Presentación

Amantes de mundos fantásticos, bisoños aventureros en busca de tesoros, criaturas de la noche, princesas estudiantiles y fanáticos de cachas de postín, ¡sed bienvenidos!. Invitados quedáis a rebuscar en nuestra colección de VHS, acomodar vuestras posaderas en una mullida butaca, darle al play, y disfrutar de lo bueno, lo malo y lo peor que dieron estas décadas.

ADVERTENCIA: Aquí no se escribe crítica cinematográfica (ni se pretende). Las reseñas son altamente subjetivas y el único objetivo es aprender y disfrutar del cine y, por supuesto, de vosotros.

Granujas A Todo Ritmo (1980, John Landis) The Blues Brothers


Granujas A Todo Ritmo (1980, John Landis) The Blues Brothers


Queridos amigos, hoy os voy a hablar de la película que marcó mi infinito gusto por los musicales; no me entendáis mal, siempre me gustaron, pero con esta película hubo un antes y un después en mi vida cinéfila. ¿Recordáis esa película que os marcó para siempre? Pues ésta fue la mía. Si sois apasionados del rock clásico, del rhythm&blues, del jazz, del soul… ésta entonces amigos, es vuestra película.

¿Y qué la hace especial? Para empezar, sus protagonistas, Joliet Jake y Elwood Blues, más conocidos como los Blues Brothers. Interpretados por el fallecido John Belushi (Saturday Night Live, Desmadre a la Americana…) y por Dan Aykroyd (Cazafantasmas, Mi Chica, Mi Novia es una Extraterrestre…), esta pareja de actores casaron desde el primer momento, pero nos extenderemos en los actores más adelante.

Empecemos por situarnos en la historia; Jake va a salir de la cárcel por atraco a mano armada, y su hermano Elwood lo espera fuera (En su secuela, “Blues Brothers 2000” esta escena se repite y vemos a Elwood esperando a que Jake salga de la cárcel, pero esta vez no sale, escena que nos partió un poquito el corazón a todos)
Tras su salida, Elwood le dice que tienen que ir a ver al “pingüino”, la monja del orfelinato en el que se criaron, la Hermana Mary (interpretada por Kathleen Freeman), ya que Jake se lo prometió. Tras su encuentro con la Hermana Mary y después de propinar varios golpes de regla a los hermanos por su lenguaje vulgar, les dice que el orfelinato no tiene dinero y que va a cerrar. Jake y Elwood comprenden inmediatamente que tienen una misión, una misión de dios y que deben reunir el dinero que le falta al orfelinato para poder salvarlo y evitar su cierre.

“¡Pingüina gorda!”– Elwood Blues

Tras una visión divina en la iglesia del reverendo Cleophus James (interpretado por James Brown, mismo), deciden reunir de nuevo a la banda y dar el mayor concierto que han dado nunca para donar el dinero al orfelinato. Y aquí empieza el periplo de los hermanos. Y creedme que no les resulta fácil reunir de nuevo a la banda, pues tras el ingreso de Jake en prisión, cada uno ha rehecho su vida.


John Landis, director de esta película, consiguió reunir junto a John Belushi y Dan Aykroyd un elenco musical como nunca antes conoció otra cinta; a el ya citado James Brown, se le une Aretha Franklin, Cab Calloway, John Lee Hocker… así como cameos inmejorables; John Candy, Henry Gibson, Carrie Fisher, Frank Oz, Steven Spielberg… Como veis, la lista no es para nada desdeñable.

Tras pocos minutos, empezamos a conocer poco a poco a la banda, y los primeros en ser reclutados son Murph y “los Magic Tones”, grupo formado por Steve “El Coronel” Cropper, Donald “Duck” Dunn, Willie “Too Big” Hall y Tom “Bones” Malone. Este grupo, ha terminado tocando en un restaurante donde prácticamente forman parte del decorado, ya que apenas se les presta atención.

Damas y caballeros, Murph y los Magic Tones

Con la banda casi al completo, sólo faltan “Mr Fabuloso” que es encargado de un lujoso restaurante, Matt “Guitarra” Murphy, el cual se ha casado y vive felizmente junto a su esposa junto a la que ha abierto un restaurante Soul, y en último lugar, Lou Marini, que trabaja para Matt y su esposa. 

Pero ¿quién es la mujer de Matt “Guitarra” Murphy y jefa de Lou Marini? Pues…

”Una tostada de pan blanco, seca” “Cuatro pollos fritos y un refresco de cola” – Elwood y Jake Blues

Así es, nada menos que la inigualable Aretha Franklin, que no ve con buenos ojos que su marido se vaya de gira con dos granujas que aún le deben dinero, y aquí sucede la siguiente canción la cual dedica especialmente a su marido, magnífica canción que a todos sonará. Siento decir que no he podido encontrar las canciones subtituladas a nuestro idioma como sí lo están en la película (según versiones) pero son igualmente disfrutables.



Con Matt y Lou también a bordo, sólo falta la incorporación de “Mr Fabuloso” el cual se resiste a dejar su bien remunerado puesto de trabajo para volver con la banda.
Aquí se produce una de las escenas más graciosas de la película, al menos para mí, donde vemos a los hermanos Blues haciendo uso de sus habilidades para convencer (obligar) al último miembro de la banda a que acepte el trato y vuelva con los Blues Brothers. Finalmente acepta a regañadientes. Ya con la banda al completo sólo falta organizar el concierto.

Dicha banda y al igual que la mayoría de cómicos de la época (Bill Murray, Eddie Murphy, Chevy Chase, Billy Crystal, John Goodman, Harold Ramish, James Belushi…), comenzó en el imprescindible Saturday Night Live, el late show americano más famoso, cuna de muchísimos actores de comedia.
Aykroyd y Belushi eran los encargados de empezar el programa con la banda y “calentar” al público con su número musical, habían nacido los Blues Brothers. Fue tal el éxito cosechado que formaban parte imprescindible del show y de ahí, dieron su paso al cine.


El encargado de dirigir esta maravilla musical fue John Landis (Un Hombre Lobo Americano en Londres, En los Límites de la Realidad, Clue…) y junto a Dan Aykroyd, dieron vida al guion. En un principio Aykroyd escribió un borrador de 324 páginas, lo que viene a ser tres veces más largo que un guion convencional de cine, debido a su inexperiencia ya que no había escrito ni siquiera leído un guion tradicional.


Con un presupuesto de treinta millones de dólares, (del cual se habían gastado prácticamente todo antes de conocer dicho presupuesto) la película recaudó en taquilla más de ciento quince millones de dólares. Pero no todo fue un camino de rosas, pues durante el rodaje, John Landis y John Belushi discutían constantemente, pues la adicción a las drogas de este último, las cuales le costaron la vida por sobredosis a los pocos años, hacían que todo el rodaje fuese un caos. A pesar de esto, John Belushi fue, es y será el alma de los Blues Brothers, sin él nada hubiese sido igual. Su brutal carisma llevaba a la película de la mano y se lucía prácticamente en cada plano. De hecho era puro espectáculo dentro y fuera de la pantalla. Su fallecimiento fue una dura pérdida para Aykroyd, con el que mantuvo una intensa y gran amistad.


Años más tarde, Aykroyd intentó ayudar a una joven estrella que también caía presa de las drogas, pues un prometedor River Phoenix se cruzó en su camino. Por desgracia, todos sabemos cómo acabó, y al igual que su amigo John, años más tarde fue encontrado muerto por sobredosis.


A pesar de todos los problemas derivados de las adicciones, la cinta que nos dejó el dúo Aykroyd y Belushi fue, para el cine musical, un gran soplo de aire fresco, considerada hoy una película de culto, recordada por los que crecimos con ella y a la que tenemos especial cariño. Además "Los Blues Brothers" 
llegó en el momento justo en una época de excesos y desenfreno, donde empezaban a decaer grandes estrellas musicales que aparecían en la película pero que tras la cinta consiguieron volver a relanzar sus carreras, el propio James Brown dedica unas palabras en su libro autobiográfico “I Feel Good” a los Blues Brothers y da las gracias personalmente a Aykroyd y Belushi por haberle devuelto a la palestra musical, según sus propias palabras, “fue como si el resto de mi carrera volviera a encajar en su sitio” y es que su BSO amigos, es sencillamente espectacular y no sólo por sus canciones base, si no por toda la melodía que acompaña los acontecimientos. Podemos escuchar piezas de blues, rock, jazz, rhythm&blues… que van acompañando a las escenas y casan perfectamente y es que, la película, tanto visual como sonora, está hecha con muy buen gusto intercalando escenas cotidianas con otras no tanto que bien podrían ser sacadas de un cómic y ahí radica su belleza (gran parte de su belleza). Pero no puedo seguir escribiendo sin antes dejaros algunas de sus grandísimas canciones protagonizadas por los mismos artistas que en su día las cantaron.

Ya hemos escuchado a Aretha y su tema “Think” que aún algunos estaréis tarareando, pues preparaos para la siguiente de manos de uno de los mayores artistas del Soul, R&B y Jazz, no podemos referirnos a otro que a Ray Charles y su tema “Shake A Tail Feather” En esta escena, Ray interpreta al dueño de una tienda de instrumentos musicales donde acuden los Blues Brothers para comprar todo lo necesario para la banda.

Disfrutadla


Pero para que comprendáis la grandeza musical y lo maravilloso de esta cinta, antes de llegar al señor Ray Charles y su maravilloso cameo, previamente podíamos disfrutar de una escena introductoria protagonizada por el mítico John Lee Hooker que interpreta a un artista callejero y que nos deleitaba con su tema “Boom Boom Boom


El siguiente es para Cab Calloway que interpreta a Curtis, mecenas musical de Jake y Elwood en el orfelinato, que les ayuda a llevar a cabo esta misión de dios. Os pongo en situación, a estas alturas de la película, los Blues Brothers son perseguidos por los integrantes de un partido nazi, las fuerzas policiales del estado y por un grupo country llamados “The Good Old Boys” por hacerse pasar por ellos y robarles una actuación en el local “El Bunker Country de Bob”, por lo que llegan tarde al concierto. El público empieza a desesperar y Curtis (Calloway) nos deja una de las canciones más divertidas de toda la película, “Ey, ¿conocéis “Minnie el bigotes”?”


No nos podemos olvidar de las canciones interpretadas por los propios Blues Brothers tocando grandes temas como “Jailhouse Rock”,“Everybody Needs Somebody”, el tema country "Rawhide" (grandísima la reacción de Jake) o la que os dejo a continuación, mi favorita “Sweet Home Chicago


Y por último, pero no menos importante, el primer cantante citado, James Brown interpretando "The Old Landmark"


A parte de los enormes artistas musicales que nos vamos encontrando en esta película, los ya citados cameos de actores son de gran nivel, por ejemplo Carrie Fisher que interpreta a una vengativa ex-novia de Jake Blues, que lo persigue y ataca de maneras exageradamente cómicas por venganza y despecho.


Otro de los asiduos al cameo es John Candy que también aparece en esta cinta, el cual va detrás de los Blues Brothers junto a la policía estatal del condado de Chicago para cobrar parte de la recompensa que se ofrece por ellos.


O Frank Oz (La Tienda de los Horrores, El Cristal Oscuro…) que hace otro cameo al principio de la película e interpreta al funcionario que entrega sus pertenencias a Jake Blues al salir de la cárcel.

“Un preservativo… usado” Frank Oz The Blues Brothers.

También tenemos al líder del partido nazi protagonizado por Henry Gibson que los persigue durante buena parte de la película. Una cantidad de caras conocidas de la época que vistió cada segundo de metraje de la cinta.


Los Blues Brothers alcanzaron tal fama que prácticamente se convirtieron en leyenda y su innumerable merchandising da muestra de ello, pudiéndose encontrar en tiendas a día de hoy; desde figuras a ropa, pasando por videojuegos para las consolas de la época, sin olvidarnos de la marca de la casa, el sombrero y las gafas.




Para ir terminando, no podemos dejar de lado algunas de sus maravillosas curiosidades

- En el puente donde los Blues Brothers esconden su coche hay un grafiti que pone "John *heart* Deborah". Esto es una referencia al director John Landis y a su esposa Deborah.

“Es de noche, y llevamos gafas de sol” “Tira” – Jake y Elwood Blues.

- Durante el rodaje John Belushi fue apodado "The Black Hole" (El Agujero Negro), ya que no podía pasar de una escena a otra sin perder sus gafas de sol. Supuestamente, alcanzó a usar mil pares diferentes.

Everybody needs sunglasses

- Entre los distintos cameos, hay uno que aún a día de hoy muchos desconocen; al final de la película cuando Elwood y Jake abonan en la oficina de impuestos del condado el dinero que debía el orfanato donde se criaron, el funcionario que les cobra es el mismísimo Steven Spielberg, eso sí, sin barba. Su nombre aparece el último en los títulos de crédito.


- Joliet y Elwood son dos ciudades al sudoeste de Chicago, cuna del Blues y el Jazz.


-Cada vez que vemos la ventana en el apartamento de Elwood, pasa un tren.

- “¿Cuántas veces pasa el tren?” - “Tan a menudo que no te darás cuenta”

-La película consiguió el record mundial de número de coches estrellados.


-Para rodar la escena del centro comercial, los productores encontraron un centro comercial abandonado que decoraron con varios millones de dólares en mercancías reales y tiendas verdaderas. Fue un reclamo turístico hasta 2012, año en el que fue demolido.

¿Tiene la cerdita de los Teleñecos?

Queridos amigos, esperando que hayáis disfrutado de este escrito, y saboreando aún los mágicos acordes de Blues, Rock, R&B y Jazz que se dan en esta maravillosa película (al menos para el que os escribe) me despido dando gracias a estos hermanos, Jake y Elwood, que hicieron que mi yo de niño amase aún más (si cabe) la música y el cine.


Hasta el próximo artículo, amigos Ochenters.



VÉRTIGO se escribe con B



--- PULSA PLAY PARA RETROCEDER EN EL TIEMPO---


Ah, la música de primera mitad de los 90... desde luego no se puede decir que no fuera una más que digna sucesión de la de los 80, más aun ante el hecho de que tuvimos variedad suficiente como para, en el caso de no haber todavía encontrado un sonido que nos llegara más que cualquier otro, no poder decir que no tuvimos oportunidad para ello. Y eso que por aquel entonces no teníamos las facilidades de hoy día para investigar, descartar y finalmente encontrar nuestra música, algo que por aquel entonces nos suponía estar completamente colgados de la radio y/o dejarnos una buena cantidad de pesetas en las tiendas de discos cuando no prestarnos vinilos y cassettes con los amiguetes (algunos de los cuales resultaron ser más amigos de lo ajeno que de nosotros/as mismos/as), obstáculos y limitaciones hoy fácilmente salvables a golpe de click y búsqueda de artistas similares en la web y tantas plataformas musicales que, dejándote o no los dineros, te permiten escuchar lo que sea, cuando sea y sin tener que limpiar o dar vuelta a los vinilos ni mucho menos rebobinar cassettes mediante lápiz o bolígrafo para así ahorrar en pilas para el preciado y siempre conveniente walkman. Otra cosa es que algunos prefiramos continuar haciendo aún algunas de esas cosas de antaño...

A los estilos que nos seguirían acompañando tras los 80 como el pop, el rock, el metal o por ejemplo la EBM se sumarían otros tantos fenómenos que desde luego merecerían cada uno por separado su propio artículo (y os aseguro que algunos de ellos tendrán su oportunidad en este santo blog), si bien este mes estimo oportuno dedicar mi artículo a un fenómeno dual o más bien a dos fenómenos que aunque juntos no se podría decir que estuvieran del todo revueltos. Me refiero a la maravillosa conjunción formada tanto por los recopilatorios Vértigo como por el programa de radio Bértigo (sí, con "B" y ya veremos por qué) de los 40 Principales, un programa de radio sumamente agradecido por todos quienes tuvimos ocasión de conocerlo y que desde luego dudo mucho que vuelva a repetirse, ni en su formato ni en sus formas, en emisora alguna de la actual o futura radio comercial.



Por aquellos tiempos (so pena de repetirme en cuanto a ésto puesto que me encanta decir que) la música en la radio era música y no como con la de la radio actual que, salvo contadas excepciones, ni es música "ni es ná". Por supuesto las discográficas continuaban sacándose de la manga de cuando en cuando alguna boys (o girls) band cuando no otros tantos subproductos engendrados en la probeta de algún productor musical sin demasiados escrúpulos ni humanidad (hoy en día la mayoría), pero aún con todo el panorama musical era ciertamente formidable y, aunque muchos lloraban todavía la pérdida de Kurt Cobain, la sensación de que había vida musical más allá de su muerte era más que evidente, te gustara o no el Grunge. La vida simplemente sigue, pues cuando el mundo se para por un hecho como aquel, lo hace en realidad tan sólo por un instante que se alargará mentalmente en la medida en que cada uno quiera, no siendo ni mucho menos necesariamente así para el resto.

Vértigo... la irrupción en el mercado del primer recopilatorio de Vértigo en 1995 constituyó una sacudida musical sólo equiparable a un golpe seco y autoritario sobre una mesa demasiado atestada de compilaciones del tipo "Los 100 mayores éxitos de los 80" o megamixes del corte Máquina Total, Lo + Duro, Bolero Mix, etc. Había mucho rock alternativo tan bueno como variopinto diseminado por ahí y Vértigo fue probablemente si no el primero al menos el mayor esfuerzo por reunir un muestrario de calidad tal como para decir "joder, es que me lo compro". El hecho de que fuera anunciado en televisión mostrando la portada de aquel chaval de mirada desafiante mientras sonaba el "Do What I Say" de los Clawfinger contribuyó enormemente a que a día de hoy siga siendo recordado con añoranza no sólo como el fantástico catálogo musical que fue sino además como un auténtico símbolo generacional y de rabiosa juventud.



El recopilatorio abría con el "Sympathy For The Devil" de los Rolling Stones versionado por los Guns 'N Roses, cover que poco antes había sido incluida en la magnífica película Entrevista Con El Vampiro. A esta introducción le seguirían canciones de grupos como Green Day, Collective Soul, The Jesus & Mary Chain, Weezer, Aerosmith, REM, Sonic Youth, Elastica... o lo que es lo mismo, una alineación de cojones. Al compedio de 20 temas le seguiría posteriormente un segundo volumen de nombre "+ Vértigo" el cual vino a intentar repetir la fórmula del primero con otros 20 temas, una portada similar (esta vez con una chica) que aunque no desprendía la misma fuerza que la del primero,  presentaba en esta ocasión una fórmula con una mayor apertura de sonido que la ofertada por el primer Vértigo, encontrándonos ahora con grupos como Moloko y Poe los cuales se salían ciertamente del canon más guitarrero del Vértigo original pero sin perderse la esencia de ofrecer algo "alternativo". Cabe aclarar que ambos grupos fueron radiados a través de Los 40 Principales pero ¿se les podría colgar por ello la etiqueta de grupos convencionales?, la respuesta es claramente NO, respuesta que tampoco variaría para tantísimos otros grupos contenidos en estos recopilatorios como Ocean Colour Scene, Ministry, White Zombie o unos Def Con Dos más venidos arriba que nunca gracias a su contribución en la banda sonora de la mítica película de El Día de la Bestia.


No estamos hablando de discos con artistas o grupos destinados a contentar a una mayoría borreguil / sin demasiadas pretensiones musicales a la que cualquier cosa que le pongas durante un viaje en coche le va a parecer bien (cuando no le va a dar exactamente igual)  puesto que de lo que estamos hablando es de compilaciones destinadas a satisfacer la curiosidad, el ansia de saber más por parte de ciertos sectores de gente, de gente joven e inconformista, que estaba encontrando en la música una energía multiforme que los alentaba a seguir día a día en esa dura y temprana etapa de la vida para la cual las canciones de gente como Alejandro Sánz o Laura Pausini ni les servía ni les decía una puta mierda, hablando en plata.


Tras esos 2 primeros volúmenes de Vértigo (de 1995 y 1996) les seguirían otros 2 más (años 1998 y 2000) los cuales fueron lanzados ya no por MCA Records sino por Sony Music Media, compañía que por supuesto introduciría un notable cambio de cara a las portadas pero que procuró mantener un poco la labor y el espíritu de los anteriores al incluir en los listados de canciones a artistas y grupos tan variopintos como buenos (cada uno en su ámbito) como Oasis, Prodigy, Manic Street Preachers, Primal Scream, Björk, The Cranberries, Marilyn Manson, Rob Zombie, Ska-P, Portishead y un tan largo como diverso etcétera...  y fue quizá este hecho de que se diversificara tanto desde aquel primer Vértigo que la popularidad / nº de ventas de los recopilatorios fue disminuyendo cada vez más respecto del rotundo éxito conseguido en 1995. La grabadoras de cds en las torres de los PC contribuirían también a ese descenso en las ventas que alentaría la idea de no sacar más volúmenes, cosa que quizá también contribuiría a que la radio y televisión musicales se fueran también transformando en una suerte de latinadas (tipo Ricky Martin, Chayanne, Shakira...), indiemoderneces varias así como en una mayor apuesta por los artistas y grupos españoles.

Tras hablar del impacto de estos recopilatorios - cuya esencia, como si de la fórmula de la Coca Cola se tratara, quiso copiar la mismísima Pepsi al lanzar su propio recopilatorio de nombre "Generation Next Music" en 1998 - toca comentar acerca de ese programa de radio que fue Bértigo, conducido por un misterioso locutor el cual muchos años más tarde, los mortales que no pululabamos por las oficinas de Los 40 Principales en los 90, pudimos saber que se trataba ni más ni menos que de Santiago Alcanda, señor cuya carrera en los medios sólo puede calificarse como "larga y acojonante cuando no absolutamente envidiable" por gente como yo que, gracias a programas de radio como aquel del que vamos a tratar, comenzamos en su día a soñar también con la idea de convertirnos en locutores de radio, sueño que en mi caso se cumplió parcialmente (al emitir de manera no profesional durante casi una década).


El simple hecho de que la cuña de Bértigo emplease el tema "A Warm Place" de Nine Inch Nails ya era de por sí una pasada (más aún recordemos para un programa incluido en la parrilla de Los 40 Principales) pero si a ello le sumas el acompañamiento del siguente speech en plena mitad de una década de los 90 cuyo cine de ciencia ficción aprobó y con nota, el resultado era simplemente la hostia.


“Nochevieja de 1993. Un coche todo terreno se cruza violentamente en la vida de Jacinto Vergara, un joven de 21 años a quien sus amigos apodaban Mister Rock. Un mes y un dí­a más tarde su cuerpo sale del coma y sus ojos no ven más que un torso inmóvil, pero su corazón late, siente con fuerza. El 27 de marzo de 1994 los avances de la ciencia consiguen conectar su mente a un ordenador. Es el prototipo meta-3. Ha nacido Bértigo".

 
Maese Bértigo, que era como se hacía llamar el amigo Santiago Alcanda (aka Jacinto Vergara aka Mister Rock)  era un personaje que iba mucho más allá de cómo lo describía esa presentación de la cual sacamos fácilmente la idea de que el locutor se hacía pasar por una especie de cyborg / ser reanimado, físicamente incompleto y dependiente de máquinas de soporte vital básico gracias a las cuales hacer resonar su moribunda e insurgente voz a través de las ondas, sino que a esta caracterización física habría que sumarle unas notas de psicología que mayormente se traducían en un comportamiento altamente antisistema que intercalaba profundidad y elocuencia con habituales y agradecidos escupitajos verbales dirigidos a todo el mundo (siendo los demás miembros del equipo de locutores de Los 40 Principales un objetivo bastante frecuente), algo que resulta totalmente inconcebible, en unos tiempos como estos en los que "es más fácil sentirse ofendido que respirar" y en los que la más mínima reprobación / condena en las redes sociales puede costarle a uno su puesto de trabajo cuando no su propia reputación.

Entre otras posibles causas que se barajan (o mejor dicho se suman) para que Bértigo desapareciera tan prematuramente de la faz de la radio (pudiéndose hablar fácilmente de censura) y que ni siquiera a día de hoy podamos encontrar ni una sóla grabación en la web (nostálgicos, desempolvad vuestras cintas de cassette) ni tan siquiera información sobre el programa en la página de la emisora, podemos listar entre otras el hecho de que cuando a Maese Bértigo le salía de los circuitos no se cortaba ni un cable en poner algún tema (por el cual sentía especial fijación o porque sí) hasta 5 veces durante una misma emisión... otra razón más podría ser que para finalizar el programa ponía siempre una grabación que conjugaba sonidos bélicos (ametralladoras disparando) y una voz en alemán que fácilmente podría tratarse de un discurso de Hitler (eso sí, no confundamos: la intención era simple y llanamente escandalizar al personal).

Como podréis imaginar leyendo un poco el cómo se las gastaba el amigo Alcanda en su programa, cuando fueron lanzados los recopilatorios antes comentados, a Maese Bértigo se le fue totalmente el chip, buscando a toda costa desvincular su Bértigo de los Vértigo, gritando en más de una ocasión "¡BÉRTIGO SE ESCRIBE CON B, CABRONESSS!".

Aún queda mucho en mí de ese chaval de 14 años que de noche y ya en la cama, auriculares prestos, se disponía durante una hora a escuchar los desvaríos de Maese Bértigo, personaje más propio de una emisora de radio pirata local que de una comercial de ámbito nacional, y gracias a ello desmarcarse del estudiante de notables y sobres que era de día y de quien nadie sospechaba que lo flipaba con este verdadero paradigma de la radio en el cual podías escuchar una música (Nirvana, Manolo Kabezabolo, Terrorvision, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Pearl Jam, Green Day, Pantera, Sepultura...) que en prácticamente su mayoría ni de coña oirás hoy en la misma cadena en la que se emitió.

En estos tiempos tendentes a la distopía en los que el desencanto sociopolítico y la inacción generalizada se acuestan con el secuestro cerebral propiciado por el uso y abuso de las nuevas teconologías, necesitamos más que nunca a Maese Bértigo para poner (no orden sino) caos en todo esto, pues sólo destrozando el actual sistema radiofónico y musical podremos conseguir una juventud más provechosa e inteligente, una que empiece a dejar de creer que "el éxito se mide en followers" o que para alcanzarlo basta con vender tu alma al Diablo de la televisión y no dar un palo al agua. Requerimos a Maese Bértigo para que, entre temazo y temazo, se cague en todo y en todos e involuntariamente propicie a los chavales de hoy ganas de cuestionar lo que las estúpidas pantallas de sus teléfonos les muestran.

¡Larga vida a la música de los 90 y larga vida a Bértigo!.

Nota: desde aquí agradecer a Frikiplaster (muy especialmente por sus esfuerzos en intentar recuperar algo del programa) así como a Fonoteca40 pues gracias a éstas páginas he recordado más de un dato y además, teniendo en cuenta que Los 40 Principales no cuentan ya con un archivo en condiciones sobre tiempos pasados, éstas páginas/blogs y otros foros mantienen el nombre de Bértigo en internet de tal manera que puedo decir que estoy cuerdo, que fue real y no me lo he inventado, que éste pedazo de programa de radio EXISTIÓ Y NOS ENCANTÓ.

Otros artículos musicales por Root Wounds para Cine de los 80:

- BANDAS DE LOS 80 AÚN EN ACTIVO I : DEPECHE MODE
- PANORÁMA ELÉCTRICO: UNA APROXIMACIÓN AL SYNTHWAVE

Rocky IV (1985, Sylvester Stallone)


No es sólo un combate de exhibición que no vale para nada. Somos nosotros contra ellos. Puede que no entiendas de lo que te estoy hablando, pero lo entenderás cuando acabe. Creeme, Potro, lo entenderás cuando acabe. (Apollo Creed)



Y vamos con Rocky IV, no sólo ya la más taquillera (más de 300 millones de dólares) de la saga, sino que fue, durante 24 años, la película deportiva con más recaudación hasta que la superó Un sueño posible (2009, John Lee Hancock) con casi 310 millones.

En cuanto al reparto hay pocas novedades respecto a las tres anteriores y repiten todos los personajes principales: Stallone - también como director y guionista- (con litigio por plagio de guión  mediante conocido como Anderson vs Stallone), Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers y Tony Burton; en el caso de Weathers sería su última aparición en la saga ... Tres nuevas caras remarcables aparecen en el elenco: Dolph Lundgren como Ivan Drago, Brigitte Nielsen (futura esposa de Stallone) como Ludmilla, mujer de este, y Michael Pataki como el manager y entrenador de Drago.
Otra novedad nos viene desde la faceta musical y es que Bill Conti es sustituido por Vince Dicola, así que olvidaros de escuchar el emblemático tema de Rocky en esta ocasión, salvo una pequeña variación del mismo al final de la película. 


La historia es la siguiente. Un nuevo boxeador ruso se presenta en los Estados Unidos acompañado de su esposa Ludmilla (Nielsen) y su equipo de entrenadores y manager (Pataki). Se llama Ivan Drago (Dolph Lundgren) y es apodado El Expreso de Siberia. Un campeón del mundo amateur que quiere darse a conocer en Estados Unidos mediante un combate de exhibición contra Rocky Balboa. Apollo, que lleva cinco años retirado , y no se resigna a ser una vieja gloria, convence a Balboa de ser él quien enfrente al ruso para demostrarse a sí mismo de que aún puede luchar. Pero la supuesta exhibición es una masacre que termina con Apollo muerto sobre el ring. Rocky clama venganza y viaja a la Unión Soviética donde entrenará y peleará contra Drago sin cobrar y sin que su título de campeón esté en juego ...

Esta cuarta parte de la saga es imposible de olvidar y hay imágenes y momentos que forman parte de la cultura popular. 
En cuanto a las más ochenteras (en el sentido más churretoso del término) tenemos las surrealistas escenas del robot (medio novia) de Paulie. ¿Qué demonios pinta eso? Pues la explicación es que este robot se había utilizado para ayudar a Seargeoh, el hijo autista de Stallone, en su tratamiento; por eso decidió introducirlo en la historia. Y al parecer se habían grabado aún más escenas con él que finalmente (y afortunadamente) no se incluyeron en el montaje final. 
Luego está el show de James Brown cantando Living in America antes del combate de Apollo y Drago (esto me recuerda un poco al circo del entrenamiento de la tercera parte en el primer combate contra Lang). Pero ya sabemos como es Sly, y como director siempre rueda algunas escenas de lo más aceitosas, que , a mí , por lo menos, me producen algo de vergüenza ajena ... Pero bueno, son los ochenta, ¡y mola!



Y claró está es que esta película es la que será recordada como la última en la que Carl Weathers hace aparición, ya que su personaje, Apollo Creed,  muere en el ring, apaleado por el despiadado Ivan Drago. ¿Recordáis el trauma que nos causó esto a los que lo vimos de chavalines?

Pero lo mejor es que ,como en el caso de la tercera parte, se nos presenta a un nuevo antagonista que ha adquirido el estatus de culto incluso superando a Clubber Lang (Mr.T) en cuanto a popularidad: Ivan Drago, El Expreso de Siberia (Dolph Lundgren)Lundgren había sido introducido en el mundo del cine de mano de la que por entonces era su pareja, la archiconocida Grace Jones, y su primera aparición antes de interpretar a Drago fue con un pequeño papel en Licencia para matar (1985, John Glen).
Lundgren no sólo era  realmente un experto luchador que ostentaba un segundo dan en Kyokushin Karate y había ganado el campeonato europeo y un torneo de pesos pesados en Australia en esta disciplina, además medía 1´96 metros y pesaba casi 120 kilos de puro músculo que había aumentado entrenando específicamente seis días a la semana durante cinco meses para la película. Imaginaros la diferencia entre él y Stallone que- pese a haber aumentado su masa muscular entrenando con Franco Columbu -  mide unos 1´77 metros. Drago es una mole que, al contrario del irascible y verborreico Clubber Lang, es hierático, frío como el hielo siberiano, y su locuacidad apenas da para una decena de frases en toda la película; yo he contado nueve (corregidme si me equivoco): "Perderás", "Nadie puede vencerme", "Yo derroto a todos", "Pronto caerá el auténtico campeón", "Está muerto, muerto" - aunque en realidad dice "If he dies, he dies", es decir, "Si muere, muere"- , "Voy a matarte" - otra mala traducción de "I will break you" (Voy a destrozarte) -, "No es humano, es como ... Un bloque de hierro", "Yo peleo para ganar. Soy el mejor ¡Soy el mejor!" ... Y por último "Estás muerto".
Ivan Drago es básicamente el Terminator del boxeo; un cyborg inmisericorde, implacable e indestructible... O eso parecía...



De la fuerza descomunal de Lundgren pueden dar fe tanto Carl Weathers como Sylvester Stallone. En cuanto al primero, en la secuencia de su pelea, parece ser que Lundgren se lo tomó tan en serio que Weathers abandonó el ring y amenazó con no volver a rodar; tuvo que mediar Stallone para que Lundgren rebajara su agresividad y  se reconciliasen. En el caso de Stallone fue el propio Sylvester el que propuso a Dolph que hiciesen sparring de verdad para las escenas de su combate, el resultado fue que Stallone tuvo que ser hospitalizado debido a un golpe en el esternón y permanecer en cuidados intensivos durante ocho días. Alucinante.. 

No cabe duda de que la pelea entre ambos púgiles es brutal , en algunos momentos uno parece sentir los golpes de la descomunal paliza que se propinan y en esto ayuda mucho el uso de efectos sonoros de golpes reales (fue una de las pioneras en utilizarlos). Por otro lado nos deja frases memorables de Duke,  otrora entrenador de Apollo :"¡No hay dolor!" o "Castígale el hígado!" Aunque si os fijáis, varios de esos golpes al hígado no lo son puesto que este órgano está situado en la parte derecha del abdomen, no en la izquierda ... que es donde golpea Rocky cuando Duke grita "¡Al hígado!" al final de la pelea.

En cuanto a las secuencias de los entrenamientos Rocky llega a una cabaña en medio de un paraje polar ruso (en realidad Wyoming) con la música de , otra vez, Survivor y su Burning Heart (recordemos que en la tercera fue Eye of the Tiger), para entrenar aislado y de un modo muy rústico (correr por la nieve, levantar un carro,tirar de un trineo ...) con Hearts of Fire de John Cafferty y Vince Dicola sonando. Paralelamente, Drago entrena con la más alta tecnología a su alcance y con la ayuda de anabolizantes.
Estos entrenamientos, resultaron completamente revolucionarios en su época. En cuanto al de Rocky, atletas olímpicos de la talla de Michael Phelps reconocen la influencia que ejerció sobre ellos el hecho de aislarse en una cabaña. Y en cuanto a Drago, decir que el equipamiento deportivo resultaba por entonces experimental y algunos de los equipos mostrados tardaron veinte años en utilizarse con deportistas profesionales.





Pero la principal diferencia entre esta y las anteriores partes de la saga es que si estas contienen un mensaje de redención y son una loa a la fuerza de voluntad del ser humano (vale, y también del sueño americano ...), en este caso nos encontramos de morros contra un mensaje puramente político. Rocky IV constituye una apología al sistema capitalista norteamericano frente al comunismo de la Unión Soviética en plena Guerra Fría . De esto nos da una pequeña pista ese inicio en el que dos guantes de boxeo, uno con la bandera norteamericana y otro con la de la URSS colisionan provocando una explosión ... Pero no es lo mismo tratar este acontecimiento hitórico como lo hace Kubrick en Teléfono Rojo (1964) o Sidney Lumet en Daniel (1983) a como lo  hace John Milius en Amanecer Rojo (1984) o Stallone en Rocky IV; y es que en estos dos casos se nos presenta el conflicto de la forma más burda, zafia, maniquea y extrema posible. En resumidas cuentas: los norteamericanos son muy buenos , los rusos muy malos.


Los ejemplos de estos son múltiples y variados durante toda la película. Desde pequeños detalles como el de Duke ganando al ajedrez al ruso en la cabaña (estos americanos son la hostia) a verdaderas sobradas esperpénticas.
No sólo los muestran como faltos de sentido del humor en la rueda de prensa con Apollo sino como unos hijos de puta crueles y despiadados. No sólo matan a Apollo en un combate de exhibición, sino que cuando esto ocurre, su esposa (Nielsen) muestra una cruel sonrisa de satisfacción; para más inri, ésta, antes del combate, se había acercado a saludar a la mujer de Apollo (Sylvia Meals) diciéndole también sonriente: "Buena suerte, espero que luego seamos amigas" ¡Más mala que la quina!
Y qué me decís de ese grito que el entrenador de Drago pega desquiciado: ¡¡¡¡Gaaaquioooo!!! (o algo así, que no sé ruso), y acto seguido Drago comienza a destrozar a Apollo con cara de desquicie total. Para rematar (nunca mejor dicho), cuando Apollo está muerto en el ring Drago dice: "If he dies, he dies" ("Si muere, muere", aunque esto se dobló al español como "Está muerto, muerto"). Lo dicho, una locura



"Pero quizás esta simple derrota de este hombre que llaman campeón será un perfecto ejemplo de cuán patéticamente débil se ha vuelto su sociedad" espeta el manager de Drago en la rueda de prensa previa a su combate contra Rocky... 

Tampoco es muy sutil el mensaje del individualismo norteamericano frente al colectivismo ruso. Rocky ni siquiera necesita sparrings para preparar su combate y entrena sólo, Drago tiene a un equipo multitudinario, entrena con la máxima tecnología y se dopa (recordemos que en deporte la Unión Soviética cosechaba más medallas que nadie en los Juegos Olímpicos así que ya sabéis por donde pueden ir los tiros); aún así no será capaz de derrotar a un hombre mucho más pequeño y débil que a fuerza de voluntad puede conseguir lo que se proponga (como sucede en los EEUU, oiga)


"No sólo está peleando contra un público hostil, sino contra el secretario general ruso y contra la mayoría del Politburó" dice el comentarista norteamericano ... Pero, ¡oh, sorpresa! Al final el público apoya y corea el nombre de un  Rocky que tras vencer a Drago nos espeta este discurso final:
"He visto a mucha gente que me odiaba y no sabía que pensar sobre eso. Pero supongo que vosotros tampoco me gustabais. Pero durante el combate he visto muchos cambios. Lo que sentíais por mí y lo que yo sentía por vosotros. Aquí había dos hombres matándose el uno al otro, pero dos es mejor que veinte millones. Lo que Intento decir es que si yo puedo cambiar y vosotros también, todos pueden cambiar" Acto seguido todos lo vitorean, incluso el palco presidido por el secretario general ruso (clavado a Gorbachov) y el Politburó, y todos se levantan y le aplauden. ¡Viva EEUU! ¡Sois los mejores! ¡Rocky conquista Rusia!¡Rocky for president!


En fin, que se trata de una película muy icónica por la de momentazos que ofrece, pero que chirría y no deja de ser propanda política pura y dura, igual es por eso por lo que vista hoy día tiene su gracia.

Las críticas que recibió fueran muy malas y ganó cinco Golden Raspberry Awards al peor actor y director (ya sabemos quien), peor actriz de reparto (Nielsen), peor nueva estrella (joder con la Nielsen) y peor banda sonora.
Paradojas de la vida, en Alemania Rocky IV ganó el Golden Screen Award y Lundgren ganó el Marshall Trophy a mejor actor en el Festival de Cine de Napierville (¿?) ... En fin , Serafín ...

Stallone barajó una quinta parte que versaría sobre las vidas paralelas de Rocky y Drago después de dejar el boxeo, pero reflexionó sobre el brutal combate entre ambos y decidió decantarse por un guión que reflejase los daños del boxeo en los luchadores ... Pero esa, esa es otra historia ...

GERMÁN FERNÁNDEZ JAMBRINA




Depredador (1987, John McTiernan) Predator



Hoy estamos aquí para hablaros de una de esas películas míticas de los años 80, una obra que se ha ganado su etiqueta de film de culto a pulso, la genial cinta de terror, ciencia ficción y aventuras, Depredador.


Todo empezó en las oficinas de FOX, cuando un dirigente del estudio estaba desalojando su despacho y decidió tirar todo lo que tenía sobre su escritorio y en los cajones del mismo. Guiones en espera de ser aprobados o ser descartados y acabar en la basura. Una vez hecha la limpieza de todo cogió un guión llamado “Hunter”, de los debutantes Jim y John Thomas y fue lo único que dejó sobre la mesa. Este guión lo habían metido por debajo de la puerta de su oficina los mismos hermanos Thomas, pues al no tener representante no consiguieron que ningún estudio se lo cogiera. Cuando llegó Michael Levy, su sucesor en el cargo, lo encontró sobre el escritorio, lo leyó, y decidió que esa era una historia digna de ser llevada a la gran pantalla. Además el estudio estaba buscando un nuevo proyecto para Arnold Schwarzenegger y pensaron que ese era un guión perfecto para el. Así nació Depredador.

La cinta es un claro ejemplo de película que en un principio surge como vehículo para lucimiento de
su estrella protagonista, un Arnold Schwarzenegger que venía de protagonizar éxitos como Conan el
bárbaro o Terminator, y como un híbrido de géneros tan diversos y a la vez tan de moda en aquellos
años como el terror, la ciencia ficción y el cine de acción más reaccionario (muchos fueron los que
vieron en ella simplemente un vulgar cruce entre el Aliens de Cameron y la saga Rambo protagonizada por Stallone), pero que a pesar de las condiciones en las que fue gestada se presenta finalmente como una obra sólida. Una película rodada con nervio, un magnífico sentido del ritmo y una sabia dosificación de sus elementos de suspense por un John McTiernan en plena forma. La dirección de este y el trabajo del director de fotografía Donald McAlpine nos trasladan a una siniestra y calurosa selva centroamericana que se convierte en un personaje más de una película en la que un grupo de soldados de élite deberá enfrentarse a un rival de otro planeta que ha venido a La Tierra para practicar su deporte favorito, la caza. Una cinta de supervivencia y terror en estado puro que se ha convertido, tanto ella como la criatura alienígena que le da título, en verdaderos iconos de la cultura popular.



COMO SE GESTÓ UN MITO


Jim Thomas era profesor de matemáticas en una universidad de New jersey. El y su hermano vieron como Depredador, un guión que escribieron en la playa en el verano de 1983, fue su primer trabajo en salir adelante. Cuando eran pequeños sus padres les leían cuentos, aventuras de la mitología clásica e historias de hadas de los hermanos Grimm. Siempre les interesó la mitología donde había criaturas parecidas al depredador, como el cíclope, el minotauro o el Grendel de Beowulf, eran la representación del mal. La idea original era ¿qué pasaría si cazadores aficionados cazasen seres humanos de la misma manera que los humanos van de caza a África?, al imaginarlo aplicaron todo lo que sabían sobre la caza, el acecho, el camuflaje, la imitación del canto de la presa y la elección de la presa más valiosa o peligrosa que para un alienígena sería la humana. Los Thomas fueron los encargados de establecer la reglas, las motivaciones y el estricto codigo de honor de la criatura.

La idea del camuflaje óptico del predator fue de Jim Thomas. Al parecer, este había tenido un sueño en el que miraba por un agujero y veía una sala ovoide cromada. Dentro de la misma había un hombre hecho de cromo al cual no era visible hasta que se movía, ya que estaba reflejado en todas partes. Aun así, cuando por fin se movía , solo podía verse del mismo su perfil. Ese fue el origen de la idea del camuflaje de la criatura.


En una versión muy temprana del guión la historia giraba en torno a una hermandad de cazadores que venían de otro planeta a La Tierra para cazar todo tipo de presas. Ese era el germen de lo que posteriormente se convirtió en Depredador. En aquella historia el protagonista era un guia indio que había tenido encuentros anteriores con estos cazadores alienígenas, encuentros que lo habían llevado casi al borde de la locura. Mediante flashback se mostraba su infancia y como le enseñaron a tratar con los espíritus de la Tierra y a como encontrar su fuerza. Pronto se dieron cuenta de que la idea no funcionaría, así que cambiaron la historia por un único cazador que viniera a cazar a la especie más peligrosa, el hombre, y al soldado de combate como exponente de presa más codiciada.

Varios fueron los títulos que se barajaron aparte del mencionado “Hunter” antes de llegar al definitivo “Predator”, entre ellos “Primevil”, “Alien hunter” y “The Predator” (por cierto, este último va a ser el título de la próxima entrega de la franquicia que se estrenará en 2018).

Sobre la ubicación del relato los Thomas dicen que en aquella época pasaban muchas cosas en Centroamérica y que por eso decidieron ambientar la historia en un lugar indeterminado de esa zona. De haberlo escrito antes lo habrían ambientado en Vietnam. La adaptación literaria de la película decía que la acción de Depredador transcurría en la ficticia República de Val Verde, si bien en la cinta nunca se menciona explícitamente ningún país real o imaginario. Un país inexistente suramericano del que hace uso FOX cuando no quiere hacer referencia a ningún país real. Es la misma República donde se desarrollaba el final de Commando o el lugar de procedencia del General Esperanza, personaje interpretado por Franco Nero en La jungla 2: Alerta roja. Ahora bien, 23 años después la película Predators aclaró que los acontecimientos de Depredador transcurrían en realidad en Guatemala.

El libreto de los hermanos Thomas fue adquirido por FOX en 1.985 y esta enseguida encargó al todopoderoso Joel Silver que se encargara de la producción del film. Su primer paso fue contratar al por entonces en alza Arnold Schwarzenegger para que protagonizara la cinta. Ambos acababan de trabajar juntos en Commando y el austriaco aceptó encabezar el reparto a cambio de un sustancioso cheque por 3 millones de dólares, lo que significaba su salario mas elevado hasta ese momento. Como curiosidad decir que después de rodar Depredador Arnold y Silver no volvieron a trabajar juntos.


Arnold confesó que le había atraído del proyecto el hecho de que no era la típica película de acción como las que había hecho hasta ese momento en plan un hombre solo contra el sistema, el solitario que se enfrentaba contra un gran numero de enemigos. Esta era una peli mas coral, con mas hombres como él formando un equipo al más puro estilo Grupo salvaje frente a un rival casi invencible. Segun Arnold él pidió que se modificara una parte del guión para quitarle mas protagonismo y potenciar los personajes del resto del equipo para enriquecer la historia.

Shane Black, famoso guionista (Arma letal, El ultimo boy scout, etc) que más tarde dio el salto a la dirección y que se ha encargado precisamente de dirigir la nueva entrega de la franquicia, hizo un breve papel en la película debido a su amistad con el productor Joel Silver. Al parecer en un principio fue requerido por Silver para que retocara el guión y Black, que pensaba que el libreto estaba bien tal y como estaba, no quiso desempeñar esa función. Posteriormente recibió la invitación para aparecer en el film como actor, aunque la idea de los productores era que una vez en México le hiciera los mencionados retoques al guión. Aun así, Black siempre ha dicho que lo que se rodó finalmente fue el guion original. En palabras de Shane Black la idea era genial pero a la vez muy sencilla, tanto, que parecía increíble que a nadie se le hubiese ocurrido antes. Recientemente el propio Schwarzenegger dijo que muchas de sus líneas de dialogo habían sido escritas por Black. Finalmente el guión contó con seis revisiones antes de llegar a la versión final del mismo.

Se rumorea que en un primer borrador del guión el final era distinto al que se rodó para la película, en él la criatura, después de luchar sin armas contra el protagonista del film y ganarle, le perdonaba la vida por haber sido un magnífico adversario. Posteriormente el depredador se iba y una vez desaparecía este llegaba el helicóptero de rescate, que encontraba al protagonista en muy mal estado, pero vivo al fin y al cabo. Otro posible final que se barajó fue el primero ideado por los Thomas y que era muy distinto del visto en la película, es aquel en el que Dutch volvía al campamento de los guerrilleros y se encontraba con la nave del Predator (que poseía un camuflaje que la hacia invisible), en el centro del mismo ademas estaban los cadáveres despellejados de los miembros de su comando y en medio de un claro en la selva se producía el enfrentamiento entre Dutch y el predator. Este era herido por Dutch y después se arrastraba intentando llegar hasta su nave, aunque posteriormente era ejecutado por el primero con una de las armas del alienígena. Fue McTiernan el que decidió prescindir de esta escena al decir que la idea le resultaba asquerosa, ya que la aparición en la misma de los cuerpos despellejados de los miembros del comando liderado por Dutch le parecía algo repugnante. Este último fue el final que se usó en la novelización de la película que escribió Paul Monette.

EL EQUIPO TRAS LA PELÍCULA



Joel Silver, Lawrence Gordon y John Davis deciden contratar a John McTiernan, que solo tenia un film en su haber, Nómadas, para que se haga cargo de la dirección de la misma, si bien antes se tiene en cuenta al director neozelandés Geoff Murphy, cuyos films Único superviviente y Utu causaron honda impresión en Hollywood. Vista a día de hoy la decisión de fichar a McTiernan solo puede considerarse de total acierto, pues este director supo dotar a la película de un ritmo, un suspense y un aspecto visual verdaderamente impresionantes. McTiernan tuvo la gran idea de ir mostrando al alien protagonista poco a poco a lo largo del relato, ya que primero conocemos al predator a través de su visión térmica, después podemos verle con su camuflaje óptico, mas adelante ya hace su primera aparición verdaderamente visible en el film, pero no es hasta el final que no se quita su mascara y vemos lo que es realmente. Una gran decisión que ayudo a mantener la emoción y el suspense a lo largo del metraje.

El director tenia muy claro el tipo de obra que quería hacer, en sus propias palabras "siempre había soñado con hacer un film de aventuras en la línea de los que se hacían en el Hollywood clásico. Una película de palomitas a la vieja usanza”. McTiernan quería que Depredador fuese divertida y violenta, pero no quería que fuese cruda, de ahí que la acción de la misma sea desmesurada y grotesca, como un estilizado cómic ultraviolento. Es decir, la violencia del film debía ser tan exagerada que no podría tomarse en serio, con sus escenas de acción inverosímiles (uno de los personajes lleva como arma una Gatling, un arma pesada ideada para ser acoplada a un vehículo y no para ser transportada a mano), sus tíos duros hipermusculados (mítico el saludo en forma de pulso entre los personajes de Schwarzenegger y Weathers al comienzo del film, en el que los músculos de ambos inundan la pantalla) y sus frases lapidarias soltadas una tras otra.

En ese sentido, el director de segunda unidad, Craig R. Baxley, quedó muy decepcionado cuando McTiernan recortó la escena del ataque al poblado de los rebeldes. Baxley rodó para la secuencia varias tomas realmente crudas e impactantes, en sus propias palabras “la guerra era algo horrible, espantoso” y eso es lo que quería mostrar. Sin embargo McTiernan le dijo que no estaban rodando una película de guerra, que Depredador era un film de acción.


Para dar vida a Dutch, el personaje protagonista, la primera y única opción siempre fue Arnold Schwarzenegger. El actor cotizaba al alza en Hollywood, sobre todo gracias al éxito de Conan el Bárbaro y Terminator, pero no es menos cierto que Depredador fue su consagración definitiva como action hero tras los pasos en falso de Commando (que por muy simpática que sea no consiguió romper taquillas como si que lo hizo Rambo), la mediocre Ejecutor, o la infumable El guerrero rojo, películas todas ellas que hicieron mas bien poco por la carrera del austriaco. Por la época en la que se rodó el film el ingles de Schwarzenegger no era del todo bueno, de ahí que después de una primera lectura del guion se optara por reducir considerablemente sus lineas de dialogo.

El resto del cast estaba compuesto por Carl Weathers, que interpretaba al pérfido Dillon, Elpidia Carrillo como Anna, la guerrillera rebelde tomada como rehén por el equipo de Dutch, Bill Duke como Mac, Jesse Ventura en el papel de Blain, el mejor amigo de este ultimo, el recientemente fallecido Sonny Landham como el mítico rastreador indio Billy, Richard Chaves en el papel de Poncho, Shane Black como el simpático Hawkins, R.G. Armstrong el General Phillips y Kevin Peter
Hall el Depredador, años después conocido como Jungle hunter.


La productora contrató a un guardaespaldas para que acompañara a todos sitios al actor Sonny Landham (dado su problemático carácter), con la intención no de proteger al actor, sino de evitar que este se peleara con el resto del equipo. Landham acabó tirando al guardaespaldas por la ventana de la habitación del hotel donde se hospedaban, causándole lesiones menores y provocando la dimisión del accidentado. Fue el propio McTiernan el que insistió en que quería tener al actor a bordo a pesar de las reticencias de FOX en contratarle. Al final se pudo comprobar que McTiernan acertó de pleno, puesto que Landham, que ya había intervenido en films como The warriors, Poltergeist o Límite 48 horas, hizo un magnifico trabajo y su personaje es uno de los mas recordados del film.

La voz de Predator tanto en este film como en la secuela era del actor Peter Cullen, experto en el doblaje de series de animación.

Siempre se ha rumoreado que el actor Jean Claude Van Damme hizo una prueba para el papel de depredador. Efectivamente fue así, pero no pudo interpretar finalmente al letal cazador alienígena porque el traje estaba diseñado para ser utilizado por una persona mucho mas alta que el famoso actor belga y por ello no podía moverse fácilmente con él y menos aun dar saltos y correr por la selva, por lo que apenas estuvo un par de días en el rodaje. Aún así varias de las escenas en las que se ve a la criatura con su camuflaje óptico fueron rodadas con Van Damme dentro del traje, si bien fue con el primer diseño que tenia la criatura antes de decantarse por la genial creación de Stan Winston. McTiernan dijo que se fue del rodaje hecho una furia porque pensó que tendría un papel importante y se encontró con un simple doblaje técnico. Jesse Ventura en su biografía llegó a decir que el belga estaba a disgusto en el rodaje ya que no era lo que él esperaba y que quería marcharse a rodar otro film, provocando varias situaciones desagradables en el set y llegando a lesionar a propósito a un extra en la filmación de una escena. Por su parte Van Damme siempre ha dicho que habló con Silver amigablemente y abandonó la película sin ningún incidente.



Los actores, algunos de ellos con pasado militar, se sometieron a una ardua preparación física, durante semanas fueron llevados a un campamento de entrenamiento en medio de la selva. Una vez acababan la sesión de ejercicios volvían a pie caminando aproximadamente unos 10 Km a través de la misma. Hacían caminatas de hasta cuatro horas por la selva y tuvieron un asesor militar, Gary Goldman, el cual llegó a decir que al final se comportaban como una unidad.

El actor de origen danes Sven-Ole Thorsen tuvo un breve cameo como oficial ruso. Thorsen es íntimo
amigo de Schwarzenegger y ha realizado esta clase de apariciones en varios films del actor austriaco, caso de Conan el bárbaro (donde tenia un papel mas extenso), Conan el destructor (interpretando un papel diferente al del primer film), Ejecutor, Danko: Calor rojo, Perseguido, El ultimo gran héroe, Eraser, El fin de los días o El tesoro del Amazonas (donde Arnold realizaba también un pequeño cameo).


La banda sonora del estuvo muy cerca de ser compuesta por el genial Jerry Goldsmith, pero un problema de agenda apartó a este de la película, dejándole esa función a Alan Silvestri.

La actriz mexicana Elpidia Carrillo, afincada desde hace varios años en Venice, California, dijo que jamás volverá a trabajar en películas como "Depredador", y que en esa ocasión aceptó porque necesitaba el dinero. Insistió en que en aquellos años las cosas eran bastante difíciles y había que aceptar casi todo. "La verdad, no sé cómo me convenció mi agente, lo cierto es que yo estaba al lado de Arnold Schwarzenegger, quien acababa de hacer ‘Conan, el bárbaro’ y estaba en su apogeo", dijo la actriz.


Por su parte Kevin Peter Hall, que media 2,20 y que interpretó a Predator en los dos primeros films de la saga, lo paso tan mal durante el rodaje de esta primera entrega llevando el pesado traje y teniendo que correr y saltar por medio de la selva, que el director lo recompensó con una aparición final interpretando a uno de los pilotos del helicóptero que recoge al protagonista. El actor llegó a decir que "no era una película, era una historia de supervivencia para todos nosotros”. Según McTiernan había hecho un duro trabajo y no era justo que no apareciera su verdadero rostro en el film. En palabras del director del film, Kevin Peter Hall aportó mucho al personaje pues no se limito a ponerse el traje y saltar como un loco por la selva. Creó para él una forma de andar y moverse bastante peculiar y particular, con unos movimientos lentos y precisos que hacían parecer al ser una especie de aparición fantasmal. El actor estudio danzas tribales africanas para dotar al personaje de flexibilidad y sobre todo personalidad propia. Un ejemplo es la escena en el que el predator se quita su mascara y acto seguido extiende los brazos semiagachado lanzando un rugido, ya que ese movimiento pertenece a un baile Masai conocido como la danza del Leon. Kevin Peter Hall murió, víctima del Sida, al año siguiente de finalizar el rodaje de la segunda parte. Un accidente de coche obligó a los médicos a realizarle una transfusión de sangre, por desgracia en aquella época esta enfermedad era muy incipiente y no había casi control sobre la sangre que se donaba. La mala suerte hizo que el actor recibiera una transfusión de sangre contaminada con el VIH, algo que en aquellos años, suponía una sentencia de muerte.

CREACIÓN DE LA CRIATURA Y RODAJE INFERNAL



La filmación comenzó el 14 de Abril de 1.986 con un calendario previsto de 14 semanas de rodaje, si
bien hubo numerosos contratiempos y el rodaje se convirtió en un autentico caos que además dejó exhaustos a los actores porque físicamente les exigieron mucho. El actor Richard Chaves, que había estado en el ejercito y sirvió tres años en la guerra de Vietnam, llegó a decir que físicamente era una de las cosas mas duras que jamas había hecho. Schwarzenegger por su parte lo recuerda como un infierno, siempre estando húmedo, con un calor asfixiante y pisando continuamente suelo que no era firme.

Para más complicaciones la boda de Schwarzenegger y Maria Shriver tuvo lugar durante el rodaje. El
actor intentó retrasar el inicio del mismo unas semanas para que no coincidiesen, pero Joel Silver no quería arriesgarse a rodar durante la temporada de lluvias. Tan solo dos días antes de su boda Arnold estaba rodando tomas en Palenque y para llegar a tiempo al ensayo de la cena se tuvo que alquilar un jet. Aún así se perdió los preparativo de la boda y eso no gusto nada a Maria. La ceremonia se celebró el 26 de abril y después hicieron una breve luna de miel en Antigua de tan solo tres días, mientras el rodaje seguía con escenas en las que no intervenía Arnold. Tras el estreno de la película el austriaco reconoció que tenía más en mente el rodaje que su propia boda.

El primer diseño de la criatura no convenció a nadie, "era justo lo que no queríamos ver en el film", reconoció McTiernan. Segun el director el aspecto del alienígena debía ser elegante y terrorífico a la vez y ese primer diseño parecía el del típico monstruo de producción barata de terror, que más que miedo producía risa. Poseía una serie de elementos entrecruzados por el pecho y la espalda, un solo ojo en la frente y un cuerpo muy diferente del que se utilizo en el diseño final. En vista del fracaso del primer diseño McTiernan reclamo los servicios del ya citado Stan Winston, que en muy poco tiempo creó a uno de los personajes más memorables de la historia de la ciencia ficción. La prisa se debía sobre todo a que el film ya se estaba rodando y de hecho casi se habían rodado ya todas las escenas en las que no aparecía el depredador, por lo que la urgencia fue máxima. Según el famoso creador de Fx la idea de las fauces de la criatura fue obra del director James Cameron, que había trabajado con Winston en el diseño de otro famoso personaje, Terminator. Ambos se encontraron casualmente en un viaje en avión cuando el primero de ellos estaba trabajando en el diseño de la criatura. Como tenia problemas a la hora de decidirse por el rostro que debía tener el alienígena pregunto a su amigo. El director de Aliens le dijo que hacia años que no aparecía un monstruo en pantalla con unas fauces amenazantes y le parecía original la idea de incorporarlo al diseño del cazador extraterrestre.


Winston tomo como referencia la imagen de los guerreros Masai, famosos cazadores nativos del continente africano, de ahh la altura del personaje que ronda los 2,5 metros, su cuerpo delgado y fibroso y sus movimientos lentos y calculados. El diseño final del alienígena es inmejorable, alto, delgado, con un pelo que se inspira claramente en el de la estetica rastafari, una armadura que cubre aproximadamente el cincuenta por ciento del cuerpo del ser y una red que cubre la parte visible del mismo. Con aspecto de reptil, la piel de este ser es viscosa y de color ocre con algunas manchas negras. La criatura lleva una mascara de metal que posee un scanner de visión térmica y un modulador de voces. También le sirve para respirar en cualquier atmósfera, aunque puede estar sin ella durante cierto espacio de tiempo. Si a simple vista el aspecto de este ser es muy parecido al de los humanos, cuando se despoja de su máscara es cuando se puede ver la verdadera naturaleza del mismo. Sus ojos son muy pequeños y de color amarillo, carece de nariz y es poseedor de unas feroces fauces que puede abrir completamente mostrando una dentadura afilada que esconde en el interior. El impresionante diseño es completado por Winston con algunos detalles macabros, como los huesos de sus presas que este luce a modo de adorno. El éxito de este magnifico diseño de Winston reside claramente en el acierto de saber mezclar la estetica de un guerrero salvaje y primitivo, con toda la tecnología y detalles futuristas de la armadura de la criatura. Si uno observa detenidamente al depredador puede ver que se trata de una fusion perfecta entre la estética de un guerrero tribal y la de un sofisticado robot.

En un principio la visión térmica del predator debía realizarse con una cámara especial que verdaderamente captara el calor de los actores para distinguirlos del entorno. El problema fue que la temperatura en la selva era de mas de 30 grados y por lo tanto se asemejaba mucho a la temperatura corporal de los actores, por lo que no se podía grabar nada dado que el cuerpo de estos quedaba camuflado. En un principio se intento solucionar el problema esparciendo agua congelada por la selva y colocando a los miembros del reparto junto a una fogata justo antes de rodar. Finalmente McTiernan recurrió a una empresa especializada en efectos especiales en video, por lo que el efecto de la visión infrarroja del predator acabo siendo planos normales trucados para dar ese aspecto.

Durante el rodaje lo integrantes del reparto y equipo técnico cayeron enfermos debido al consumo de agua en mal estado, lo que hizo que se prolongara mas de la cuenta. Pese a que se les había recomendado beber solo agua embotellada y prescindir del agua del grifo muchos de ellos hicieron caso omiso, siendo precisamente Schwarzenegger uno de los pocos que no cayo enfermo por dicho asunto. Cuenta Bill Duke que la mala cara y los sudores del actor Sonny Landham en la escena en la que se para mirando a la selva y dice "en esos árboles hay algo", eran completamente reales, debido a la descomposición intestinal que les produjo el consumo de agua. Según cuenta cada vez que el director cortaba el rodaje de la escena Landham salía disparado y se escondía tras los arboles para hacer sus necesidades.


El rodaje se realizo en exteriores naturales de Puerto Vallarta, Jalisco y Palenque, por eso si uno observa con detenimiento el film se pueden distinguir clases de vegetación muy diferentes, ya que estas tres selvas poseen distintas especies de arboles y plantas. Sin embargo, a pesar de estar rodada en una selva autentica, hubo que decorar el lugar con mas vegetación de todo tipo para que esta pareciera mas frondosa en las imágenes de la cinta, algo que contrariaba mucho a McTiernan, ya que él quería haber rodado todo en Palenque que poseía una selva que era mas frondosa y tenia lo que él consideraba la estética mas apropiada para la película. El lugar de rodaje en Puerto Vallarta fue elegido básicamente porque se encontraba muy cerca del hotel donde se concentraba el equipo del film, sin embargo nadie cayó en la cuenta cuando fueron a visitarlo para elegir localizaciones de que mucha de la vegetación de aquel lugar era de hoja caduca, no perenne. Por lo que cuando llegaron de cara a comenzar el rodaje se encontraron con un lugar en el que había muy poca vegetación y para nada daba la sensación de ser una amenazante y espesa jungla. Las escenas de la cinta rodadas en Puerto Vallarta se reconocen fácilmente pues son aquellas en las que el suelo está lleno de hojas secas.

Cuando se rodaba de noche las temperaturas en la selva eran muy bajas y eso fue un problema de cara al rodaje de las secuencias finales del relato. En dichas escenas el personaje de Arnold debía aplicarse barro para cubrir su cuerpo y bloquear la señal térmica que emitía para que el depredador no pudiese verlo. La arcilla que se utilizaba para simular el barro enfriaba el cuerpo de Arnold lo que le hacia no dejar de temblar. Se intentó calentar su cuerpo con lamparas pero daban el problema de que secaban la arcilla, por lo que el rodaje de esas secuencias fue una absoluta pesadilla para el actor. Además, durante la lucha final con el monstruo, el actor que interpretaba al mismo golpeó a Arnold en el rostro provocándole una gran contusión. Como apenas veía con el traje puesto primero se ensayaban los movimientos de la pelea sin las máscara y después se repetían ya con ella puesta, el problema estuvo en que en una de las tomas, al no tener nada de visión, no calculó bien la distancia e impactó su brazo contra el rostro de Schwarzenegger.

Se intentó utilizar a monos disfrazados con trajes de pantalla azul para captar los saltos de la criatura de árbol en árbol, sin embargo los animales lo único que hacían era intentar quitarse el traje, quedarse quietos y visiblemente asustados o subirse a un árbol y esconderse, por lo que la idea fue desechada.

El traje de la criatura estaba provisto de un sistema de refrigeración similar al que llevan los pilotos de Formula 1, de modo que el actor dentro del mismo pudiera soportar las altas temperaturas del lugar y trabajar alrededor de unas dos horas seguidas con el traje puesto.


Numeroso problemas se produjeron durante la filmación de Depredador. John McTiernan rodó parte
de la película con una muñeca casi fracturada, tras caer de un árbol al que había subido con una cámara para hacer una toma desde lo alto del mismo. Un doble de Arnold Schwarzenegger sufrió lesiones en una rodilla durante el rodaje de la escena en la que su personaje cae desde lo alto a una laguna.

También la Gatling apodada “la impaciente” que llevaba el personaje interpretado por Jesse Ventura
dio algunos quebraderos de cabeza en el rodaje. Elegida personalmente por McTiernan en una fabrica de armas, la realidad es que ese tipo de arma esta pensada para ser acoplada a un helicóptero. Cuando Ventura tenia que dispararla se dieron cuenta de que el cañón iba tan rápido que no se podía filmar, de ahí que se optara por reducir la velocidad de giro a una cuarta parte de su velocidad real. Aún así, la pesada carga de munición de unos 45 kilos que el actor llevaba acoplada a su espalda se agotaba en seis segundos, por lo que no se podían rodar planos muy largos con el arma disparando.

El rodaje se detuvo durante un mes, cuando aun faltaba por rodar un tercio de metraje, mas concretamente las escenas en las que aparecía la criatura. McTiernan hizo un montaje con el material del que disponía e hizo un pase previo a los de directivos de FOX. Estos quedaron gratamente sorprendidos con lo rodado y otorgaron mas presupuesto para rodar todo lo relacionado con el alienígena.


La escena que da inicio al relato, en la que de la oscuridad de la galaxia surge la nave alienígena que
pasa a toda velocidad junto a la cámara en dirección hacia la Tierra, se realizo en post producción y
se terminó tan solo unas horas antes de la premier mundial del film. McTiernan no estaba seguro de
incluirla pues a su parecer daba demasiada información y quitaba suspense al film sobre la procedencia de la criatura (muchos son los que opinan que no debería haberse incluido). Dicha escena era ademas un homenaje (o plagio) de la que abría el magnifico film “La cosa”, del casi siempre genial John Carpenter. Película que había sido estrenada tan sólo cinco años antes que Depredador.

En un principio la sangre del depredador debía de ser naranja, pero este tipo de sangre resultó muy difícil de hacer, por lo que se recurrió a la sangre verde fluorescente, que ademas resultó mucho más mas económica pues procedía de un juguete infantil parecido al Blandi blub. El botiquín que muestra la criatura estaba compuesto por instrumentos de veterinario que fueron modificados para darle un aspecto alienígena, sin que por ello se perdiera la percepción de cual era su verdadera utilidad.

OTRAS CURIOSIDADES DE DEPREDADOR



Una de las escenas que lamentablemente fue eliminada del montaje final fue aquella en la que Dutch y sus hombres ahuyentaban a una banda de mariposas mientras estos avanzaban por la selva. Una de esas mariposas volvía y se posaba en las ramas de un árbol para poco después volver a echar a volar. Aun así la imagen de la mariposa permanecía sobre la rama y momentos más tarde esta se movía, descubriéndose así que en realidad se había posado sobre el brazo del predator, que estaba oculto con su camuflaje óptico, el cual respondía al contacto de la mariposa. Esta era la primera vez que iba a verse al personaje (o a una parte del mismo) en la película, pero como la escena se rodó con una cámara óptica y no quedo muy bien acabó siendo eliminada del montaje.

También fue eliminada del montaje final una escena muy curiosa, pues servia de metáfora sobre la capacidad mimética del Predator. En la misma, Anna se agachaba y recogía del suelo un pequeño camaleón, al que observaba durante unos segundos. Otra mostraba al Predator jugando con Dutch cuando este se queda sólo, haciéndole disparos de advertencia y guiándole hasta la zona de la cascada por donde cae.

Se descartaron varias escenas que estaban en el guión y que no llegaron nunca a rodarse, como una en la que mientras Dutch estaba delirando visualizaba en flashback un golpe militar a una embajada. En aquel guion original Dillon era villano al cien por cien, aun así, en la película McTiernan quiso redimir un poco al personaje y mostró a un hombre que se equivocaba al tomar decisiones y que era en cierto modo egoísta. Para el director, su intención fue que los personajes de Dutch y Dillon mantuvieran una relación similar (de desconfianza y a la vez de respeto) a la que tenían John Wayne y William Holden en Misión de audaces.


La escena en la que el grupo salta del helicóptero fue reescrita por McTiernan para que estos saltaran de un avión que volaba a baja altura. Una vez en el lugar el piloto decía que suspendía la misión pues se había perdido y Dutch le apuntaba con un arma y le decía que abriera la parte trasera del avión. Una vez hecho esto salía corriendo por el pasillo, cogía un paracaídas y saltaba del vehículo cuando este estaba a unos 60 metros del suelo. Por fortuna la escena nunca llego a rodarse.

Los gritos y gruñidos que emitía el alienígena se consiguieron mezclando sonidos grabados de diferentes animales como gatos, leones, osos, tigres, etc. El sonido que se oye cuando la cámara tomaba el punto de vista de la criatura era el del restallido de un látigo.

El gigantesco árbol que aparece al final de la película no existía realmente, tuvo que ser creado por la gente local que trabajaba en el rodaje (de la que McTiernan siempre ha hablado en tono despectivo). Un equipo de trabajo de unas cincuenta personas se encargo de realizarlo a partir de materiales fáciles de encontrar como el cemento.


Del elenco de esta película salieron tres políticos ya que tanto Arnold Schwarzenegger, como Jesse Ventura, llegaron a ser gobernadores de California y Minnesota respectivamente. Por su parte Sonny Landham fue precandidato a senador por el estado de Kentucky, pero no llego a hacerse con el cargo.

El traje original del depredador de esta primera película se exhibió durante muchos años en el Planet
Hollywood de Hong Kong.

RECEPCIÓN, ERRORES Y POLÉMICA



Estrenada en los cines de EEUU el 12 de Junio de 1.987 (en España tuvimos que esperar hasta el 27
de Agosto de ese mismo año), la película tuvo un considerable éxito en taquilla pues recaudó a nivel
mundial unos 98 millones de dólares sobre un presupuesto de 15, a eso habría que añadir 31 millones mas en concepto de alquileres en vídeo solo en Estados Unidos. Bien es cierto que no batió récords de recaudación (sin ir mas lejos la secuela de Rambo había recaudado 300 millones solo en cines tan solo un par de años antes), es más, al estudio le costó dar luz verde al rodaje de una secuela. Sin embargo se convirtió en un fenómeno de culto que iba generando mas y mas fans con el paso de los años y la criatura del titulo paso a ser uno de los personajes mas reconocibles y carismáticos de los géneros de terror y ciencia ficción, tanto de la década de los 80 como de la historia del cine en general. Depredador ha ido afianzando su prestigio y reconocimiento con el paso del tiempo, ha envejecido mejor que otras obras que vieron la luz en esos años 80 tan queridos por los que crecimos viendo el cine de aquella maravillosa década.

Aunque hoy en día es un film casi unánimemente alabado por la critica, en el momento de su estreno tuvo que cargar con la etiqueta de producto reaccionario hecho a la mayor gloria de la estrella de acción que la protagonizaba. Muchos la criticaron por ser extremadamente violenta, panfletaria y un nuevo ejemplo de ultraamericanada de la era Reagan tan de moda en aquellos tiempos y cuyo máximo exponente eran las ya mencionadas películas de la saga Rambo. La censura se cebó con el film debido a su excesiva violencia y en varios países la película fue mutilada, caso de Alemania, donde el plano que muestra el brazo amputado de Dillon fue eliminado del metraje.

Había historias previas de las que Depredador tomó algunas ideas prestadas. Todo el mundo conoce el relato corto de Richard Connell, “La más peligrosa de las cazas”, que después sería llevado al cine y que se convertiría en una película de culto llamada “El malvado Zaroff”. En ella un cazador llega como naufragó a una siniestra isla y allí es acogido por un misterioso anfitrión, el general Zaroff, un
hombre que ha llevado al extremo su pasión por la caza, porque se dedica a cazar seres humanos.


Pero la película que todo el mundo menciona como referente de Depredador es “Llegan sin avisar”, una serie b protagonizada por Jack Palance y Martin Landau, en la que un alienígena llega a una zona
boscosa de EEUU y allí se dedica a cazar a presas como un cazador y su hijo, un guía de una excursión, etc. En un momento de la película uno de los personajes dice "los cuelga de ganchos, como a los animales". En otro momento, el personaje de Palance dice "no es una invasión, no. Ese alienígena bajó a cazar seres humanos. Quiere llevarse cuantos más trofeos mejor y ahora tú y yo somos las piezas que quiere conseguir". A eso hay que añadirle que él monstruo fue interpretado por Kevin Peter hall que años después se metería en la piel del extraterrestre de la peli de McTiernan.

La película contiene algunos errores, la mayoría de ellos fallos de racord poco importantes, pero al fin y al cabo errores que están ahí y es justo reconocer. Especialmente llamativo resulta ese montaje alocado en la escena en la que Dutch y sus hombres atacan el campamento de los guerrilleros. En un momento del ataque Billy dispara a bocajarro sobre uno de los rebeldes y mientras este dispara no explota ninguna herida de bala en el cuerpo del guerrillero. Solo cuando Billy levanta su arma y se da
la vuelta empiezan a aparecer heridas de bala en este, y esto es solo un ejemplo dentro de esos errores de continuidad de la escena. Posteriormente en el momento en que Mac pisa el escorpión que ha quitado a Dillon del hombro se puede ver claramente que el animal tiene la cabeza en dirección hacia la punta del pie de Mac, pero cuando este levanta el pie se observa que el animal esta en la posición completamente opuesta. En otro momento Dutch recrimina a Dillon que no ayude en la preparación de la trampa que están tendiendo para atrapar al Predator y este lo que hace es quitarse la camiseta y ponerse a ayudar. Pues bien, unos diez segundos antes de esta conversación hay un plano en el que ya se ve a Dillon sin camiseta y ayudando a Dutch. Mas adelante el barro que cubre el cuerpo de Dutch cuando este sale del agua huyendo de su cazador, cambia de forma y espesor dependiendo del plano. Al principio de la escena el barro solo le cubre media cara y segundos después le cubre el rostro entero. En otro momento hacia el final del relato, cuando el Predator se encamina hacia el enfrentamiento final con Dutch se le puede ver saltando por entre los arboles, curioso es que esa escena esta rodada de día, cuando los acontecimientos se supone que están ocurriendo de noche.

Pero no sólo hay fallos de racord en la cinta, también hay momentos que no están del todo bien explicados, como cuando Dillon dice que le hicieron lo mismo a Jim Hopper que a Hawkins, habría que preguntarse cómo sabe él eso, pues en ningún momento ha visto los restos del soldado encontrados por Poncho, sólo sabe que Hawkins ha desaparecido. Ademas, la escena de la muerte de Poncho rompe algo la continuidad narrativa del film ya que hasta ese momento el Predator ha matado a los personajes uno a uno y tomándose su tiempo entre muerte y muerte (hasta hace una incursión dentro del campamento del grupo sólo para llevarse un cuerpo como trofeo, sin matar a nadie). Sin embargo cuando Billy se queda esperando al extraterrestre, Poncho, Dutch y Anna siguen avanzando un rato por la selva y cuando el depredador lo mata, no se termina de apagar el grito de este y el alienígena aparece donde se encuentran los otros tres supervivientes y disparando a Poncho a la cabeza.

También resulta chocante si lo comparáramos con el resto de lo que el metraje nos ha mostrado hasta ese momento la decisión final del predator de activar el dispositivo de autodestrucción, perdiendo solo con ese acto el honor que hasta ese momento había demostrado tener a lo largo de la historia. No resulta del todo creíble que un ser que ha podido matar cruelmente al personaje de Dutch y que sin embargo se ha desarmado y ha decidido luchar con él cuerpo a cuerpo para ver quién es el mejor, demostrado poseer un estricto código de honor, al final tome esta decisión tan “traicionera” para con un adversario que le ha ganado limpiamente. Obvio es que lo hace también como una forma de no dejar resto alguno de su presencia, sin embargo esa risa diabólica que suelta a Dutch en plan ¨tu también vas a morir” no casa del todo bien con la presentación que se nos había hecho de la criatura a lo largo del film.


Aún con las críticas tan feroces que recibió por parte de la supuesta critica especializada, la misma que atacó despiadadamente a La cosa de John Carpenter en su día, Depredador estuvo nominada a varios premios importantes, obteniendo una Nominación al Oscar a los Mejores Efectos visuales, Tres Nominaciones al Saturn Award en las categorías de Mejor actor (Arnold Schwarzenegger), Mejores Efectos especiales y Mejor Film de Ciencia ficción y un premio Saturn Award a la mejor Banda Sonora (Alan Silvestri). Un premio BMI Film Music Award a la mejor Banda Sonora. Una nominación al Hugo en la categoría de Best Dramatic Presentation. Un premio Golden Reel Award a
los mejores Efectos sonoros y Edición de sonido (Richard Shorr).

Tanto la película como la criatura alienígena protagonista han ido ganando adeptos con el paso de los años, la prueba está en las sucesivas ediciones y reediciones que periódicamente saca FOX para el mercado domestico. En 2010 es remasterizada con un polémico abuso del filtro DNR, que para algunos acaba por limpiar demasiado la imagen, llevándose en el proceso el grano que la película siempre había lucido desde el momento de su estreno. Mas recientemente, en el año 2013, fue convertida a 3D, siendo de las primeras elegidas por FOX de su catálogo clásico para dicha conversión. Ademas, las figuras, póster, camisetas y demás merchandising de la cinta son cada vez mas abundantes, demostrando así que el film permanece, y permanecerá por mucho tiempo, en la memoria cinéfila de todos los aficionados. El pasado año 2.017 se realizó una nueva restauración a cargo de Capricci Films, una productora y distribuidora francesa de cine de autor, que estrenó esta nueva copia restaurada de la película en los cines de Francia y Reino Unido coincidiendo con la celebración del 30 aniversario de su estreno.

La dirección de Depredador 2 fue ofrecida a John McTiernan, pero este declinó la oferta pues prefirió dirigir La caza del Octubre rojo. Cuando este vio la secuela una vez terminada pensó que habría sido mejor que no se hubiese hecho.

EL LEGADO DE DEPREDADOR



Depredador se ha convertido en todo un icono de la cultura popular. Uno de esos personajes admirados por todo aficionado al cine de terror, ciencia ficción y acción. Para los que crecimos en la
gloriosa década de los 80, plagada de películas y personajes que son míticos en el imaginario colectivo, esta es una de las películas clave a la hora de valorar lo que fue el cine de aquella época. Clave en lo referente a la película en si misma ya que es una de las mas recordadas y admiradas aún
hoy 30 años después de su estreno. Clave para entender por qué Arnold fue y es una de las mas grandes estrellas de Hollywood de todos los tiempos (siendo los 80 la época en la que estrenó sus películas más emblemáticas). También dentro de los géneros a los que pertenece, pues es una película que combina a la perfección varios de ellos y en todos destaca dentro de lo mejor de los mismos. Para entender porque John McTiernan es considerado uno de los mejores directores de acción de la historia del cine. Ademas nos presentó a una criatura que es ya una leyenda del cine, que género una saga de películas de la que este año nos llegará una sexta entrega (si tenemos en cuenta los dos crossover con Alien), que además ha sido adaptado a cómics, videojuegos, libros, ha generado multitud de merchandising, etc. Y clave para entender una forma de hacer y amar el cine, sobre todo el cine de entretenimiento que se hacía en los 80, década en la que surgieron algunos de los personajes mas recordados por los aficionados al género. Iconos que hoy día los estudios de Hollywood parecen incapaces de crear, por lo que tienen que volver a resucitar a aquellos una y otra vez en numerosas secuelas, precuelas, crossovers, reboots y demás. Depredador sigue teniendo una personalidad y una fuerza en sus imágenes que ya querrían muchos de los productos que llegan hoy día a las pantallas.

Esta película es para mí lo que para otros compañeros de generación representan otras como Regreso al futuro, Los goonies, Cazafantasmas, etc etc (gloriosa década la de los 80 que nos regaló innumerables joyas), la película que pasó a convertirse, además de en mi favorita, en todo un icono cultural de aquella época. Una cinta que dejó una huella imborrable en la mente de aquel niño amante del cine que ya era yo en 1.987 y que estaba allí en el cine el día de su estreno en la primera sesión y en una sala completamente abarrotada (posteriormente la vi dos veces más antes de que la quitaran).

Se juntaron varios factores para que la película me impresionara tanto, pero sin duda el hecho de mezclar mis dos géneros favoritos, el terror y la ciencia ficción, con el por aquel entonces dominante cine de acción (al que tampoco le he hecho nunca ascos), fue el motivo de que la cinta me dejase clavado a la butaca de la manera en que lo hizo. En cierta manera aún hoy, 30 años después, sigo agarrado a aquella butaca con con el corazón en un puño y con mi mente cinéfila de tan solo 13 años disfrutando como nunca antes lo había hecho. Además, la criatura alienígena protagonista me pareció toda una genialidad tanto de diseño (obra de ese genio inmortal llamado Stan Winston) como sobre todo en su cautivadora personalidad (un temible cazador con un estricto código de honor que le aleja de el típico monstruo asesino de este tipo de películas).

Con el paso de los años mi culto por esta película no ha hecho más que crecer, la he visto docenas de
veces, tengo casi todas las ediciones que han salido en VHS, DVD, Blu ray, así como pósters (el póster original de su estreno en cines está colgado en mi salón enmarcado), figuras, Banda sonora, etc etc. Creé un Space de Windows Live llamado Depredador: Todo sobre la saga que analizaba a fondo todas las películas de la misma, así como los cómics, videojuegos, etc basados en el personaje. Cuando desapareció el formato todo aquel trabajo se perdió pero entonces me uní a Todoarnold.com, página fan oficial de Arnold Schwarzenegger en español (tenemos sello de aprobación por parte de la pagina oficial del actor) y me convertí en administrador de la misma. Gracias a ello pude estar con Arnold en su visita a Almería con motivo del premio Almeria Tierra de cine que este recibió en 2014, allí me firmó una de mis ediciones de la película (momento que captaron las cámaras de TVE), he acudido a programas de radio para hablar sobre este film y pude repetir la experiencia de ver a Arnold en el Arnold Classic Europe 2015 (evento con el que colaboramos) y fotografiarme junto al protagonista de mi película favorita en el photocall y vistiendo el mismo polo rojo que llevaba su personaje al principio de la película.


Terminaré diciendo que a través de Todoarnold colaboramos con las distribuidoras de las películas del actor en España. Recientemente estuvimos colaborando con 39 Escalones en la promoción del reestreno en cines de Terminator 2 y aprovechamos para preguntarles si se habían planteado un reestreno de Depredador por su 30 aniversario, dado que había sido reestrenada en Francia y Reino Unido con una nueva copia restaurada. Su respuesta fue que estaban interesados en hacerlo, que querían esperar a ver como funcionaba Terminator 2 y después no descartaban negociar con FOX para poder traer la película de nuevo a los cines.

Y eso es todo amigos de Cine de los 80, como diría nuestro querido alienígena “ha sido un placer”

David González - Todoarnold.com