El 7/06/1985 , hace 37 años, se estrenaba Los Goonies (The Goonies, Richard Donner)
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“En busca del arca perdida” (Raiders of the lost ark, Los cazadores del arca perdida, Steven Spielberg, 1981)
Ochenters, tenemos el honor de comentar uno de los
grandes hitos del séptimo arte de los años 80, el clásico de aventuras “En
busca del arca perdida” (Raiders of the
lost ark, Los cazadores del arca perdida, Steven Spielberg, 1981), producida
por George Lucas, dirigida por Steven Spielberg, y protagonizada Harrison Ford, Karen Allen, Paul Freeman,
John Rhys-Davies y Denholm Elliott. Convertida en icono, y tras su éxito arrollador, daría paso a una serie de películas
que seguiría con “Indiana Jones y el templo maldito”, que reseñaremos también.
ANTECEDENTES DE LA HISTORIA
Aunque
en los títulos de crédito veamos en primer lugar al maestro Steven Spielberg,
todo el mérito de la idea y la puesta en marcha del proyecto se lo debemos al
genio y la visión del gran George Lucas. El propio Spielberg lo confiesa en
cada entrevista: “todo el mérito es de George”, dice, “a mí solo me eligió para
dirigirla”.
Y es
que fue así: tras el éxito arrollador de la saga Star Wars, y con todavía el capítulo final sin estrenar, el creador
cinematográfico George Lucas ya estaba pensando en una nueva historia de
aventuras, aunque esta vez no la ambientaría en “Una galaxia muy, muy lejana”,
sino más cerca, en exóticos parajes de nuestro planeta, y tampoco en un contexto
de fantasía futurista, sino en la reciente historia del siglo XX, en concreto
en el contexto de los años previos a la Segunda Guerra Mundial, caracterizados
por las ansias expansionistas de la Alemania Nazi ante el estupor y la pasividad de la Sociedad de Naciones, que le permitió anexionarse Austria y los Sudetes, apoyar a la Italia de Musolini, o participar en la Guerra de España apoyando a los sublevados para instaurar un régimen fascista.
Si
para Star Wars, Lucas se inspiró en
comics, y viejas películas de viajes espaciales, en especial en el Flash Gordon de Alex Raymond, para esta
nueva película prefirió inspirarse en el modelo clásico de aventuras de los
años cincuenta, y los seriales de bajo presupuesto de la productora Republic, que veía de pequeño.
Rápidamente,
se puso a escribir una historia de acción, humor y aventura, protagonizada por
un intrépido arqueólogo, que busca por todo el mundo reliquias de gran valor.
En un principio, llamó a este personaje Indiana
Smith. El apelativo Indiana hacía
referencia, no tanto al estado de la Unión que lleva ese nombre, sino a un
perro que Lucas tuvo en su infancia, y por el que guardaba un gran cariño y
recuerdo.
Como
es sabido, tras la crisis de stress que sufrió tras el rodaje de La guerra de las galaxias (que hizo que
su por entonces esposa Marcia Lucas completara el montaje de la película casi
en solitario), George Lucas era reticente a seguir dirigiendo sus films porque
los médicos le tenían amenazado con un posible ataque cardíaco (de hecho, El imperio contraataca, la había
dirigido uno de sus profesores de la Escuela de Cine, Irvin Kershner, con él
como productor ejecutivo). Por ello, debía buscar un director solvente y de su
absoluta confianza para dirigir este nuevo proyecto.
Inmediatamente,
pensó en su amigo Steven Spielberg, el único que había creído en La Guerra de las Galaxias cuando, antes
del estreno, en su casa de las afueras de San Francisco, mostró un premontaje
del film a un selecto grupo de nuevos cineastas de su círculo, entre los que
estaban, entre otros, Brian de Palma, Martin Scorsese o su mentor, Francis Ford
Coppola.
Sin
embargo, la cosa no iba a ser fácil; Spielberg acababa de estrenar con éxito
arrollador Encuentros en la tercera fase,
y ya planeaba otros proyectos. Lucas no sabía si quiera si podría proponérselo,
cuando, casualmente, ambos se encontraron de vacaciones en Maui, y Spielberg le
comentó que estaría interesado en dirigir alguna película de James Bond.
Animado por esta confesión, Lucas le dijo: “Yo tengo un personaje mejor que
James Bond”, y entonces le habló de su proyecto. Se pusieron de acuerdo
enseguida, solo con una salvedad; a Spielberg no le convencía el apellido “Smith”.
“¿Qué te parece Jones?”, le respondió
Lucas. Y así se quedó.
Aunque la historia ya estaba
clara desde un principio, y tanto Lucas como Spielberg la perfilaron a medias,
para la redacción del guión recurrieron a todo un profesional de su círculo, el
reputado Lawrence Kasdan, convertido en otro de los pilares de la trama y los
personajes. Y a ellos se unió el equipo de efectos especiales “marca de la casa”,
con la ILM de Lucasfilm al frente, y el responsable
de la banda sonora sería, como no, el habitual de ambos directores, el
superlativo John Williams, que compondría una partitura épica y romántica a la
altura, que se ha convertido en todo un clásico, y la gran familia ochenter
puede tararear de memoria.
Y para producir la película, George
Lucas se guardaba una pequeña venganza con la XX Century Fox: dolido aún por el despido de Alan Ladd Jr., que
tanto le apoyó en La guerra de las
galaxias, y enfadado por la cicatería presupuestaria del estudio para El imperio contraataca, que le obligó a
pedir un crédito él mismo para financiarla, Lucas les dio con la puerta en las
narices para este nuevo proyecto, y se lo ofreció a Paramount, estudio
caracterizado por su apuesta desde siempre por el cine de aventuras.
LA ELECCIÓN DEL PROTAGONISTA
Contrariamente a lo que se
pudiera pensar, Harrison Ford no era la primera opción para el personaje de Indiana Jones. El hombre en quien
primero pensaron Lucas y Spielberg fue en Tom Selleck, y, hay que reconocer que
el personaje le cuadraba por completo: era alto, apuesto, fornido, con sex apeal y sentido del humor. Ideal
para el papel. Así que ambos se fueron a por él como el Séptimo de Caballería. Sin embargo, se chocaron contra un muro. Por
entonces, Selleck era la estrella de una serie de televisión de gran éxito, Magnum P. I., y tanto Universal Televisión como CBS se negaron en redondo a “cederles”
al actor, que ya estaba decidido a embarcarse en el nuevo proyecto. Tan es así
que incluso esgrimieron su contrato para impedirlo por completo, algo que al
propio Tom Selleck, aunque no abiertamente, siempre le ha dolido, porque,
aunque ha sido y es una estrella indiscutible, Indiana Jones le hubiera convertido en mito de Hollywood. Solo podemos
conformarnos con un vago remedo de cómo hubiera sido el Indi de Selleck, y lo
tenemos en la cinta de aventuras de serie B La
gran ruta hacia China (1983), con la que sus productores televisivos
quisieron compensarle.
Descartado Selleck para el
papel, Lucas y Spielberg tiraron de lista, y el número dos era un actor de su
total confianza, la estrella emergente Harrison Ford, que ya trabajaba con Lucas
en la saga Star Wars, y que también
reunía todos los atributos del personaje: Apostura, carácter, atractivo y vis
cómica. Así, aparte de Han Solo, Ford se convertiría para siempre en Indiana
Jones.
LA TRAMA Y LOS PERSONAJES
El
protagonista de la película es el arqueólogo y aventurero Indiana Jones
(Harrison Ford), inseparable de su sombrero Fedora,
su chaquetilla de cuero marrón, su pistola Webley,
y su látigo. Se ha hablado mucho del atuendo del personaje, y de su parecido
con otros anteriores, ya sea de la ficción o de la realidad, como el personaje
de Humprey Bogart en El tesoro de Sierra
Madre (1948), el de Charlton Heston en El
secreto de los incas (1954), o el famoso arqueólogo descubridor de Machu
Pichu, Hiram Bingham, que también vestía de explorador y con un sombrero de ala
ancha.
Vemos, al principio de la
película, al protagonista del film en la selva de Sudamérica, entrando en una
cueva perdida, y llena de trampas, en busca de un ídolo de oro, y de la que
sale escapando de una gigantesca piedra rodante, en una secuencia que quita el
aliento, emociona, y se ha convertido en uno de los símbolos del personaje (En
esa secuencia, por cierto, le acompaña un por entonces joven y desconocido Alfred
Molina).
Al
salir de la cueva, se da de bruces con el villano de la película, Monsieur Belock (interpretado por un
malo de manual Paul Freeman), un arqueólogo como él, aunque francés, más mayor,
y con menos escrúpulos, que le roba el ídolo y manda a los indios óbitos que lo
persigan y maten.
Tras
escapar, volvemos a verle, pero esta vez como profesor de universidad, en esa
dualidad propia de los superhéroes, que alternan su identidad y personalidad. Tras
la clase, en la que tiene que “vérselas” con embelesadas alumnas mientras habla
del neolítico y un túmulo cerca de El Cairo, le espera su superior, el Dr.
Marcus Brody (un espléndido, como siempre Delholm Elliott), que dirige el museo
en el que se aceptan “sin preguntas” todas las reliquias que Jones encuentra
por el mundo.
Para
encontrar el arca, Jones debe ir primero a Nepal, en busca de su mentor cuando
era estudiante, el legendario profesor Abner Ravenwood. Sin embargo, allí a la
única que encuentra es a su hija Marion. Para este papel, la heroína de la
película y el interés romántico del protagonista, se barajaron varias actrices jóvenes
del momento, y de hecho, tanto Sean Young como Debra Winger hicieron
audiciones, pero Spielberg tenía claro que quería a Karen Allen para el
personaje, con ese punto de sarcasmo que la joven actriz había desplegado en su
pequeño papel en Desmadre a la americana.
Marion es decidida y valiente, y, en su primera escena hace una exhibición de
aguante bebiendo, en otra de las escenas legendarias de la película. Además, Marion
tiene una historia anterior con Jones, ya que ambos fueron novios por un tiempo
cuando él era el ayudante de su padre, y sigue dolida porque la dejó para irse por
el mundo en busca de reliquias.
Marion
guarda un medallón egipcio, el cabezal del Bastón
de Rá, que también buscan los nazis, y que es la clave para encontrar el Pozo de Almas, donde supuestamente
estaría el arca . Al no querer deshacerse de él, Marion se unirá a la aventura,
que les llevará a Egipto. Y en El Cairo, encontrarán a Salah, un viejo amigo
que les ayudará en su búsqueda, y que interpreta un genial y siempre solvente John
Rhys Davis. En un principio, Spielberg pensó en Danny de Vito para el papel por
su carácter cómico, pero no estaba disponible. Quizás De Vito hubiera dado al
personaje un cariz más histriónico, incluso ridículo, mientras que Rhys-Davis pone
el punto justo de humor, y también el poso y el temple del experto y amigo.
En las
afueras de la capital egipcia, los nazis han montado una gigantesca excavación,
empleando a cientos de obreros locales, y al frente de los trabajos tienen a un
viejo conocido de Jones, el Dr. René Belock.
NIÑOS, AVIONES Y SECUENCIAS ÉPICAS
Si
algo no puede faltar en las películas de Spielberg son niños, aviones, y espléndidas
secuencias de acción, posibles o imposibles, narradas paralelamente por la
batuta sinfónica de John Williams.
Podemos
ver un pequeño hidroavión biplano al principio de la película. Si nos fijamos bien en las letras de su código de identificación, podemos ver que hacen referencia a Obi Wan y a C3PO, de La guerra de las galaxias (también encontramos a los dos androides de Star Wars en un jeroglífico egipcio).
Otro avión emblemático es el soberbio
Clipper de pasajeros, en el que Jones viaja al Tibet, seguido de cerca por la Gestapo, y un DC-3 que le lleva a Egipto. En
estos dos últimos casos, Spielberg aprovecha el vuelo de los aviones, superpuesto
sobre un mapa con el trayecto, para realizar las transiciones a nuevos
escenarios, en un alarde propio del cine clásico.
En
otra de las escenas emblemáticas de la película, los nazis planean llevarse el
arca a Berlín en un extraño monoplano de dos hélices que, aunque fue diseñado y
construido expresamente para la película en Inglaterra por la Vickers Aircraft
Company, y pintado en los estudios Elstree, se inspira en los innovadores
prototipos nazis de la Segunda Guerra Mundial, especialmente en los diseños de
Blohm y Voss y el Lippisch P 04-106 de una sola ala. Junto a él, y en otra secuencia espectacular, Indi recibe una soberana paliza de un forzudo alemán.
En
cuanto a la participación infantil, bien es cierto que en este film en particular
no tiene un protagonismo especial, como ocurre en otras muchas del director,
pero sí son un grupo de niños los que salvan a Jones al correr a abrazarle en
un bar de El Cairo, cuando Belock iba a matarle con una pistola. Son los hijos
de su amigo Salah, que hace un comentario muy estadounidense: “Son mejores que
los marines americanos”.
En
cuanto a secuencias épicas, las tenemos a raudales. Desde el principio, con la
famosa secuencia de la bola que ya hemos comentado, y que se rodó también en
los estudios Elstree, cerca de Londres, pasando por la escena de disparos en el
bar de Nepal, o la famosa persecución en camión, una secuencia de más de veinte
minutos, rodada en Túnez, en los mismos escenarios del Tatooine de La guerra de las galaxias, y en la que
podemos ver a Indiana Jones arrastrado por el suelo con su característico
látigo, o peleando en la cabina del camión con un soldado alemán del Africa Corps.
Cómo
no comentar la famosa escena del combate en las calles de El Cairo entre
Indiana Jones y un gigantesco árabe con turbante y una enrome cimitarra.
Inicialmente, se había previsto una larga y épica pelea, brillantemente
coreografiada, y para la que el especialista contratado se había estado
preparando a conciencia. Sin embargo, ya iban bastante sobrados de metraje y
otra larga escena de acción podía hacer la película excesivamente extensa, así
que Spielberg quería acortarla como fuera, pero no se le ocurría cómo, y fue el
propio Harrison Ford el que dio con la solución, y le dijo: “¿Por qué no le
pego un tiro y ya está?”. La solución convenció al director, y la verdad es que
la secuencia resultó, y además provocaba carcajadas en el cine. También circula
otra versión en la que se dice que no se pudo rodar porque Ford estaba enfermo.
La verdad, me quedo con la primera.
Como
anécdota diremos también que la primera secuencia en rodarse fue la del submarino
alemán, que fue filmada en el puerto francés de La Rochelle, y se utilizó uno
de los submarinos del film Das Boot (El
submarino), original de la Segunda
Guerra Mundial.
En cuanto a la parte que se desarrolla en el yacimiento arqueológico, esta llena de "momentos Spielberg", como cuando Marion trata de emborrachar a Belock, cuando Indi la rescata en la tienda, o la mágica secuencia de la Cámara de mapas.
Y cómo
no referirnos también a la famosa escena de las serpientes en el Pozo de Almas, rodada también en los estudios Elstree, y para la
que se utilizaron diez mil ejemplares vivos, de las que solo las cobras eran
venenosas, aunque una pitón mordió a un técnico del equipo. Pese a que en la
trama, Indiana Jones tiene miedo a las serpientes, no era el caso de Harrison
Ford, pero el actor confesó que sintió repugnancia al encontrarse con tantas, y
de hecho nunca estuvo en contacto cercano con ninguna, ya que, en el primer
plano en el que aparece junto a la cobra, el equipo de producción colocó un
cristal entre él y la serpiente.
En la
otra escena con bichos de la película, la del principio con Alfred Molina,
también se utilizaron tarántulas vivas, que se le pusieron por toda la espalda.
Sin embargo, como no se movían, la escena no lograba transmitir la tensión
necesaria, así que los especialistas se vieron obligados a colocarle también un
ejemplar hembra para “excitarlos”.
CONCLUSIÓN
En busca del arca perdida es hoy un
referente del cine de aventuras de todos los tiempos, y una película
emblemática. En su estreno fue un éxito total en todo el mundo, con una
recaudación de casi 400 millones de dólares. Tuvo 9 nominaciones a los Óscar
(curiosamente ninguna por su banda sonora), de las cuales obtuvo 5 estatuillas,
de los llamados “premios técnicos” (una vez más, Hollywood ninguneaba a las “películas
de verdad”), aunque cabe destacar que uno de ellos fue un reconocimiento
especial a Ben Burtt y Richard L. Anderson por la edición de sonido. La película
ha tenido hasta hoy, tres secuelas: la soberbia “Indiana Jones y el templo
maldito”, que también comentaremos, la muy notable “Indiana Jones y la última
cruzada”, y la más reciente y mucho menos notable “Indiana Jones y la calavera
de cristal”.
Así que solo nos queda decir: “¡Están excavando en
lugar equivocado!”
Por Víctor Sánchez escritor @VictorSescritor
El coche fantástico, serie (1982-1986, Glenn A Larson, Knigth Rider, El auto fantástico, El auto increíble)
“El coche fantástico' es una trepidante
aventura de un hombre que no existe, en un mundo lleno de peligros. Michael
Knight, un joven solitario embarcado en una cruzada para salvar la causa de los
inocentes, los indefensos, los débiles, dentro de un mundo de criminales que
operan al margen de la ley”
Ochenters,
vamos a comentar una de las series más emblemáticas de nuestra querida década,
EL COCHE FANTÁSTICO, que lanzó la fama al apuesto y apolíneo David Hasselhoff,
y convirtió a KITT en uno de los referentes automovilísticos de los 80.
EL
ARGUMENTO Y LOS PROTAGONISTAS
El protagonista absoluto de la serie es
Michael Knight (es constante el juego de palabras tanto en el título de la
serie en inglés, Knight Rider, que se podría traducir como caballero andante o caballero
montado, como en los títulos de los capítulos). Lo interpreta, como ya
hemos dicho, David Hasselhoff, hasta entonces un joven actor casi desconocido,
al que apenas habíamos visto en pequeños papeles en series, o en el film de
serie Z Star Crash (1979), un remedo barato de La guerra de las Galaxias que hoy es
casi un film de culto, en el que era el protagonista junto al icono del género de
aventuras Caroline Munro.
La serie convirtió a Hasselhoff en una
estrella, y en uno de los iconos de los 80, con su melena rizada, su media
sonrisa, su camisa desabrochada, su chaquetilla de cuero, y sus botas, que le
daban un cierto aire de macarra. Como
curiosidad diremos que el gran Hoff ha tenido posteriormente una exitosa
carrera como cantante, y que, pese a su fama, tardó casi una década en
conseguir que alguna cadena televisiva creyera en su siguiente proyecto, la
luego exitosa Los vigilantes de la playa.
En
EL COCHE FANTÁSTICO, Hasselhoff Interpreta a Michael Arthur Long, teniente de
policía, que cae abatido junto a su coche, un Pontiac Trans-Am negro. Para su
fortuna, es rescatado por una organización liderada por el magnate Wilton
Knight, que, tras salvarle la vida y reconstruirle la cara, le cambia el nombre
por el de Michael Knight, y le pone a trabajar para la Fundación para la Ley y
el Orden en la lucha contra el crimen y la injusticia. Y lo hará al volante de
su mismo vehículo, al que han dotado de la más avanzada tecnología, y han
convertido en el poderoso e indestructible KITT (Knight Industries Two Thousand, en español Industrias Knight 2000), un coche dotado de un cerebro electrónico
que le permite autoconducirse, y no solo hablar, sino incluso hacerlo con
ironía y sentido del humor.
Como
jefe en la Fundación, Michael tiene a Devon Miles, interpretado por el veterano
Edward Mulhare, secundario en un montón de clásicos del cine de los 50, 60 y
70. Miles es un cincuentón flemático y estirado, que era el principal
colaborador del magnate Wilton Knight, y asume la dirección de la Fundación
tras su muerte.
A
los dos les acompaña una joven mecánica, que es la encargada del mantenimiento
y las averías de KITT. Aunque generalmente se considera que este personaje es
Bonnie Barstow (interpretada por Patricia McPherson), en la temporada 2 fue
April Curtiss (Rebecca Holden).
La
historia de este personaje es muy curiosa: al parecer, al final de la primera
temporada, y por un problema contractual, McPherson dejó la serie, y se
contrató a Holden. Sin embargo comenzaron a recibirse cartas de los fans
reclamando la vuelta de Bonnie y los productores se echaron atrás y así quedó
hasta el final de la serie. Aunque para la generalidad de los fans, se
considera que Bonnie Barstow es el personaje “oficial”, hay también un grupo
numeroso que valora el personaje de April y en general la segunda temporada,
donde se encuentran algunos de los mejores capítulos de la serie. En cuanto a
diferencias, tanto ambas actices como el matíz que dan a sus personajes son muy
diferentes. Mientras Patricia McPherson tiene el pelo liso, es alta y
apolínea, y su personaje es formal y aséptico, Rebecca Holden es menuda,
peliroja (con un cardado superochentero), con mucho sex appeal, y su personaje es cercano, divertido, y además tiene
una gran química tanto con Michael como con KITT.
Como
curiosidad os diremos que EL COCHE FANTÁSTICO fue la primera serie de
televisión en la que un personaje femenino ocupaba el puesto de mecánico principal
de del coche protagonista. Y estos arreglos se hacían casi siempre en
carretera, a bordo de un camión negro con el emblema de la fundación, un
caballo de ajedrez, al que KITT entraba en marcha, a través de una rampa
levadiza.
En
la cuarta y última temporada se añadió un personaje adicional, el controvertido
Reginald Cornelius III o RC, interpretado por el actor de color Peter Parros,
en teoría para dar un apunte cómico y étnico a la serie, aunque, la verdad, con
poca fortuna, ya que en esta temporada la es cuando la serie más decae.
EL
FORMIDABLE KITT
Como
ya hemos comentado, el modelo de automóvil que se utilizó en la serie para
encarnar a KITT fue un Pontiac Firebird
Trans-Am V8, de color negro, que se ha convertido en todo un icono de la
década de los 80, a la altura de otros vehículos legendarios como el Delorean
de Regreso al Futuro, la furgoneta
GMC Vandura del Equipo A, o el Ford Grand Torino de Starsky & Hutch.
KITT
tenía todo tipo de adelantos tecnológicos, scanner, cámaras, videoteléfono, un
volante y un salpicadero futuristas, y sus características luces rojas del
morro. Y cómo no mencionar su función más espectacular: el TURBO BOOST, un
botón que lanzaba el coche en un salto volador que le permitía atravesar muros y
pasar por encima de todo tipo de obstáculos: ríos, puentes, camiones, etc.
Para
el rodaje de cada capítulo se utilizaban en torno a una decena de coches, de
los que dos eran para los primeros planos, y el resto para las tomas lejanas y
las escenas de riesgo. Estos últimos acaban casi todos en el taller de chapa.
En
la cuarta y última temporada, a KITT se le añadieron vistosas innovaciones,
como unos alerones laterales y traseros que se desplegaban cuando Michael
activaba el modo superpersecución.
Como
curiosidad, en uno de los capítulos, KITT “pierde la memoria”, que resulta ser
un aparatoso artefacto que lleva bajo la carrocería (curiosamente muy similar a
los reproductores de vídeo de entonces), y que encuentra por casualidad un
niño, que es el que le ayuda cuando está perdido.
GARTZ
Y KARR, LOS ARCHIENEMIGOS
Tanto Michael como KITT se enfrentan,
en tal vez los capítulos más recordados, a una especie de “versión malvada” de
ambos. La de KITT es KARR (Knight Automated Roving Robot, o Robot Rodante
Automatizado Knight), que parece en dos capítulos de la primera y tercera
temporadas. Se trata de un prototipo diseñado también por Industrias Knight,
pero que por un fallo de programación, resulta inestable y potencialmente
peligroso.
Por su parte, el “reverso tenebroso” de
Michael es Gartz, hijo legítimo del magnate Wilton Knight, que es malvado y
cruel. Odia a Michael porque le ve como un rival ilegítimo, y desarrolla un
supercamión llamado Goliath para enfrentarse con KITT. Este personaje aparece
en dos capítulos de la segunda temporada.
Otro
de los capítulos legendarios era en el que Michael y KITT se enfrentan a un
grupo de moteros que quieren sembrar el caos en una pequeña localidad del medio
oeste. Y como curiosidad, en este episodio, la estrella invitada era la actriz Anne
Lockhart, a la que los ochenters recordamos como Sheba en Galáctica, estrella de combate.
Y
mencionaremos también el episodio en el que Devon se hace pasar por un
excéntrico magnate tejano.
CONCLUSIÓN
Quién
no ha hablado a su reloj para decir “KITT, te necesito”, y ha esperado recibir
como respuesta un “¿Dónde estás, Michael?”. ¿Quién no recuerda su famosa
sintonía?. EL COCHE FANTASTICO forma parte de nuestra esencia ochenter. Es una
serie que ha trascendido la leyenda y forma parte de la iconografía de la
década. También ha tenido versiones, remakes (bastante flojos, la verdad), y videojuegos. Así que ochenters, conectemos el TURBO BOOST y a volar.
Por Víctor Sánchez escritor
Por Víctor Sánchez escritor
El final de la cuenta atrás (The final countdown, 1980)
Ochenters, vamos a comentar una
pequeña joya del principio de la década, que mezcla fantasía y ciencia ficción
con cine bélico-histórico, y todo ello en medio de una paradoja
espaciotemporal. Hablamos de “El final de la cuenta atrás”, de 1980, dirigida
por Don Taylor, y producida y protagonizada por Kirk Douglas, junto a estrellas
del momento como Katherine Ross, Martin Sheen, James Farentino o Charles
Durning.
EL ARGUMENTO Y LOS PERSONAJES
“El
final de la cuenta atrás” se ambienta en el momento presente, primavera de 1980.
El superportaaviones “USS Nimitz” parte de su base en Pear Habour, Hawaii,
junto con su grupo de navíos de escolta, al mando del veterano capitán Matthew
Yelland (un espléndido, como siempre, Kirk Douglas, que combina la seriedad y
el rigor de un capitán de barco, con su habitual campechanía y sentido del
humor).
Todo es como en cualquier otra
misión rutinaria salvo que a bordo viaja un observador civil enviado por el
gobierno, Warren Lasky (interpretado por Martin Sheen, entonces en la cima de
su carrera tras haber protagonizado “Malas tierras” y “Apocalipse Now”). A
Lasky le asignan un camarote contiguo al del comandante Dick Owens (el
televisivo James Farentino, al que recordamos por la serie “El Trueno Azul”),
piloto de combate e historiador de guerra obsesionado con el ataque a Pearl Harbour de junio de 1941, del
que almacena abundante documentación.
Cuando la flotilla se encuentra
en alta mar, el meteorólogo del barco, al que el capitán apoda de forma jocosa “Nube
Negra”, advierte de una rápida, violenta e inesperada tormenta que se dirige
directamente hacia ellos. Sin tiempo casi para reaccionar, Yelland ordena al
resto de la flota que se aleje de la tormenta, mientras el portaaviones, más
pesado y difícil de maniobrar, mantiene proa a la misma para enfrentarla. La
tormenta es un fenómeno extraño, un gigantesco vórtice de color azul verdoso
que engulle al navío en medio de un ruido infernal.
Cuando termina, el día vuelve a
ser soleado y con el mar en calma. Como no hay señales de la flotilla, el
capitán ordena salir a los aviones en su búsqueda. En la patrulla, dos
cazabombarderos F-14 Tomcat, informan por radio de un encuentro inesperado: una
pareja de aviones de otra época, en concreto del modelo Mitsubishi A6M, apodado
“Zero”, el emblemático caza japonés de la Segunda Guerra Mundial, “y parecen
nuevecitos”, comenta el piloto sorprendido, “con todos los emblemas e insignias”.
Los Tomcats reciben la orden de
seguir a los cazas, que, al avistar un yate de recreo con bandera
estadounidense, le atacan para hundirlo. Sorprendidos, los pilotos piden
permiso para interceptar a los cazas japoneses, y los abaten sin dificultad.
Uno explota completamente, pero del segundo consigue salvarse el piloto. Los
helicópteros de rescate del portaaviones van a buscarlo, y también a los
supervivientes del barco.
Del yate consiguen salvar a un
hombre de mediana edad, una mujer joven y un perro, que rescata el comandante
Owens lanzándose al agua. El hombre se identifica como el Senador Samuel
Chapman (Carles Durning, en uno de sus clásicos roles secundarios), al que
acompaña su secretaria Laurel Scott (la estrella de los setenta Katharine Ross,
a la que antes vimos en “Dos hombres y un destino” o “El viaje de los malditos”,
y que, casi de inmediato se va a convertir en el interés amoroso del personaje
de James Farentino).
Ambos náufragos se muestran
sorprendidos por lo que ven y escuchan al ser rescatados. “¿Qué tipo de aparato
es este?”, pregunta Chapman cuando le suben al helicóptero, “¿Cómo un
portaaviones va a llevar el nombre de un almirante en activo?”. Por su parte,
el piloto japonés (interpretado por Soon-Tek Oh), perfectamente pertrechado, se
niega a hablar y es tratado como un prisionero, tanto que incluso intenta
escapar tomando a Laurel como rehén y termina abatido.
Tras evaluar la situación, el
capitán Yelland hace un aparte con Lasky, Owens, y otros oficiales, y llegan a
una misma conclusión: por alguna razón desconocida, la extraña tormenta ha
trasladado al portaaviones al pasado en el tiempo, en concreto a la víspera del
6 de diciembre de 1941, del ataque japonés a Pearl Harbour, que desencadenaría
la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Para confirmarlo, un
avión de reconocimiento localiza a la flota japonesa, que coincide con la que
el comandante Owens guarda en su archivo.
Ante esta situación, el capitán
se encuentra ante un dilema, una disyuntiva: destruir la formidable flota
japonesa y sus cientos de aviones (algo factible con la capacidad de un solo
portaaviones moderno y su potente y sofisticado armamento), lo que salvaría
miles de vidas, pero cambiaría para siempre la historia, o permanecer quieto
sin hacer nada y dejar que los acontecimientos sigan su curso sin intervenir
para no modificarlos. Todo un dilema y una paradoja espaciotemporal.
LOS AVIONES COMO PROTAGONISTAS
La
película contó con el apoyo total de la marina estadounidense, que cedió para
el rodaje el propio portaaviones Nimitz, y los escenarios originales de las
bases de Pearl Harbour o Norfolk.
En la película se mostraron casi
por primera vez en acción los recién estrenados cazabombarderos estrella de la
NAVY, los por entonces modernos y futuristas F-14 Tomcat (en ese aspecto se
adelantó a títulos icónicos de los 80 como “Top Gun”). Estos cazas eran la “joya de la
corona” del ala embarcada de Estados Unidos, y lo fueron hasta la llegada de los F-18
Hornet una década después.
Los aviones aparecen despegando,
repostando en vuelo, y, por supuesto, en combate, aunque fuera contra aviones
de época. Por cierto, los Zero japoneses que se utilizaron para la película son
las mismas réplicas construidas para el clásico de 1971 “Tora, Tora Tora”, la
película histórica sobre el ataque a Pearl Harbour que hicieron a medias EE.
UU. y Japón y que dirigieron Richard Fleischer, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda.
También
se muestran el resto de aeronaves del portaaviones, los cazas RF-8 Crusader,
los bombarderos ligeros A-6 Intruder, el avión de reconocimiento E-2 Hawkeye, o
el helicóptero de rescate Sea King.
UBICACIÓN DENTRO DEL CINE DE VIAJES EN EL TIEMPO
Aparte
del componente de aventura bélica, la película se sitúa dentro del cine de
ciencia ficción, subgénero viajes en el tiempo, deudora de los clásicos de la
literatura del siglo XIX y XX, en especial de la novela de H. G. Wells “La
máquina del tiempo”, y su deliciosa versión cinematográfica de 1960, dirigida
por George Pal, y protagonizada por Rod Taylor e Yvette Mimieux, que aquí se
tituló “El tiempo en sus manos”.
Al
contrario que en ella, y que en la mayoría de títulos (el ejemplo más claro es su
emblemática versión ochenter “Regreso al
futuro” o “Terminator”), en este caso el viaje en el tiempo no se produce de
forma consciente y deliberada gracias a un ingenio inventado por el hombre, ya
sea “máquina” o Delorean, sino por un acontecimiento ajeno y aleatorio, un
fenómeno atmosférico, incluso cósmico, un vórtice temporal, un “agujero de
gusano”, que lo acercaría más a títulos como “2001, una odisea en el espacio” o
la posterior “Stargate” (aunque, en este caso, sin que los viajeros tengan
control alguno sobre su destino).
CONCLUSIÓN
“El final de la cuenta atrás”
fue la última película de Bryna, la productora de Kirk Douglas, que ya por
entonces era todo un veterano con más de cuatro décadas delante de las cámaras,
y aún seguiría sobre el escenario dos décadas más. De hecho aún tenemos la
suerte de contar con él, ya superados los cien años de edad.
El film tuvo una buena acogida
tanto de crítica como de público, y hoy es un pequeño clásico, tanto del cine
bélico y de aventuras como del de ciencia ficción. Para los que la vimos en el
cine de estreno, es un gusto revisionarla siempre que la reponen en televisión.
Tiene ritmo, un buen argumento y una fotografía espectacular tanto de paisajes
como de escenas aéreas y de acción.
Por Víctor Sánchez González
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