Vamp (1986/ Richard Wink) Vamp

 

¿Joya de culto? , ¿Mierdolo? Definitivamente ni uno ni lo otro , simplemente una joya del videoclub , hija de su época y con una de las divas de los años ochenta como protagonista.

Hoy traigo al blog una de aquellas películas que yendo al videoclub, aquellos viernes de 2x1 , veías su portada y su contraportada y caías en sus fauces como un pringao , porque lo que prometía era desnudos gratuitos, colmillos, sangre y comedia.

Hoy se viene: VAMP.

Partiendo de una premisa de típica comedia universitaria americana, en la que dos novatos pretenden entrar en una hermandad. Si bien al principio, rompe con lo que vemos en todas, puesto que se toman la ceremonia de iniciación a cachondeo, más si cabe cuando la cinta que tienen puesta la hermandad, queda enganchada en el radiocasette (ojo , que el diálogo en V.O. fue grabado por el gran Christopher Plummer) y ahí ya se deshuevan y se plantan y deciden proponer un trato para entrar en la hermandad. Ellos llevarán a la stripper a la fiesta que se va a celebrar por la noche en la hermandad.

El problema radica en que no disponen de vehículo y para ello deciden recurrir al rico pringadillo de la universidad, que acepta dejarles el coche, si ellos se hacen pasar durante una semana por sus amigos.

Los tres protagonistas , por cierto, que no he hablado de ellos son: 

• Chris Makepeace como Keith, el formal, pero con una habilidad ( arquero) fundamental en las películas de vampiros y que nunca más se supo de él
• Robert Rusler, como AJ , el guaperas, el sobrado, que venía de éxitos como la Mujer Explosiva , los centinelas o Pesadilla en Elm Street II y que sigue activo a día de hoy aunque más centrado en el ámbito televisivo
• Gedde Watanabe , Duncan, el inadaptado lerdo, que les deja el coche por vivir algo nuevo y que también sigue activo , aunque también en el mundo televisivo

Al llegar a la gran ciudad, tienen que esperar al anochecer que es cuando abre el night-club donde quieren alquilar los servicios de la stripper, pero antes, acuden a una cafetería cercana, donde tendrán un altercado con unos gangsters albinos, donde el líder está interpretado por el gran Billy Drago, a quien siempre recordamos por sus papeles de villano , como por ejemplo en Delta Force 2 . Si bien aquí ya empiezan a verse costuras en el guión, puesto que una de las féminas que acompaña a Billy se ve claramente que es una vampira, con los colmillos bien destacados, si bien AJ, no tiene problemas en tumbar a Drago ni Keith en quemarle la cara con un café caliente a ella, que si bien puede ser todo fingido, más a delante veremos que no.

Tras el incidente acuden al Night Club y allí quedan deslumbrados con la actuación de una de las strippers, Katrina/ Grace Jones. no sabemos si por su espectacular body paint o si por su sexual actuación, sí sexual, porque es muy explícita y ahora la desgrano con detalle.

Grace no quiso que su personaje dijese ni una sola palabra en la película y estudió los gestos ( las prótesis son similares) de Max Schrek para Nosferatu. Pero para la escena del striptease, se dejó llevar porque concebía el baile como el acto sexual y para ponerse a tono, decidió que lo mejor era tener lo más cerca posible a su por entonces pareja, el gran Dolph Lundgren. El problema era que el striptease tenía que hacerlo sin él y decidió que la silla donde lo iba a hacer, sería un molde del cuerpo de Lundgren. Se dejó llevar de tal manera, que las reacciones del final de los espectadores , fueron reales (el final acaba con una felación simulada de Grace a la silla)

El night club, no es más que una madriguera de vampiras que usan el garito como su despensa `particular, atrayendo a lo más bajo de la sociedad para alimentarse de ellos y donde la que manda es Katrina. No nos lo dicen, pero lo dejan caer, que su origen es del antiguo Egipto (vemos que no tiene un ataúd, si no un sarcófago), que hubo una relación con el segurata de muchos siglos (Vlad, un homenaje al rey de los vampiros) y como no hay un Rendfield aquí llamado Vic, que es el que presenta a las strippers y come cucarachas y que es el siervo de su maestra. 

AJ queda prendado de los encantos de Katrina y acude a contratarla. En el paso por camerinos, vemos que las chicas se maquillan unas a otras, porque no pueden verse en los espejos y llegamos a la estancia de Katrina, donde hace caer a AJ en sus encantos y es mordido con una virulencia, que no se espera dentro de lo que se pretendía que podía ser el estilo de la película, ya que vemos como la piel es desgarrada y como lucen de lujo los FX de maquillaje para Katrina, convirtiendo a la vampiresa en un verdadero demonio.

A partir de aquí todo avanza rápido, con la búsqueda de Keith de AJ ( primero descubrirá su cuerpo en un contenedor y luego lo verá revivido como vampiro , que le pide que lo empale, porque no quiere ser un vampiro)y los intentos de Keith por evitar ser asesinado o mordido por los secuaces de Katrina, todo con la ayuda de una camarera del local, que no es vampira ( realmente no lo sabemos, porque en determinado momento, no sabemos si quedó en la sala de montaje o se preveía una secuela, ella no sale reflejada en un espejo) y que está interpretada por Dedee Pfeiffer, la hermana pequeña de Michelle y a quien por cierto podemos ver en la serie Big Sky de Disney Plus. 

Se ve de todos modos que hubo cortes en la sala de montaje y que algo más habría en producción, porque se supone que los albinos iban a tener más peso en la película y de hecho hay una escena en la que se ve claramente como salvan a Keith y a Alisson y se enfrentan a las hordas de vampiros ( que vemos que están por el barrio, no sólo en el night club), pero la escena fue brutalmente cortada, amén de que como dije al principio, se suponía que ellos eran también vampiros.

Tampoco hay muchos momentos de tensión, ni comedia, como se suponía que tendría la película, salvo la escena en la que Keith casi sale degollado de un ascensor o ya el final, en el que armado con un arco y junto a Alisson, plantan cara a Katrina, clavándole una flecha en la boca y una tubería en el corazón ( al más puro estilo John Matrix a Bennett). pero vemos como eso no es suficiente para acabar con ella y tienen que recurrir al único modo de fulminar a un vampiro, la luz del sol , que para darle el tono de comedia, acaba con el esqueleto haciendo una peineta a los dos cazavampiros.

El final demuestra que había propuesta de secuela, puesto que AJ reaparece, quedando él solo como vampiro alfa, con lo que es de suponer que la secuela se centraría en él, pero todo quedó en agua de borrajas. De hecho había tan poco presupuesto, que todo el vestuario de Katrina, hubo de ser retornado a su creador , papel para el que por cierto fue propuesta en un principio Tina Turner

En resumen: Para completistas de temas vampíricos, no aporta mucho y si hubiese habido una secuela en la que se xplicase más de Katrina y se desarrollase el rol de AJ, quizás habría funcionado mejor. Para mí se quedó corta de desarrollo en la trama

Nota ochenter: 5/10 

Este muerto está muy vivo (1989, Ted Kotcheff) Weekend at Bernie´s

Hoy recordamos un título icónico de aquellas disparatadas comedias de los 80: Este muerto está muy vivo (fiel traducción para el título original Weekend at Bernie´s).

Como muchas de las comedias de enredo de los ochenta el argumento es muy ramplón y tiene su fuerte en lo delirante de su propuesta: dos empleados de una empresa de seguros descubren un desfalco y se lo comunican a su jefe. Este les invita a su casa en Hawai como recompensa, pero una vez allí descubren queestá muerto y tratarán de ocultarlo… Como os podéis imaginar, esta trama inverosímil y sin pies ni cabeza, dará lugar a una sucesión de situaciones disparatadas, lo que nos hará pasar un rato entretenido, sin más; y es que no dejamos de asistir a un mismo chiste alargado durante casi dos horas...

Poco más se puede señalar de esta comedia negra con tintes de buddy movie (salvando las distancias) rodada a caballo entre Nueva York y Carolina del Norte (las escenas de la playa), sin embargo, podemos destacar otros aspectos. 

Dirige Ted Kotcheff a raíz de un guión de Robert Klane (quien también escribiría y dirigiría la segunda parte). Kotcheff había dirigido la bestial Despertar en el infierno (Wake in Fright, 1971) , una de las películas más duras y terribles sobre los efectos del alcohol en las personas, y el clásico Acorralado (1981, First Blood) - del que poco hay que explicar a estas alturas y por estos lares.

El elenco actoral destaca por sus tres jóvenes protagonistas. Andrew McCarthy fue muy conocido en los ochenta con películas como St. Elmo´s Fire, Maniquí, La dama de Rosa… Jonathan Silverman, sin embargo, es más conocido por esta película y su secuela… La guapísima y dulce Catherine Mary Stewart pone el contrapunto de cordura tan necesario y la recordamos por La noche del cometa, The Last Starfighter, Su primera experiencia…

Pero el que se lleva el gato al agua es Terry Kisser en el papel de difunto, quien sin duda logra un record al permanecer actuando más tiempo como muerto que como vivo en la pantalla.

En taquilla funcionó bastante bien al recaudar 30 millones de dólares con un presupuesto de 15. Esto dio pie a una secuela de 1993 y que dirigió Robert Klane (el guionista de esta primera parte) en la que repiten Andrew McCarthy, Jonathan Silverman y Terry Kiser, la que se bajó del carro fue Catherine Mary Stewart, y se puede resumir como más de lo mismo.

Germán Fernández Jambrina

Class Reunion (1982/ Michael Miller) Reunión de clase

 

Hoy nos trasladamos a una reunión de clase muy especial, que parte de una premisa muy atractiva, pero cómo veremos tiene una ejecución no tan buena como prometía.

El creador de Todo en un día, la mujer explosiva o solos con nuestro tío , entre otras, es decir el fallecido John Hughes, fue el guionista de esta comedia, que bebía en cierto modo de aquel descomunal exitazo que fue Desmadre a la Americana y de cuya serie ,The Delta House, John había sido escritor. 

Partimos de una broma pesada a un nerd en la fecha de graduación de un instituto , un momento en el que como todos sabemos, lo único que se hace en estas películas es beber y tener sexo o escarceos , pero hete aquí, que la broma se desmadra demasiado, ya que al nerd se le engaña diciéndole que la chica le mola le espera en un coche, pero la única condición para ir , es que se ponga una capucha de papel en la cabeza, cosa que ella también lleva puesta...el caso es que como he dicho, la broma resulta ser demasiado pesada y se descubre que quien le está masturbando es ni más ni menos que su hermana melliza.

Diez años después nos enteramos que el nerd Walter /Blackie Dammett, quien por cierto parece ser que influyó a Jim Carrey para sus habilidades gestuales en Ace Ventura , es ni más ni menos que un peligroso psicópata, desquiciado del todo tras aquella broma de muy mal gusto y que coincidiendo con la reunión de sus compañeros de clase , busca venganza contra todos ellos.

Para darle un tono de comedia, la presentación de cada uno de los integrantes, se nos hace con el añuario y de todos ellos destaca Stephen Furst , el Kent Dorfman de Desmadre a la americana y a Barry Diamond, el más loco de todos los que fueron a Despedida de Soltero de Tom Hanks , sin olvidarnos del comediante Art Evans , a quien recordamos por sus roles en Fright Night o en el aeropuerto en la torre de control de la Jungla 2.

Tampoco nos podemos olvidar del gran Chuck Berry que se marca un numerito musical muy National Lampoon´s al igual que ocurriese en la escena de la fiesta toga de Desmadre a la americana.

La reunión no deja de ser una excusa de volver a ver a los antiguos compañeros y ponerse a parir entre ellos cual marujas y la verdad es que hay de toda clase de fauna: un vampiro , dos fumetas (lo mejor de la película), el pijo relamido, la pareja que se vuelve a reencontrar tras diez años y están más calientes que un horno de pan, los beatos que por lo visto uno de ellos lleva la religión a su manera y el don nadie que resultará ser el héroe de la función...sin olvidarnos de la bruja que despide fuego por la boca y prende cigarrillos con su dedo como si fuese la antorcha humana...

Cómo véis al bueno de John se le fue la olla con tanto personaje psicotrónico , y si bien remarco, que la premisa inicial, de hacer una especie de spoof slasher comedy por así decirlo, la cosa queda floja , muy floja.

Hay escenas que le meten la cámara rápida, al más puro estilo de la comedia muda de los años veinte, que si bien, llega a funcionar con los fumetas en plena huída, falla en una escena que podía haber sido un puntazo, que es aquella en la que la cocinera es acosada por el asesino ( la imagen que veis arriba expuesta) y digo desaprovechada, por que la cocinera es ni más ni menos que la mamá Fratelli de los Goonies, Anne Ramsey que intenta hacer unos movimientos marciales , que por desgracia son echados a perder a causa del uso de la cámara rápida.

Si bien hay situaciones que te sacan la risilla, el destape típico de estas comedias de principios de los ochenta que preludia el descuartizamiento de ambos e intentan rizar el rizo con escenas como aquella en la que para salir de un baño se recurre a la bruja escupiendo fuego por la boca, hay otras secuencias que lastran el conjunto, como la de la actuación de las tres barbies que no tiene ni pies ni cabeza o el empeño por mostrarnos al vampiro en plan seductor, pero sin dar rienda suelta a matar su sed de sangre, que quizás hubiese sido una secuencia más cómica y desmadrada.

El final acaba como todas las de aquella etapa, con el don nadie de turno salvando a la barbie en apuros y haciéndose pareja los dos y con un cierre musical totalmente innecesario que da pena ver.

En resumen, un querer y no poder, surgido a rebufo de Desmadre a la americana y que sin embargo pierde agua como el Titanic tras empotrarse con el iceberg.

NOTA OCHENTER: 4/10 si no teneis nada que ver, pero no perdáis el tiempo 

 

Escuela privada para chicas (1983, Noel Black) Private School

 

¡Menudo despelote de película! ¡Literalmente!

Escuela privada para chicas es una teen movie un poco subidita de tono al más puro estilo de Porky´s o tantas otras paridas en los 80. Ya sabéis: Instituto o Universidad, jóvenes con las hormonas a flor de piel, despelotes gratuitos a tutiplén, sexo, bromas chorras, situaciones disparatadas y etcétera.

Es una de las pocas películas dirigidas por Noel Black que no fue una TV Movie y también es una de las primeras en las que actúan Phoebe Kates, Betsy Russell o Matthew Modine, todos actores muy conodidos hoy día. También cuenta con Michael Zorek en el papel de Bubba; Zorek es un eterno secundario en películas de adolescentes ochenteras como Lío en la Universidad, La mujer de rojo o Teen Wolf 2.

En ocasiones parece que estemos viendo un videoclip con la incursión de sendos temas musicales acompañando imágenes: alucinante en momento del despelote a caballo de Betsy Russell. 

Y hablando de Russell la verdad es que la chica se come al resto del reparto. No solo está preciosa sino que con su sorna picarona y escenas subiditas de tono roba todo el protagonismo a los que se supone son os protagonistas: Kates y Modine.

Una obra hija de su tiempo que sería impensable en los tiempos políticamente correctos que corren y que fue relativamente bien recibida en taquilla recaudando más de 14 millones de dólares. El final no desmerece el conjunto; un pose masivo de nalgas femeninas... ¡Pa flipar en colores!

¡Que la disfrutéis!

Germán Fernández Jambrina

Beverly Hills Cop trilogy (Superdetective en Hollywood-La trilogía)

 

Desde la capital del motor estadounidense, Detroit, nos trasladamos a L.A. y no una, ni dos , sino tres veces en dos décadas distintas, con tres directores con estilos diferentes, pero con el mismo protagonista : Axel Foley. 

Hoy nos queremos adentrarnos a fondo en una de las trilogías ( a expensas de la cuarta si llega) de más éxito del cine de los ochenta. Hoy le pegamos un viaje a : Superdetective en Hollywood.

ORÍGENES :

Eddie Murphy no era el actor elegido para ser Axel Foley , sino...redoble de tambores ...Silvester Stallone.

Sí, el amigo Sly era el elegido para ser el emblemático Axel, pero no consideraba que los espectadores le aceptasen como un desaliñado policía ,que se tomase todo a guasa y que fuese de la currante Detroit a luchar contra el crimen en la soleada Beverly Hills...pero luego bien que se metió en la piel de Marion Cobretti , Cobra/1986 viendo que se había equivocado en no aceptar ser Axel y de hecho podemos considerarle como el hermano bastardo de Axel, ya que mucho de lo que bebe Cobra, se lo debemos a Superdetective en Hollywood.

Aunque Sly, era el principal candidato, lo fueron Bruce Willis, James Caan, Chuck Norris , Kurt Russell o Richard Pryor entre otros quedando al final el papel principal para el cómico Eddie Murphy, quien ya había ejercido de actor de acción en 1982 con Límite 48 horas junto a Nick Nolte.

Los productores Joel Silver y Jerry Bruckheimer ( a sus pies dioses del cine de acción) apostaron por un Martin Brest como director de la primera película, el cuál era reticente a dirigir la película por las recientes críticas que había sufrido en Un golpe con estilo y que Paramount no le veía capacitado para dirigir la película...La insistencia de los dos productores, hizo que se decidiese todo a un cara o cruz, literal y gracias que salió cara, porque fue su mayor éxito. 

Con el pepinaco que supuso esta primera entrega , el resto de la saga sólo hubo que seguirle los pasos y contar con el carisma y dotes humorísticas de Murphy , acompañándole de unos directores competentes como serían Tony Scott en la secuela y John Landis en la hasta ahora última entrega de la trilogía.

CONEXIONES:

La trilogía tiene un punto en común: LA VENGANZA.

• En la primera Axel busca venganza por la muerte de un amigo. En la secuela busca venganza por el intento de asesinato de un amigo, en este caso el teniente Bogomil y en el cierre de la trilogía , busca venganza por el asesinato de su jefe el Inspector Todd ( quien era realmente policía en Detroit) y que junto a Murphy y Judge Reinhold/Rosewood, fueron los únicos que intervinieron en las tres películas.
• Esa venganza tiene siempre un mismo destino : Beverly Hills. Si bien el motivo difiere en cada una de ellas. 
• En la primera , el tráfico de drogas y bonos, en la segunda tráfico de armas y en la última falsificación de billetes.
• Otra conexión en las tres, es que desde un principio sabremos quien es el villano principal, encarnados por actores de carácter como Steven Berkoff ( villano en Moonraker), Júrgen Prochnow ( Das Boot) y John Saxon ( Enter the Dragon), si bien en la tercera esa villanía está compartida con Timothy Carhart.

• La buddy conection, esa en la  que Axel tiene que hacer equipo con dos policías de Beverly Hills . Si en la primera y la segunda lo hacía con Rosewood y Tagart , en la tercera sigue Rosewood aunque unimos a John Flint , encarnado por el siempre eficiente Héctor Elizondo, en lugar de Tagart /John Ashton quien en la tercera película hubo de renunciar por problemas de agenda. Sobre todo en las dos primeras películas, esa química con los otros dos es fundamental para el buen funcionamiento de la película, cosa que decae y mucho en la tercera entrega, donde más adelante saldría a relucir, los problemas personales que asolaban a Eddie en aquellos tiempos, deprimido porque esta película era hecha por dinero ya que sus últimos proyectos habían sido un fracaso como Boomerang y Su distinguida señoría.
• Detroit y L.A.: ambas ciudades son los escenarios de las películas. Detroit es el inicio, donde se monta todo el meollo y L.A. es donde desemboca ese meollo, donde se monta el gran circo. El contraste entre ambas ciudades es destacado por los tres directores de la saga, bien mostrando una ciudad oscura y fría , sucia, como Detroit, con una comisaría con aire vintage y luego la soleada y pulcra L.A. con una comisaría puntera, ordenada, donde reina la calma 
• Y para acabar Axel Foley, Eddie Murphy. Es el alma de la saga, si bien como he recalcado antes, en la tercera la depresión que tenía hizo que bajase el nivel, su sonrisa picaresca, sus dotes humorísticas y su capacidad de improvisación, fue lo que hicieron que la saga triunfase

DIRECTORES:

• Martin Brest : Director de la primera entrega a la que llegó a un cara o cruz, literal, tras la insistencia de Silver y Bruckheimer . Fue el que hizo posible que la improvisación fuese algo común en el rodaje y que permitiese que Murphy ,Ashton y Reinhold consiguiesen una química que luce de manera brillante en esta película. No sólo eso, si no que fue el responsable del fichaje de Bronson Pinchot/Serge y el que hizo posible que usase ese acento y ese amaneramiento ,gracias también a un miembro del cast de quien copió la frase : "Don`t be stupid`'' que aquí tradujeron por ¿Estás de cachondeo?. A Martin se le debe también el diseño de la comisaría de Beverly Hills , puesto que el departamento de policía de los Ángeles no permitía que se tomasen fotos en su interior y lo que decidió fue idear lo más parecido a una oficina de una empresa de seguridad con el fin de dar la idea de control en contraposición al caos de la policía de Detroit. Así mismo quedaron tan contentos en la Paramount con el primer pase, que automáticamente aprobaron la secuela. 
• Tony Scott: Hizo la secuela, una secuela que en principio estaba destinada a ser serie pero que gracias a la insistencia de Murphy se convirtió en secuela . Imprimió su estilo videoclipero, acción a tope y sin freno, donde destacan el atraco en el hipódromo y las escenas finales del tiroteo con un Rosewood completamente en plan Rambo y  con una Brigitte Nielsen desbocada en uno de sus mejores papeles y con quien por cierto tuvo un apasionado y aireado affaire .Scott venía del exitazo de Top Gun y estaba en plena forma, con lo que tenía mucha mano para sus proyectos y aquí de hecho consiguió que se rodase por primera vez dentro de la mansión Playboy, con aparición de Hugh Hefner incluida.
• John Landis: Al gran director de comedias ( ahora sólo podemos verlo en capítulos de series de Hawaii 5.0, Mc Gyver, Magnum P.I.) le cayó el marronazo de la tercera entrega. Marronazo porque tuvo que lidiar con la depresión de Murphy y con su anhelo por ser tomado como un Wesley Snipes del cine de acción y con un cambio de dirección de la productora que quería primar la acción sobre la comedia. El hecho de que el rodaje fuese en un parque de atracciones, tampoco era de su gusto, ya que prefería el primer boceto que situaba la trama en Londres, haciendo equipo con Scotland Yard y ojo con Sir Sean Connery como compañero de Murphy. Lo que sí consiguió es conseguir un número de cameos enorme : George Lucas, Ray Harrihausen, Joe Dante y John Singleton entre otros . De todos modos tuvo el honor de dirigir la que para la crítica es la peor entrega de la saga.

¿MERECE LA SAGA LA FAMA QUE TIENE?

Pues sí, especialmente las dos primeras que tienen a un Murphy en plena forma, aunque la tercera es igualmente disfrutable .

La BSO es una joya made in 80´s , el tema Axel Foley es uno de los más icónicos de la década de los ochenta y uno que siempre que lo oyes te sube las pulsaciones y sobre todo, sobre todo y es algo con lo que coincidimos mucha gente, es que es una melodía que destila un aroma colegueo y buen rollismo por todos sus poros .

 Ese uso de sintetizadores, muy de los ochenta, hizo que fuese TOP 1  en venta de BSO  durante varias semanas consecutivas y ayudó a que la primera película e incluso la secuela fuesen número uno en taquilla desde su inicio.

Otra de las razones es debida a que lo que se nos ofrece, es cine de acción puro y duro. Artesano, muy del estilo de los ochenta, acción y comedia a partes iguales. Si bien se traiciona en la tercera entrega , en las dos primeras es puro cine ochentero, con municiones infinitas, villanos definidos desde el principio y muy hijo putas y cuando digo muy hijo putas, al lado de esa definición aparece Jonathan Banks primero y Steven Berkoff después. Sobre todo el primero, destacado secundario en muchas de las películas de los ochenta, haciendo siempre el mismo papel y si no mirar su rol en la serie Other World donde era el villano principal. En la secuela el género cambia porque la villana es Brigitte Nielsen , quien tras Red Sonja, viraba  a cogerle el gusto a ser villana, como vimos en su rol de Ludmila en Rocky IV o en Misión de Justicia que ya se pasó por el blog y donde hacía dúo joputista junto a Mathias Hues , el primer narco galáctico. 

En la tercera entrega fallan el tiro , porque ni John Saxon, ni Timothy Carhart saben manejar ese rol .

CONCLUSIONES:

Merece la fama que tiene la saga, porque se la ha ganado a pulso. Sobre todo las dos primeras. La tercera, es un cambio, se baja el nivel, se usa más CGI, no hay tanto humor pero sigue siendo igual de disfrutable. ¿Esperamos una cuarta? Yo digo que sí, la saga merece un final acorde a lo que es y esperemos que esta maldita pandemia, permita que el proyecto que ya está en marcha empiece a rodarse de una vez y veamos el retorno de Axel Foley a la gran pantalla.

NOTA OCHENTER POR PELÍCULA:

I: 8.5/10

II:8.5/10

III:6/10

The Monster Club (1981/ Roy Ward Baker) El club de los monstruos

 

Iniciamos el año 2021 , trayendo al blog una entrañable , entretenida y muy , pero que muy disfrutable película, la cuál además tenéis disponible en Amazon Prime queridos ochenters.

Hoy os traigo a tomar un sorbo de la mejor sangre o un zumo de tomate, eso ya a vuestro refinado gusto, al mejor club de Londres: El club de los Monstruos

TRAMA:

Basada en la novela homónima del escritor R.Chetwynd-Hayes y cuyo personaje encarna de manera sólida John Carradine en la película. La obra es un homenaje en tres episodios , a todo el cine de la Hammer de los sesenta y los setenta y con ciertos guiños a cómics de terror del estilo Creepshow.

Narra como un vampiro hambriento ( Vincent Price) pide ayuda para comer a un transeúnte. Éste dispuesto a ayudarle, sin saber que es un vampiro, se ve sorprendido cuando le muerde el cuello y le absorbe la sangre, pero a cambio de su bondad, le introduce en un club frecuentado por todo tipo de monstruos y dónde le asegura que puede hallar la inspiración para su siguiente obra.

En dicha trama, va a haber tres episodios, si bien la idea era que hubiese seis, con los seis reyes del terror del momento , a saber: Christopher Lee, Peter Cushing, Klaus Kinski, Vincent Price, Donald Pleasance y John Carradine.

Al final se cayeron Kinski, Cushing y Lee, pero hubiese sido un puntazo ver tanto talento junto en la gran pantalla, una especie de la Liga de la Justicia del terror vamos.

EPISODIOS:

Dividida en tres episodios, con una peculiaridad, entre cada uno hay un intermedio donde un grupo toca una canción (ochentera por supuesto).

Episodio 1: El silbante

Un impagable James Laurenson , con un maquillaje y un peinado que acrecenta su aspecto demacrado, protagoniza el primer episodio.

En este episodio es un especimen, cuyo poder es tener un silbido tan potente que quema por completo a quien lo presencia. Vive en una mansión apartada y decide catalogar todo su patrimonio , pero necesita la ayuda de alguien, una secretaria, encarnada por Bárbara Kellerman, quien tiene el objetivo de hacerse con todo su dinero, influenciada por su novio Simon Ward, todo un caradura y a quien pudimos ver en muchas películas de terror y bélicas, por su aspecto de nazi cabronazo. 

Pero a pesar de hacer beber los vientos por ella al señor Laurenson, éste descubrirá sus intenciones y el final será muy macabro, con ella entrando completamente consumiéndose por el silbido mortal en casa de su socio, quien quedará traumatizado por tal atrocidad. 

En este episodio destaca también, el baile, en homenaje al Baile de los Vampiros o a como queda un felino tras sufrir el silbido de Laurenson .

EPISODIO 2: EL VAMPIRO

Divertido. No merece otro adjetivo. 

Un vampiro se hace pasar por padre modelo, mientras duerme de día y hace creer a su hijo que trabaja de noche, "en el negocio de la alimentación, una chupadita, un mordisquito y a cambio recibo una compensación gastronómica", eso explica a su hijo, a quien le advierte que desconfíe de los que llevan un estuche de violín.

El vampiro encarnado por Richard Johnson (en un rol destinado en principio para Klaus Kinski, lo cuál hubiese cambiado seguro el tono del episdio ), bebe del Drácula de Langella y los caza vampiros del violín ( es decir , los que llevan estaca y martillo) son fieles deudores de aquellos caza vampiros que vimos en las películas de la Hammer y que aquí tienen un añadido cariz cómico, donde brilla la presencia de Donald Pleasance a quien recordamos por su rol en el Príncipe de las Tinieblas o Masters del Universo y que aquí es un Van Helsing de pacotilla, que no sólo es incapaz de matar al vampiro ( un vampiro con chaleco anti estacas), si no que él mismo recibe una mordida y es empalado por sus compañeros.

Ojo al papel de la mujer del vampiro , encarnado por Britt Ekland, Bond girl en el Hombre de la pistola de oro y quien fuese esposa del añorado Peter Sellers.

EPISODIO 3: El CEMENTERIO

Para mí mi favorito.

Atrapa la esencia de todo lo Hammer. Esencia british, aroma a podredumbre, muertos que huyen de las cruces , que no penetran en terreno Santo.

Un director en busca de localizaciones se pierde en un páramo inhóspito marcado por una niebla made in England, donde los muertos se han levantado de sus tumbas y buscan carne fresca para entregar a los viejos, los creadores de aquel mundo, los creadores de la niebla.

La única posible salvación del director es una medio humana que habita en aquel páramo, pero el final no será el esperado ,como tantas y tantas historias de terror de la Hammer.

De esta pieza, cabe destacar la secuencia en la que se nos cuenta el origen de todo, mediante un cómic y sobre todo, la niebla, la jodida niebla que inunda el páramo 

EPÍLOGO:

La película es una joya muy reivindicable, con un tono ochentero en lo que se refiere a las escenas musicales en el club , amén de parecer más una fiesta de carnaval que otra cosa y donde tanto Price como Carradine se divierten con sus roles, especialmente Price, a quien le iba como anillo al dedo su papel de narrador, cosa que queda clara en el brillante final con su monólogo para convertir en socio del club a Carradine y donde se deleita en los modos en los que un ser humano puede acabar con otro .

Si bien la película nunca se estrenó en cines en USA, eso no evitó que fuese una película de culto rápidamente y a ello ayudó mucho Elvira y su programa en la tv yankee.

Además para Price fue su primer y único papel de vampiro y eso junto a unirse a su colega Carradine, fue lo que le atrajo de esta película.

Si os interesa hay una versión con algunos extras en Blue Ray del año 2015, si bien la versión de Prime no está nada mal.

Nota ochenter: 7/10 .

De vuestros niños de cincuenta años: Homenaje a “Los payasos de la tele”

Ochenters, suerte tuvimos de vivir aquellos años y aquella tele, con Los payasos, Félix Rodríguez de la Fuente, Gloria Fuertes… Ellos nos hicieron como somos, junto a nuestros padres claro, y les debemos, como a ellos, lo que somos. Por eso vamos a dedicar unas emotivas y cariñosas líneas a aquellos locos vestidos de rojo, que tanto nos hicieron reír, en aquellos años en blanco y negro, a los que empezaba a llegar el color. Ay, aquellos sábados por la mañana con Gaby, Fofó, Miliki, y los demás… ¿Cómo están Ustedes?... ¡Bien!

EL ORÍGEN DE LA LEYENDA

Nuestros héroes vienen de una familia de payasos circenses que se remonta al siglo XIX, y comenzaron en la profesión en los felices años treinta de nuestro siglo, nada menos que en el mítico Circo Price, pero, después de la guerra, fueron de los tantos que emigraron a Hispanoamérica en busca de una vida mejor.

 

Su primer destino fue la soleada y caribeña Cuba, donde los tres hermanos Aragón, Gabriel (Gaby), Alfonso (Fofó) y Emilio (Emilín en un principio, aunque pronto se lo cambiaría por Miliki), comenzaron a hacer sus pinitos en televisión, lo que les hizo conocidos también en México (donde se iniciaron en el cine), Venezuela e incluso Estados Unidos. Su siguiente destino sería Puerto Rico, donde estarían desde 1965 hasta 1971, con el programa El Show de las 5, uno de los más vistos y recordados en la historia de la televisión en aquel país. Luego recalaron en Argentina, donde, ya con la incorporación de Fofito, hijo de Fofó, tienen también su propio Show televisivo y ruedan más películas.

Su éxito en Hispanoamérica hace que una TVE con aires de renovación se fije en ellos, y en 1972 les contrate para el programa El gran circo de TVE, que pasaría a sustituir a Los Chipitirifláuticos.

Su carisma, su talento, y esa conexión mágica que, como Félix o Gloria Fuertes,  tenían con el  público infantil, hizo que alcanzaran un éxito arrollador, y, ya conocidos como Los payasos de la tele, se convirtieran en todo un fenómeno televisivo y social en la España de los setenta y primeros ochenta.

LOS PAYASOS UNO A UNO

         GABY: Su papel era del serio del grupo, el que, supuestamente ponía orden en el caos de los demás. No vestía de payaso, como los otros, sino de frac, y siempre iba un poco al margen de ellos. Tocaba el saxofón.

         FOFÓ: Pese a no ser el mayor, era el que hacía las veces de jefe, el que mandaba (por lo menos entre los de la nariz de payaso), el que quedaba siempre por encima en las situaciones cómicas, y el que llevaba la voz cantante, también en las canciones. Su instrumento era la trompeta. Pese a ser a veces brusco y mandón, era el personaje más querido, hasta el punto de que su fallecimiento inesperado en 1976, fue una tragedia para los niños de entonces, y de un impacto social a nivel nacional, similar al que tendría cuatro años más tarde la trágica muerte en accidente de avioneta del gran Félix Rodríguez de la Fuente, en 1980, de la que también nos enteramos un sábado por la mañana. Siempre nos emocionamos al recordar estos momentos, como al ver la estatua dedicada al Fofo en la entrada al Parque de Atracciones de Madrid.

         MILIKI: Su personaje era quizás el de mayor poso interpretativo, y el que más calaba en la chavalería. Era el más noble, el más soñador, siempre risueño, y también atolondrado. Su instrumento era el acordeón. Al fallecer su hermano Fofó, fue el que, digamos, tomo la jefatura del grupo, aunque siempre con un aire mucho más benévolo y tolerante, también el liderazgo en las canciones, dándoles un toque más entrañable, y también pasó a ocupar el primer lugar en el corazón de los niños.

         FOFITO: Al ser el más joven, era también el más alocado, el más procaz y el que decía siempre la mayor tontería. Tocaba la guitarra, y hoy es el único del cuarteto original que todavía vive, aunque el resto estén siempre en nuestros corazones.

         MILIKITO: Hijo de Miliki, se incorporó al grupo tras el fallecimiento de Fofó. Con una sólida formación musical (es pianista), y un talento natural como mimo, tenía escasa experiencia ante las cámaras, y por ello inicialmente se decidió que fuera mudo (al estilo de Harpo Marx), y se comunicara agitando un cencerro en vez de una bocina como aquel. Sin embargo, más adelante, “recuperó milagrosamente la voz”, revelándose como un excelente payaso. Quizás por ello, dejó el circo en 1981 para emprender carrera en solitario, inicialmente como humorista y cantante (recordemos su mítico programa de gags al estilo Paul Hogan, Benny Hill o Saturday Night Live, Ni en vivo ni en directo), para luego convertirse en presentador y productor con la llegada de las televisiones privadas.

         RODY: Hijo pequeño de Fofó, fue el último en incorporarse a la troupe, entre 1982 y 83, cuando Milikito dejó el show, y éste paso a llamarse, en su última etapa, El loco mundo de los payasos. Rody se pintaba la cara de negro y se caracterizaba de afrocubano. En las últimas décadas, ha sido también el que ha seguido un poco el legado circense de la familia con giras por España, algunas junto a su hermano Fofito.

 

         A estos componentes también habría que añadir a Rita Irasema, hija de Miliki, que, junto a su padre, presentó una variante del programa entre 1993 y 95.

EL CIRCO Y SUS CUATRO PARTES

         El programa se grababa inicialmente en una carpa de circo, en Madrid, con un enloquecido público infantil llenando la grada, normalmente colegios enteros llevados allí en autobús. Comenzaba con la famosa canción que todos recordamos y sabemos tararear: Había una vez… Un circo que alegraba siempre el corazón…

Luego se dividía en cuatro partes:

LA PRESENTACIÓN: Los payasos salían de uno en uno preguntando a los niños del público ¿Cómo están ustedes?... ¡Bien! Cuando los cuatro estaban en pista, hacían un breve entremés cómico al estilo de los payasos del circo clásico.

LA ACTUACIÓN: Era un número de circo, alternando malabaristas, equilibristas, domadores, trapecistas, etc.

LA AVENTURA: Era el momento preferido de los seguidores del programa. Se trataba de una escena de unos 10 minutos de duración, ambientada a modo de telecomedia, en la que los payasos vivían una peripecia cada vez en un lugar distinto, y en la que participaban también otros actores. Entre ellos el personaje recurrente del Señor Chinarro, muy querido también por la audiencia infantil, interpretado magistralmente por el actor Fernando Chinarro, que hacía de un tipo normal, que se veía envuelto en las locuras de los payasos, y se desesperaba con sus tonterías. Hay que decir también que las aventuras muchas veces tenían moraleja, y también las utilizaban para hacer pedagogía (aprender las tablas numéricas, por ejemplo).

LA CANCIÓN: Para terminar el espectáculo, los payasos cantaban una de sus populares canciones, siempre con la participación de los niños del público, y con la ayuda de sus instrumentos musicales. 

AQUELLAS INOLVIDABLES CANCIONES

          Vamos a reseñar tan solo algunas de ellas, las que nuestra generación más recuerda, y también comentaremos su intencionalidad, siempre didáctica o festiva, y, por supuesto, contextualizada a la época:

         HOLA DON PEPITO, HOLA DON JOSÉ: Es quizás la canción más popular junto con la que comentaremos después, La gallina turuleca. Habla de dos señores que se encuentran por la calle y se saludan. Ensalza el valor de la amistad y las buenas costumbres. Como en casito todas, contaba con la participación del público infantil haciendo de coro, y respondiendo al Hola Don Pepito… con un Hola Don José… ¿Pasó usted por mi casa?... Por su casa yo pasé…

         LA GALLINA TURULECA: Como ya hemos comentado, otra de las más recordadas. Tiene una intención didáctica, para ayudar a los más pequeños a aprender los números, porque cuenta la historia de una gallina que ha puesto un huevo, ha puesto dos y ha puesto tres…

         EL AUTO NUEVO: Es la canción por la que más se recuerda a Fofó, también la más divertida, y en la que los niños nos lo pasábamos en grande, porque aparte de cantar, había que hacer movimientos con las manos y el cuerpo (llevar el volante, el tunel, los baches, las curvas…). Su intencionalidad era sobre todo lúdica, aunque, como era constante en ellos, los payasos siempre ensalzaban los valores familiares, y también en este caso la prudencia en la conducción. El viajar es un placer, que nos suele suceder. En el auto de papá, nos iremos a pasear… Vamos de paseo, ¡pí, pí, pí!  Vamos con el semáforo… Rojo, amarillo y... ¡Verde!

                                             El auto de Papá con Fofó

         MI BARBA TIENE TRES PELOS: Es otra de las más divertidas porque es un juego en el que, a medida que avanzan las estrofas, hay que sustituir las palabras, barba y pelos, por gestos. Mi barba tiene tres pelos… Tres pelos tienen mi barba…

         COMO ME PICA LA NARIZ: Otro de los clásicos de su repertorio, en el que los niños tenían que estornudar. Cómo me pica la nariz… Ya no lo puedo resistir…

     DALE RAMÓN: La canción del niño futbolista. Dale Ramón, Dale Ramón… Chuta más fuerte para ver si metes gol…

         ASÍ PLANCHABA: Es una canción deliciosa, y también muy recordada, pero también es quizás por la que más ha pasado el tiempo, ya que reproduce los estereotipos asociados a las niñas, y al género femenino en general, en aquellos tiempos(lavar, planchar, cocinar, rezar… Así planchaba así así…), mientras, como hemos visto en la anterior, al niño se le ponía a correr, saltar y jugar al futbol. Era algo consustancial a los tiempos, espontáneo y nada intencionado por parte de nuestros queridos payasos, que nos querían igual a niños y niñas, y tienen muchas canciones dedicadas a ellas, como la siguiente.

         SUSANITA TIENE UN RATÓN: Es otra de las más recordadas, y también la favorita de Miliki. Susanita tiene un ratón… Un ratón chiquitín…  Aunque asociamos las canciones al conjunto de los payasos, es justo también decir que letra y música son casi siempre de Emilio Aragón padre, Miliki.

         SI TOCO LA TROMPETA: Si toco la trompeta, tara, tara tareta… Con esta canción, los payasos buscaban que los más pequeños conocieran los instrumentos musicales de forma divertida. A este respecto, siempre recordaremos a nuestro Miliki tocando una canción con niños puestos en fila a modo de teclado y con una campana cada uno. Él les tocaba el hombros y así iban nota a nota. ¡Qué momentos!

         FELIZ EN TU DÍA: Es otra de las más famosas, y que aún hoy cantamos a nuestros hijos junto al Cumpleaños feliz, en sus onomásticas. Feliz, feliz en tu día… Amiguito que Dios te bendiga… Que reine la paz en tu vida… Y que cumplas muchos más… Nuestros payasos eran entrañables, les adorábamos, y les adoramos, pero también reconocíamos y reconocemos, que eran bastante tradicionales y beatones. Era la España de entonces.

VALORACIÓN Y LEGADO

         Para un niño de entonces, que además tuvo la ocasión de ir de pequeño con el colegio a ver el rodaje de uno de los programas, os podréis imaginar la emoción que supone hacer este artículo homenaje. Fue una fría mañana de invierno de aquella España aún en blanco y negro. Nunca habíamos estado en un rodaje televisivo. Nos sorprendía todo, desde las cámaras grúa hasta las largas esperas, y las repeticiones. Los payasos tardaron una eternidad en salir, y luego hicieron la presentación por lo menos seis veces (debía ser para ver cuál quedaba mejor), hubo varias actuaciones circenses, un bocadillo más pan que chorizo con una Mirinda, y, para nuestra decepción, nada de Aventura. Y ese sábado por la mañana plantados delante del televisor para vernos, y no salimos, y troceados, hasta meses después. Otra decepción.

         Más adelante, allá por 2001 tuve la ocasión de conocer a mi ídolo de los payasos, el gran Miliki, en una rueda de prensa en la presentaba un libro. Llego tarde también, como todos los artistas, y diciendo ¿Cómo están ustedes? En mi turno, antes de la pregunta, le di las gracias “por la infancia que nos habían dado” a nuestra generación, a lo que él respondió emocionado, hasta tal punto que su gesto salió reflejado en los periódicos del día siguiente. Para él, ya anciano, éramos “sus niños de treinta años” a los que dedicó un CD de canciones.

         Años después, también tuve ocasión de dar las gracias a Rody, que vino con su circo a nuestro barrio. Se llenó de madres y padres cuarentones con hijos pequeños. En las canciones, pidió “un padre” y allí estaba yo para cantar Mi barba tiene tres pelos, junto a mi hijo, que se pegó al micrófono. Y Rody, sinceramente emocionado también, manifestó su sorpresa porque él también se la supiera.

         Como toda historia de payasos, esta también tiene que tener un punto triste, y es que el legado de estos iconos del circo y la televisión, no es un legado de unidad, sino de disgregación, porque los herederos han tomado caminos diferentes. Como ya hemos dicho, Emilio Aragón hijo es un reputado productor de televisión, compositor y director de orquesta, y encarna el legado de Miliki. Por otro lado están Los gabitos, que son hijos de Gaby, que también han sacado sus discos y han montado espectáculos. Y por otro lado, como ya también hemos reseñado, Rody, hijo de Fofó, y que encarna su legado.

         Pero nos quedamos con la magia de entonces, con aquellos recuerdos, con aquel se me luenga la traba, feliz año huevo, y… ¿Cómo están ustedes?... ¡Bien!

        

         Por Víctor Sánchez González @VictorSescritor