónica más tranquila rota poco más que por el algo más animado "So Hard".

En 1993 saldría a la luz "Very", disco considerado un poco hito en relación al final de los rumores sobre la posible homosexualidad por parte de Neil Tennant, quien puso fin a los mismos mediante una oportuna salida del armario. En "Very" la templadez del disco anterior se ve relegada por ritmos más bailables siendo además el look del dúo algo que también mutaría, apostándose ahora por un festival de extravagancia a todo color y curiosos ropajes. Este disco, que vendió 5 millones de copias y está incluido en el libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir", nos daría entre otros ese gran himno que es "Go West" (originariamente de Village People) con el cual suelen de hecho terminar sus conciertos y cuyo videoclip a día de hoy sigue siendo muy recordado.

 

El siguiente trabajo de PSB sería su disco "Bilingual", el cual es un disco que yo particularmente aplaudo dado el alto cariz experimental que le metieron, encontrando su máxima expresión en las percursiones brasileñas en canciones como la muy veraniega "Se A Vida E (That's The Way Life Is)"...

... o la estupenda "Single - Bilingual", con chapurreos ocasionales en español, un videoclip que parodia la vida propia de los yuppies y la tan llamada "business class" así como una influencia clara de la canción "Matador" de Los Fabulosos Cadillacs. Este empape de ritmos latinos fue consecuencia directa de una gira por Sudamérica antes de lanzarse el disco.

A las puertas casi del nuevo milenio PSB sacaría "Nightlife", dejándose acompañar en su promoción  de una estética que mezclaba trajes de ejecutivo (cuando no ropa casual) con pelucas rozando lo punk y cejas postizas de corte Kabuki. Este fue un disco con algunos temas muy buenos y también una (no muy para tirar cohetes) colaboración con Kylie Minogue. Como mejores canciones escucharíamos la super bailable "For Your Own Good", la pastiche disco "New York City Boy" así como "I Don't Know What You Want But I Can't Give It Anymore", canciones de una gran calidad pero que extrañamente chocaban un poco con la sensación de relleno que desprendía el resto del disco.

 

Y es que antes del lanzamiento de "Nightlife" los Pet Shop Boys estaban enfrascados colaborando en la realización de un musical de nombre "Closer To Heaven" (compartiendo título con una de las canciones del disco) y pudiere ser que el resultado final de "Nightlife" se viera algo condicionado por ello. Las cifras de este trabajo fueron realmente bajas en comparación con las de sus anteriores trabajos, siendo un claro síntoma de que la era de la piratería musical ya había comenzado a afectar bastante al formato cd.

2002 trajo consigo el disco "Release", un trabajo bastante templado en comparación con el resto de la discografía. Esto supuso el desencanto de gran parte de los fans quienes veían que las acostumbradas canciones que animaban a salir de fiesta eran mayormente sustituidas por pistas lentas y bastante "hogareñas" por así decir, en las que incluso el uso de la guitarra acústica era bastante predominante, salvándose de esta tónica "Sexy Northener" (que ni siquiera estaba en el disco pues era cara B del single "Home & Dry") y el magnífico ejercicio de electrónica "The Samurai In Autumn", que venía a operar como el mayor rastro de PSB en este sinsentido casi infumable que supuso "Release" y que para rizar el rizar fue filtrado antes de su lanzamiento.

4 años más tarde nos encontramos con "Fundamental", disco dedicado a 2 adolescentes iraníes homosexuales que fueron ejectuados (muy presumiblemente por exhibir sus sentimientos en público). Este disco hay quien lo considera el mejor desde "Very" y recibió de hecho buenas críticas aunque las ventas fueron en realidad a peor que en relación a aquel. PSB seguía postando por un sonido templado con escasas excepciones y, aunque la canción "I'm With Stupid" fuera nominada a los Grammy (al igual que el propio disco), en mi opinión las más reseñables son "Twentieth Century" e "Integral", estando esta última imbuída de un cierto "toque épico" aparte de ser la más animada del disco.

 

En 2009 salió "Yes", disco en el cual los PSB mostraron unas renovadas fuerzas no necesariamente traducidas como "hacer música de discoteca", pero desde luego sí que se apreciaba un cierto aumento general en el tempo (con escasas excepciones como "All Over The World" o "King of Rome"), ofreciendo un muestrario de temas mayormente animadetes, con toques optimistas y un sabor más ochentero que el de sus discos inmediatamente anteriores.

 

En nuestra década actual nos encontramos con los 3 últimos discos de Pet Shop Boys hasta el momento, empezando por "Elysium" (2012) que en un primer momento iba a titularse "HappySad" y en cuyo repertorio se busca deleitar al oído con melodías suaves como las de "Leaving" e "Invisible".

Tan sólo un año más tarde tenemos el disco "Electric" el cual era verdaderamente diferente al anterior e incluso se deja introducir por un temazo partepistas como es "Axis" el cual es ciertamente un tanto afín al Synthwave actual.

"Electric" es como se suele decir y valga la redundancia un disco "redondo", esto es, bueno de principio a fin, con canciones cuidadas al más mínimo detalle, algo que ayudaría a que vendiera varios miles de copias en su primera semana siendo el disco con mejor desempeño en listas desde 1993.

Por último llegamos a 2016 y con ello a "Super" que, al igual que pasó con "Electric", debutaría directamente en el nº 3 de las listas británicas vendiendo algunos miles de discos más en la primera semana que su anterior trabajo. "Super" se dejó saborear en un primer momento con el single "The Pop Kids" (auténtico homenaje a la música Dance de primera mitad de los 90) y posteriormente pudimos apreciar que en el disco se incluía algún tema de corte igualmente melancólico (como fue el caso de "The Dictator Decides" o "The Sad Robot World") para descansar entre los temas más movidos del disco.

Al igual que Depeche Mode, los Pet Shop Boys a lo largo de su discografía han destacado por la calidad de sus numerosas caras B (muchas de las cuales deberían de hecho haberse incluido en los LPs en vez de figurar en los singles, tal y como pasa con los de Basildon), destacando por ej. "Paninaro", "Miserablism" o "Losing My Mind" (cover en compañía de la excelsa Liza Minelli). Una parte de estas caras B las podemos encontrar en los discos (no mentados anteriormente) "Alternative" de 1995 y "Format" (el cual viendo la luz en 2012 recogería sin embargo las caras B desde 1996 hasta 2009).

El dúo ha ido acaparando durante su carrera un gran palmarés de premios musicales (y otras tantas nominaciones) destacando varios Brit Awards y premios de la MTV. Asímismo han alcanzado un par de Guiness Records como son el de "Dúo musical más exitoso de la Historia" y "Título de canción más largo".

Otro dato para comprender la magnitud e influencia de los PSB es precisamente el relativo a sus colaboraciones las cuales han tenido lugar con artistas y bandas de la talla de David Bowie, Tina Turner, Madonna, Blur, Suede, Rammstein, Lady Gaga y un largo etc.

Neil y Chris actualmente siguen con The Super Tour el cual les traerá de hecho a nuestro país, concretamente actuarán en el Starlite Festival de Marbella el 18 de Julio de este 2018.

Teniendo además en consideración la costumbre mencionada durante el artículo de que cada 3 años podemos esperar (la mayoría de las veces) un nuevo disco por parte del genial dúo británico, no es de extrañar que el año que viene los chicos de la tienda de mascotas nos ofrezcan algo nuevo. Crucemos los dedos para que estos grandes sigan sacando nuevos trabajos al igual que otras leyendas de los 80 que por el momento no tienen intención alguna de retirarse.

Nota final: este artículo aunque extenso no es precisamente completo debido a que la discografía de Pet Shop Boys comprende un gran número de lanzamientos entre los cuales encontramos numerosos recopilatorios y compilados de remixes, destacando los varios volúmenes de "Disco".

Otros artículos musicales por Root Wounds para Cine de los 80:

- MEDLEY TOTAL: LA EDAD DE ORO DEL MEGAMIX
- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO II : TEARS FOR FEARS
- VÉRTIGO SE ESCRIBE CON B 
- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO I : DEPECHE MODE
- PANORÁMA ELÉCTRICO: UNA APROXIMACIÓN AL SYNTHWAVE

MEDLEY TOTAL: La Edad de Oro del Megamix

No hace mucho dediqué un artículo a esos grandes recopilatorios de Rock (y estilos alternativos) de nombre Vértigo. Ahora creo que ha llegado el momento de darle cabida a otro gran fenómeno que, si bien parece más cosa de los 90, lo cierto es que parte desde mucho antes, concretamente desde finales de los 70 en Norteamérica, encontrando su eco en España desde mediados de los 80 en adelante.

Empezar diciendo que este escrito va a ser a todas luces INSUFICIENTE y que, aunque tuviera 100 páginas, probablemente no dejaría de quedarse corto en lo que se refiere a tratar el enorme catálogo de megamixes que tan sólo en España se ha elaborado tan artesanalmente. Es por ello que sólo mencionaremos poco más que un puñado de "sagas" y a quienes estuvieron detrás de la mayoría de los megamixes que se gestaron en nuestro pais.

Los más tempranos comenzaron a hacerse de un modo completamente analógico (mediante el uso de magnetófonos, platos y mesas de mezclas), algo que hace destacar aún más la cualidad artesanal de los mismos, y es que no era un proceso precisamente sencillo y, los 2 clicks que hoy día para nosotros supone un "corta y pega", en aquel entonces a la hora de construir un megamix suponía hacer un verdadero "corta y pega" físicamente hablando, como podréis apreciar en este magnífico documento en el que 2 grandes figuras como son Toni Peret y Jose M. Castells nos quisieron enseñar buena parte de un proceso que bien merece ser calificado como "trabajo de chinos".

Más adelante (como también se comenta en el anterior video) y gracias a los irremediables progresos tecnológicos, a los medios analógicos se les unirían los digitales jugando el sampler un papel fundamental. Efectos, samples y mezclas imposibles estarían a la orden del día de cara a traernos esas recopilaciones de temas de baile encabezadas por un buen "medley" o popurrí, una pista la cual incluía fragmentos de todas las canciones del disco a la par que esos efectos, samples y demás elementos que hacían del megamix una suerte de locura compacta, pulida y estudiada hasta el más mínimo detalle en su sonoridad.

En cuanto a "sagas", es imprescindible comenzar mencionando el primer megamix español, el cual se publicó en 1985 y que no es otro que el Max Mix 1, el cual fue confeccionado por Mike Platinas y Javier Ussía tras ganar un concurso convocado por la discográfica Max Music. Tras repetir en el segundo volumen, entrarían a jugar Toni Peret y J.M. Castells ya que Mike Platinas y Ussía dejaron Max Music por discrepancias con el sello.

 

El Max Mix tuvo más de una decena de volúmenes, alguna reedición y hasta una entrega 30 aniversario. En 2007 la franquicia pasó de Max Music a Blanco Y Negro (discográfica rival) que no tardaría en darle uso sacando nuevos volúmenes.

Pero lo de Max Mix no fue sino una de tantas sagas, entre las cuales también brillaron muchísimo Maquina Total, Lo + Duro, Bolero Mix, Blanco y Negro Mix, Locos Por El Mix y un larguísimo etcétera de títulos que normalmente acababan en "Mix" (o en Total).

En muchas ocasiones las portadas e incluso anuncios televisivos de los megamixes cogían prestada la imagen de gente famosa en su afán de promoción pero de un modo humorístico, quedando para el recuerdo el cachondeito con Jesulín de Ubrique en el Currupipi Mix o el Rambo de Santiago Urrialde aprovechando su éxito como reportero cómico en Esta Noche Cruzamos El Mississippi. Los políticos de la época tampoco se salvarían de ser parodiados, no pudiendo olvidar el anuncio del Máquina Total 7 con un Bill Clinton desatadísimo...

 

Y qué decir de la fijación con la figura de Aznar en los anuncios de los primeros Bombazo Mix de cuando al antiguo Presidente y por aquel entonces líder de la oposición, ETA le preparó un coche bomba (habría que ver por cierto si más de 20 años después, podría hacerse un anuncio así en estos "tiempos amordazados")...

En la mayoría de los megamixes estaban implicados los ya mencionados Toni Peret y Jose María Castells, pero hubo más gente como Raúl Orellana o Quique Tejada, quien aunque en un primer momento operaba con el sello Blanco y Negro, llegado el momento se marcharía a Max Music para conformar con Peret y Castells el llamado Dream Team. Muchos aún recordamos el anuncio del primer lanzamiento.

 

New Beat, EBM, Techno, Bakalao, House, Eurodance, ... los estilos musicales abordados en los megamixes fueron mutando con el paso del tiempo (por ej. los primeros Max Mix estaban dedicados fundamentalmente al Italo Disco), versando mayormente sobre electrónica diversa hasta que a mediados de los 90, las "latinadas" fueron ganando terreno en las principales emisoras de radio, por culpa debido a gente como Ricky Martin, Chayanne y compañía, resultando en la aparición de megamixes más blandos y bañados en salsa como los Caribe Mix o los Ibiza Mix .

Una de las notas que más me gustan respecto a todo este fenómeno de los megamixes fue la cantidad de covers que solían incluir, topándonos por ej. con versiones bailongas de temas de grupos/artistas (normalmente de los 80) como U2, Mike Oldfield, Alphaville, etc... de tal manera que al llegar a la discoteca podíamos encontrarnos con un tema que aunque era la primera vez que lo oíamos y nos hacía bailar, ya sabíamos la letra al conocer su versión original.

En algunas ocasiones no oíamos una cover al 100% sino un tema que partía de un sample perteneciente a una canción famosa, como es el caso de este "Coming Up" de Magellano el cual se recoge en el Máquina Total 5 y se construye gracias a un sample del "Just Can't Get Enough" de Depeche Mode.

 

Finalizar diciendo que el fenómeno de los megamixes ha supuesto la venta de millones y millones de discos (que se anunciasen tantísimos en la tv no era sin motivo), algo impensable en una época como la actual en la que, el megamix sigue ahí pero con un perfil muchísimo más bajo, sin las posibilidades de publicidad de antes y (a causa y como consecuencia de) un nivel de ventas ínfimo en comparación así como un público escaso conformado esencialmente por aquellos nostálgicos que aún reconocen el arte y esfuerzo que hay detrás de todo esto, algo que la gente joven probablemente negará (achacando a que hoy todo se puede hacer con poco más que 2 o 3 clicks de ratón) cuando no simplemente desconocerá. Con el nuevo milenio se mantuvo la llama gracias a algunas iniciativas por internet y competiciones entre amateurs pero el decaimiento a día de hoy es por desgracia evidente a pesar de los esfuerzos de algunos pesos pesados como Toni Peret.

*Bonus: ya que estamos, os dejo uno de mis favoritos: Lo + Duro 3.

Otros artículos musicales por Root Wounds para Cine de los 80:

- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO II : TEARS FOR FEARS
- VÉRTIGO SE ESCRIBE CON B 
- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO I : DEPECHE MODE
- PANORÁMA ELÉCTRICO: UNA APROXIMACIÓN AL SYNTHWAVE

Bandas de los 80 aún en activo I : DEPECHE MODE

+ POR ROOT WOUNDS +

Hace tiempo se me ocurrió que una buena forma de contribuir con este fantástico blog de Cine de los 80 (teniendo en cuenta que pese a su nombre no versa única y exclusivamente de cine y que yo particularmente hago aportaciones relativas a la música) era haciendo ocasionalmente una especie de seguimiento y comentario de lo que fueron y siguen siendo algunas de esas grandes bandas de los 80 que a día de hoy siguen en activo. Tendemos a barrer para casa y no podía empezar esta serie de artículos sino con mi grupo favorito de todos los tiempos, que no es otra que Depeche Mode, banda a la que aún con casi 40 años de actividad, legiones de seguidores a lo largo del globo y una discografía cuantiosa y armonizada además a base de recopilatorios, colecciones de remixes, covers y tributos, hay quien en un ejercicio de anormalidad o muestra de poco seso e “inteligencia musical”, gusta de faltar al respeto aprovechando la ocasión de que DM saca un nuevo disco (y/o gira) y por el hecho de contar con un espacio donde excretar su ignorancia dentro de un medio de comunicación que se ve que precisa de amarillismo hasta en lo que a cobertura musical se refiere, vendiendo el susodicho e ingrato escritor su alma al diablo por un puñado de feedback.

Con este escrito no voy a “vengar a la banda” (no hace la más mínima de falta), e igualmente no pretendo que éste sea ni mucho menos el artículo definitivo sobre la misma, simplemente quiero hacer una aproximación musical (y poco ordenada), partiendo del recuerdo y empleando “mi oído presente”, algo para lo cual he contado con la participación de un viejo amigo al que conocí precisamente en una de tantas fiestas Depeche Mode – The Cure en Granada hace casi 20 años. Un amigo con el que recientemente he quedado de tapas en la ciudad que conquistó mi corazón hace tanto y con quien he aprovechado la última oportunidad que hemos tenido de vernos para, además de parlamentar sobre otras tantas músicas bastardas como él mismo diría, para tratar como siempre sobre esta fuente de devoción pretermusical que es Depeche Mode, todo ello mientras algún que otro vinilo cambiaba de manos conforme los tercios de cerveza Alhambra iban cayendo uno tras otro.

  

NorbertX podría ser elegido como Presidente de la República Depechera del Barrio de La Chana si ésta llegase a existir alguna vez en estos tiempos de aspiraciones independentistas, sueños políticos rotos y masas idióticas a uno y otro lado de esos muros invisibles que las mencionadas masas tanto gusto tienen en común por construir. Pero para mi amigo, mi persona y el resto de gente que conformamos las legiones depecheras, las palabras “construcción” y “masas” suelen sacarnos una sonrisa cuando no un suspiro de esos que invitan a uno a cerrar los ojos y evadirse mentalmente a tiempos pasados y mejores. Porque seamos sinceros, esta va a ser la premisa esencial de esta serie de artículos: lo que nuestras bandas favoritas de antaño hacen hoy día poco o nada puede compararse a lo que hacían tiempo atrás, ello a pesar de que Depeche Mode sea una banda que entre sus seguidores cuenta tanto con sanos y fervientes devotos (una palabra más justa y acorde que la de “fans”) como tercos talibanes que se empeñan en que “una mierda huele bien si la ha cagado Depeche” o que todo es de 10 si lleva el nombre de la banda en la portada.

 (SPIRIT... O CÓMO POLARIZAR A TUS SEGUIDORES EN 12 PISTAS)

Evidentemente sobre gustos no hay nada escrito pero no se puede negar que la discografía de los Depeche de antes del nuevo milenio barre cruel e impepinablemente a la posterior. No quiero con esto decir que por ejemplo el último disco (“Spirit” de 2017) sea un completo fiasco sino que simplemente, y es mi humilde opinión, no llega a la calidad que cabe de esperar de una banda de este calibre y a estas alturas, le pese a quien le pese (y a mí el primero por cierto). Como diría mi amigo NorbertX, no podemos esperar que a estas alturas de la película saquen por ejemplo un nuevo Violator u otro Music For The Masses pues los tiempos cambian tanto como los sentimientos y las vivencias de los componentes de la banda. Asimismo (y esto es algo que a muchos de esos talibanes les hace sacar el hacha de guerra de vez en cuando en los foros y redes sociales como si con ello fuesen a conseguir más “depechenivel” o algo así) la mano de Alan Wilder se echa mucho, muy mucho de menos, tanto que cuando le dio por hacer aquel remix del “In Chains” tras salir el Sounds Of The Universe, dicho remix sonaba más a Depeche Mode que la propia canción original. Pero no pasa nada, pueden seguir llamándonos lloricas a quienes sí reconocemos el buen hacer de Wilder a pesar de que en su momento sus propios compañeros no quisieron hacerlo. Este remix y la aparición de Alan al piano para acompañar a Martin Gore cantando “Somebody” en Londres nos daría alas para volar dentro de un sueño de reunificación del que a día de hoy, varios años después de aquel momento NO QUEREMOS DESPERTAR.

Además de Wilder, que no fue sino el mejor recambio que pudo haber para un Vince Clarke (que se fue tan pronto como vino), no podemos dejar de mencionar la mano de los productores e ingenieros de antaño, alguno de los cuales (como Daniel Miller que hizo brillar a DM durante su primera y más analógica etapa) parece contentarse desempeñando actualmente otro tipo de papel en los últimos lanzamientos de la banda. La ingeniería de Gareth Jones o la magia de Flood (que a pesar de preferir más la compañía de los U2 puso su maestría al servicio de los Depeche de principios de los 90 con un resultado absolutamente impecable) en la producción fueron de un valor inestimable para el todavía cuarteto inglés que poco tardaría en reducirse a trío (y demos gracias que no perdimos más por el camino).

  En el mundo de la música la evolución de un grupo siempre tendrá gente a favor y en contra para con su banda predilecta. Hoy en día muchos de los detractores iniciales del “Songs Of Faith And Devotion” (disco cenit y barroco que desconcertaría por su apuesta por un toque más espiritual a pachas con un sonido más rockero para sorpresa de propios y extraños) seguramente lo escuchen ahora con otros oídos, más aún teniendo en cuenta el pan que últimamente traen a casa los de Basildon, para quienes eso de evolucionar siempre se les dio muy bien o al menos hasta el Ultra (inclusive, pues a partir de éste la opinión de unos y otros comienza a variar).

¿Y cómo no mencionar a la hora de hablar de evolución ese punto de inflexión que sería tiempo atrás aquel Black Celebration?, ese disco mediante el cual “aquellos adolescentes que estaban creciendo bajo un mal Gobierno y cosas de esas” se convertirían por fin en hombres, capaces de salirse de la norma, apostar fuerte y ganar gracias a esa gran fusión de romanticismo y solemne oscuridad que fue esta prosecución del camino allanado con los temazos incluidos en un no menos agradecido Some Great Reward. Está claro que las cosas han cambiado mucho respecto de los mencionados discos, más aún de aquellos Speak & Spell, A Broken Frame y Construction Time Again.

Las palabras que más podrían honrar a Depeche Mode quizás fueran las de “progresión” e “inconformismo”, emprendiendo décadas atrás una búsqueda interminable por alcanzar un sonido único y propio pero evitando por todos los medios el anquilosamiento que ello suele conllevar. Pero esta búsqueda quizá llegó tiempo atrás a su fin y ni la banda ni sus devotos queremos verlo pues admitirlo sería casi como enterrar nuestra juventud de espíritu y dejarnos devorar todavía más por este “mundo lleno de nada”. Todos sabemos que aún queda bastante hasta que ese fatídico capítulo final se escriba pues el mundo interior en el cual Martin mina sus letras es basto e inconmensurable por no decir que a Gahan le queda todavía esqueleto que mover y dolor por compartir. Si a todo esto le sumamos el hecho de que los devotos continuarán a hierro, siguiendo a la banda, comprando sus discos (suenen mejor o peor que los de antes), se puede decir que hay DM para rato, más aún al pensar en que las filas depecheras crecen con el paso de los años gracias a la sangre de nuevas generaciones que viven con una intensidad parecida el legado viviente que sus padres y madres ya les vienen transmitiendo: la música de Depeche Mode y la profesión religiosa que ésta conlleva.

 

BONUS TRACK: BREVE RESUMEN DE LOS CONCIERTOS DE DM EN ESPAÑA (2017)

+ POR NORBERTX +

"¿Por qué número va?"… lo que podría ser el típico comentario que podemos realizar al llegar a cualquier charcutería de barrio, es el leitmotiv de los devotos más madrugadores en cualquiera de los dos conciertos que  Depeche Mode ofreció en España dentro de su Global Spirit Tour. Costumbre anglosajona que consiste en ponerse un número o inscribirse en una lista por orden de llegada cuando se llega a la puertas del recinto en cuestión, con la finalidad de salvaguardar cierto orden en la cola (al menos entre los 100-150 primeros) y evitar sorpresas inesperadas de amigos, familiares y avispados “fan –turistas de última hora”.

Se dió el pistoletazo de salida en el Palau Sant Jordi el pasado 7 de Diciembre y continuó el día 16 en el antiguo Palacio de los Deportes ahora rebautizado como Winzik Center de Madrid , entre medias ofrecieron  3 conciertos en Italia.

Ambos conciertos contaron con el mismo set list de veinte temas, fueron bien diferenciados, en la ciudad condal tuvo un carácter sentimental, intimista y solemne, mientras que en la capital sobrevoló un aire electrizante y visceral, destacar que este era el último concierto antes del parón navideño y disfrutaron de casi tres días de descanso desde su anterior show en Bolonia, si bien es cierto que el mayor nexo común entre ambos fue la sensación de haber acudido a sendos conciertazos y es que independientemente de la aceptación o calidad general de sus últimas obras (de Spirit sólo sonaron “Going Backwards”, la monumental “Cover Me” y “Where´s The Revolution”), sus directos no defraudan y convencen allá por donde van, manteniendo una línea superior a la mayoría de sus coetáneos, ofreciendo ceremonias rítmicas donde la redención en comunión del grupo con sus fans es mágica, centrándose en temas de otros tiempos, mezcla de oscuridad y bacanal de éxitos ofreciendo dentro de las limitaciones horarias y de extenso repertorio lo mejor de sí mismos sin perder el alma, aunque nunca llueva a gusto de todos.

Conciertos de esencia clásica donde relucen las nuevas intros de “Everything Counts” y “Walking In My Shoes”, esta última rescatando el “Random Carpet Mix” realizado por Willian Orbit , uno de los más celebrados de aquel entrañable y cada vez más lejano 1993, la aplaudida y emotiva versión albúm de “Home” en detrimento de su versión acústica de las últimas giras que junto a  “It´s No Good”, “Barrel of a Gun”, “Useless” e “Insight” nos recordaban que Ultra cumplía veinte años. La melodramática y sosegada voz de Martin L Gore  aportando descanso y paz a un Dave Gahan que sigue manteniendo el peso de los directos, rubricando actuaciones soberbias y sugerentes con momentos estelares que nos devolvían unos DM más sintetizados para el disfrute de muchos en la imperecedera “World In My Eyes” o “Stripped”, cuyo tramo final es una apoteósica subida de temperatura con una mastodóntica “A Question Of Time” y subiendo a lo más alto con “Personal Jesus”, después todo se vuelve oscuro y frío convirtiéndose en la mejor plegaria para una vez más “Reach out and touch faith”.

Otros artículos musicales por Root Wounds para Cine de los 80:

- PANORÁMA ELÉCTRICO: UNA APROXIMACIÓN AL SYNTHWAVE