Series ochenter: Camuflaje (1984/1985/Glen A.Larson) Cover-up

 

Del 22 de Septiembre de 1984 al 6 de Abril de 1985 se emitiò una serie que para muchos #ochenters sigue siendo icónica y una de esas que dejaban una impronta tan grande en nuestras mentes, que hoy 38 años después de su estreno es difícil no recordarla.

Hoy #ochenters cogemos el Delorean para irnos a la pequeña pantalla y adentrarnos en el mundo de la moda y una agencia de agentes secretos encubiertos dentro de ese mundillo. Hoy nos ponemos nuestras mejores galas para introducirnos en : Camuflaje.

SINOPSIS:

Una fotógrafa de moda \Jennifer O'Neill une sus fuerzas con un veterano de operaciones especiales \Jon -Erik Hexum los siete primeros episodios y Anthony Hamilton los 14 restantes para combatir el crimen a lo largo de todo el mundo.

Una serie que prometía acción y la daba ,con una intro que destilaba molonidsd por todos los lados , sonando a toda mecha el "Holding out of a Hero" de Bonnie Tyler,  con un piloto de hora y media como presentación en el que asesinaban al marido de Jennifer O'Neil y por el que se veía obligada a contratar a un veterano soldado, apuesto y fornido que le ayudaría a encontrar y castigar a los asesinos de su marido. Con un villano como Louis Jordan, con explosiones y persecuciones , nada hacia presagiar tras el éxito del piloto (sobre todo motivado por presentarnos al que se vislumbraba como nuevo héroe de acción, Jon-Erik Hexum y que ya había mostrado sus dotes en la venerada serie de viajes en el tiempo "Voyagers) que la serie sòlo tendría una temporada.

Porque los episodios rezumaban aroma a las películas de espías de James Bond o series como Misión Imposible , había cameos potentes, como George Lazenby y todo con el sello inconfundible de Glen A.Larson notable productor y guionista que había ideado series como Magnum, Battlestar Galáctica o Misión Imposible. 

Eran episodios autoconclusivos en el que el hilo era siempre el mismo: presentación del entuerto y resolución por parte del equipo , aunque con el matiz de estar metido el mundo de la moda por medio.

SOBREVIVIR A LA TRAGEDIA:

Por desgracia el camino de rosas que llevaba la serie se marchito en el episodio 8.

En uno de los recesos de la serie , Jon-Erik Hexum , se puso a jugar con una pistola de fogueo , poniéndola en su sien, sin ser consciente que a esa distancia, el disparo podía ser mortal.

Su cerebro no aguantó el impacto y tras seis días de agonía falleció.

¿Qué pasó tras el fallecimiento de su estrella?

Pues que Larsson aplicó lo de "el show debe continuar" y en una semana contrato a otro fornido guaperas , como Anthony Hamilton para ser el substituto de Hexum. Sin rubor alguno se rehizo la intro cambiando a Hexum por Hamilton y entres semanas ya se estaba emitiendo el noveno episodio .

Los ratios de audiencia se desplomaron, motivados por el cambio y el hecho palpable de que allí no había pasado nada, pero sí pasó y fue que la serie tras 21 episodios no fue renovada y aquellos infantes que nos deleita vamos con aquellas modelos y aquellas tramas llenas de acción, nos quedamos con lo puesto.

LAS DESGRACIAS Y CURIOSIDADES DE LOS PROTAGONISTAS:

• Jenifer O'Neil casi muere en 1982 por un manipular un arma cargada. Tuvo nueve matrimonios y multitud de problemas mentales que la han llevado a un semiretiro casi permanente.
• Anthony Hamilton murió en 1995 por una neumonía surgida como complicaciòn del SIDA. 
• Hamilton , tras el retiro de Sir Roger Moore como James Bond, fue considerado para el rol de 007. El rechazo oficialmente, fue que era rubio (sic) y que no pintaba un Bond rubio por lo que Timothy Dalton fue la elección. Pero extraoficialmente se criticaba su carácter libertino y su abierta homosexualidad, con el daño que supondría a la imagen de un icono heterosexual como era James Bond . Lo más cerca de Hamilton estaría de ser Bond sería en la nueva serie de Misión Imposible que se rodaría en Australia.

NOTA OCHENTER: 🦸🦸🦸🦸

Ideal para evadirse y disfrutar de una buena sesión de espías, mamporros y bellezas 

José María Molano

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El cristal mágico (1986/Jing Wong) Magic Cristal

 

Reparto: 

• Andy Lau /Andy
• Cynthia Rothrock /Cindy 
• Richard Norton /Karov
• Bin-Bin /Pin-Pin
• Kien Shih / Sargento Shi 

Argumento:

Joya del videoclub en la que un grupo de mercenarios comandados por Richard Norton buscan hacerse con un cristal mágico de origen extraterrestre, en manos de un niño llamado Bin-Bin, que está bajo la protección de su tío Andy.

Opinión:

Una de las joyas del cine de artes marciales de Hong Kong, en el que tenemos como protagonistas a una de las mejores parejas marciales de los 80 y 90, como fueron Cynthia Rothrock y Richard Norton.

Escenas de acción a raudales, con unas coreografías que ya quisiesen muchos vehículos de acción actuales y en las brillan los tres actores principales, siendo además esta película el debut de Andy Lau en un papel protagónico.

Andy ya nos los presentan como un colaborador de la policía , comandada por el sargento Shi, a quien reconoceremos por ser el villano de Operación Dragón. 

Como iba diciendo , se nos presenta a Andy ya con el mítico entreno en el gimnasio ochentero y de ahí pasamos a la acción pura y dura, en una escena en la que Andy se nos presenta como un consumado repartidor de ostias ya desde el principio, aderezado por un toque de humor, característico del cine marcial de los ochenta y siendo además el delicncuente de esa esecena inicial el propio director de la película. Ojo a como acabas sintiendo esos golpes, como lo ruedan de tal manera, que parece que estés sufriendo tú mismo esos golpes.

Podemos destacar sobremanera la escena que tiene lugar a la par en Grecia, una con Andy Lau, enseñándonos como con un paraguas podemos vencer a un oponente armado con una katana y además haciendo movimientos similares a los que usaba Charles Chaplin, con resultados espectaculares.

Y no menos espectacular es la escena en la que Cynthia se enfrenta a su oponente con una lanza, mientras él hace uso de unas tonfas. En dicha escena por cierto , lady Dragón, estaba lesionada de una rodilla y aún así fue capaz de dejarle una buena marca a su oponente, ya que todas las escenas de acción fueron rodadas sin dobles por ella misma.

Ojo a la agilidad felina y la rapidez de movimientos que se muestran tanto por él como por ella y lo bien rodada que está para que apreciamos con detalle cada uno de los movimientos y los estilos de lucha usados.

Otra escena a tener en cuenta es la que tiene lugar en un CAR de gimnasia, donde la rapidez endiablada de Andy y a como se desenvuelve, o más bien, hace uso de los aparatos de gimnasia para deshacerse de los esbirros de Karov , es de una destreza endiablada y ojo al salto al vacío que realiza para abalanzarse sobre uno de los esbirros, desde un tercer piso y que fue rodada sin protección en el suelo.

Luego hay que fijarse en las escenas en las que Norton aparece, donde poco a poco, en cada una de ellas va calentando para deleitarnos en las tres finales, una en la que se enfrenta a la hermana de Andy, ojo a esa hermana, como se marca un espagat de un salto en el hueco de la puerta, como mantiene el tipo ante Norton y como hace que éste saque lo mejor de sí mismo, aumentando la intensidad de sus golpes sobre todo cuando aparece Cynthia para ayudar a la hermana de Andy y donde nuestra Lady Dragón, saca lo mejor de su repertorio.

Y las dos finales, una en la que se marca un duelo contra Cynthia rápida y breve y lo mejor , la final, en la que los tres protagonistas se baten en combate, a una velocidad endiablada, donde podemos ver multitud de distintos estilos marciales, rodados a la perfección por Jing Wong que al final tras una hora y veinte minutos escasos te acaban dejando exhausto/a y con ganas de más mandanga de este estilo.

Lo de la trama alien, con esa piedra que se mueve y sólo habla con el crío para que lo lleve de vuelta a casa y esos FX muy ochenteros que vistos hoy han envejecido fatal, pero que se ven con cariño, es lo de menos, porque lo que importa en este tipo de películas y con el reparto que tiene, es ver justo eso, reparto, reparto de ostias sin parar .

NOTA OCHENTER: 8/10 quitadle el cutre alien y te queda una película de ostias cojonuda

José María Molano

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El Guerrero del Cuarto Milenio (1987/Brian Hannant) The time guardian

Joya del videoclub de las buenas, una de esas películas cuya portada original era más fake que una moneda de tres pesetas, pero al fin y al cabo una película de la MGM que era bebedora de toda aquella ciencia ficción ochentera que nos comimos en nuestra infancia y adolescencia y culpable de que los viernes y sábados nos pasásemos horas y horas rebuscando películas en el videoclub.

No me enrollo más y os traigo en nu estro Delorean : El Guerrero del Cuarto Milenio

Película con Tom Burlinson (Flesh and Blood) de prota junto a Nikki Coghill (Dark Age) y nuestra princesa Leia , Carrie Fisher.

Ciencia ficción pura y dura en la que una ciudad consigue viajar a través del tiempo para como único medio de supervivencia, evitando ser atrapados por unos cyborgs que quieren exterminarlos.

Como último recurso tras una cruenta batalla, tienen que enviar a la Australia de 1988 a dos de sus mejores guerreros, Tom y Carrie con el fin de acabar de una vez por todas por los cyborgs que responden al nombre de Jen-Diki

La película es la primera sci-fi movie de Australia y es una película que se pasa volando, puesto que dura apenas ochenta minutos, con lo que va directa al grano.

Con unos FX  muy ochenteros y unos cyborgs que parecían Clicks de Playmobil por su poca movilidad, no deja de ser una película muy reseñable, con buenas escenas de acción y donde Tom Burlison es una especie de clon de Michael Biehn en Terminator o Aliens (de hecho se parecen físicamente) y donde el tipo sabe dar ostias como panes y plantar cara a los Jen-Diki con mención especial al combate contra el líder de ellos.

A destacar sobremanera el diseño de la ciudad futurista, con ecos a lo Blade Runner y donde a pesar del escaso presupuesto, logran que de el pego como ciudad sitiada.

A Carrie Fisher se le ve poco, porque se pasa media película KO por una herida en combate, pero era un gancho cojonudo para alquilar la película o bien venderla por parte de la MGM en los mercados extranjeros ( recordemos que es una producción australiana).

Si bien los FX han envejecido , cosa lógica, no es menos cabo decir que las escenas de asedio por parte de los robots o como se van cargando a los guerreros de la ciudad o todo lo que pillan a su paso son lo mejor de la película, junto a la escena del camión o en la que a través de un panel se funden al ayudante del sheriff.

Por cierto ojito al momento en el que los dos protas viajan en el tiempo , mexcla de Star Trek, Timeline y Terminator y sobre todo la ropa que llevan, que parece sacada de un Sex- Shop 

LO MEJOR: FX y ese aire a Terminator  o Aliens, aunque sea en plan Hacendado

LO PEOR: Quizás la duración, para mí escasa, si bien no lastra la trama ya que va directa al grano 

Nota Ochenter: 7/10 con pizza y birra por favor y unos ganchitos 

José María Molano

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Condorman (1981/ Charles Jarrot) Condorman

 

Bienvenidos de nuevo al blog queridos y queridas #Ochenters .

Esta vez os traigo una de las joyas que habéis demandado que trayésemos vía redes sociales. Hoy llega Condorman, de la cual por cierto ya disponéis del episodio en nuestro podcast.

Con un reparto de lujo encabezado por Oliver Reed, seguido del bellezòn Bàrbara Carrera y acabado en nuestro protagonista, el ganador de un Tony por el Fantasma de la Òpera, Michael Crawford. 

Basada en la novela de Robert Sheckley Condorman es la historia de un dibujante de cómics, cuyo objetivo es que sus còmics sean lo màs realistas posibles, presentar un superhéroe alejado de lo que podría ser Superman, que puede volar gracias a sus alas mecànicas impulsadas por su propia fuerza ,pero que aquello que hacerlo puede realizar cualquier persona con el entrenamiento adecuado.

Con un presupuesto de 14 millones de dòlares y amparado bajo el manto de Disney, Condorman era una de las apuestas más ambiciosas de la casa del ratón Mickey, pero el batacazo en taquilla fueran monumental que se desestimaron las secuelas planeadas.

A pesar del batacazo, el auge del mercado de alquiler en los años ochenta, hizo posible que la película se convirtiese en una joya de culto y hoy en día es muy recordada por diversos aspectos que detallaré a continuación.

Desde la intro, bañada en la maravillosa BSO de Henry Mancini, con tonos sesenteros , estilo la Pantera Rosa y mezclando en ese mismo estilo imagen real con dibujos animados.

La película es una oda al cine de superhéroes sí, pero también al cine de espías de James Bond o el tono de comedia de la Pantera Rosa .

Es un divertimento puro, desde el traje cantoso ( muy ochentero) hasta las escenas de acción muy bien rodadas , sobre todo las persecuciones en coches , donde el Nova Sterling a tope de gadgets cual Aston Martín de James Bond coge todo el protagonismo, deshaciéndose de los Porches guiados por Brocknoviak o aquellas escenas que tienen lugar en alta mar con una persecución muy del estilo de la que pudimos ver en Desde Rusia con amor (otra vez el guiño a la saga Bond), sin olvidarnos del desmadre en una boda. Escena completamente improvisada, puesto que los novios eran pareja real y fueron Michael Crawford y Bárbara Carrera los que idearon toda la escena para alegría del director que quedó tan contento con el resultado de la toma, que no dudò en ponerla en la película.

Tampoco podemos olvidarnos de la pelea de Woody /Crawford en Turquía con los agentes de la KGB,muy deudora de las còmicas peleas que tenía Clouseau con Sato o los diferentes villanos a los que se enfrentaba y para el final dejo la cachaba de repetición que vemos en las escenas de la antigua Yugoslavia y que debería ser el outfit viejuner por excelencia 

En cuanto al reparto, las actuaciones son más que correctas, con un histriònico Michael Crawford encarnando a nuestro héroe, seguido por la exuberante Bàrbara Carrera en modo pre Domino de Nunca adictas nunca jamás y que aquí ejerce su rol de espía rusa disidente, con suma elegancia y alejada del rol de mujer florero que muchas veces abundaban en las producciones de la época y por último tenemos al villano de la función, Oliver Reed que aquí a pesar de su escasa participación, inunda con su carisma la pantalla, cada vez que aparece, encarnando a Kuvkov.

Pero no puedo olvidarme de dos secundarios de lujo, uno conocido por ser el padre de Michael J.Fox en Teen Wolf, James Hampton y que aquí es el colega de Woody, miembro de la CIA y que es quien mete a Woodyen toda la trama y por último no podemos olvidarnos del jefe de la CIA , interpretado por Dana Elcar, quien años màs tarde sería el jefe de MC Gyver.

Nota Ochenter: 7.5/10

Lo mejor: Divierte, no ha envejecido mal y tiene mucho carisma

Lo peor: Oliver Reed sale poco y no hubo trilogía 

José María Molano

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No escape (1994/ Martin Campbell) Escape de ABSOLOM

 

Viajamos a 1994, para adentrarnos en una de las prisiones más emblemáticas del cine de acción de los años 90. Una joya a reivindicar, de esas que algunos disfrutamos en la adolescencia en cines y luego la alquilamos muchos fines de semana, con el fin de disfrutar de uno de los mejores papeles de Ray Liotta...antes de comerse a Ray Liotta .

Sin más dilación cogeros el Delorean, que hoy vamos rumbo a Absolom.

SINOPSIS:

En el año 2022 , las prisiones son un negocio. A una de ellas es llevado el capitán Robbins/ Liotta tras asesinar a su superior. Pero al mostrarse como un elemento subversivo, es exiliado a la peor prisión de todas, Absolom, situada en medio de una isla  y donde su único objetivo será el huir de allí.

IN THE JUNGLE:

Rodada en Far North Queensland en Australia, la película supuso el vehículo ideal para un director Martin Campbell, que con su buen hacer en las escenas acción, llamaría la atención de United Artists para ser quien dirigiese el debut de Pierce Brosnan en la saga Bond con Goldeneye /1995.

Un Martin Campbell que supo dirigir con maestría en plena jungla y que haría muy buenas amigas con el villano del film Marek/ Stuart Wilson, tan buenas que le reclutaría para la Máscara del Zorro y Límite Vertical, dos películas de acción, que si no habéis visto , ya estáis tardando en pegarles un ojo.

El film estaba basado en la novela de 1987, The Penal Colony de Richard Herley, si bien cambiando la nacionalidad británica de los personajes y el gobierno, por la americana y supuso el primer rol de acción de Ray Liotta, quien estaba en busca de un papel de héroe de acción desde hacía tiempo y quien tuvo que someterse a un duro régimen de entrenamiento, para dar veracidad a su rol de militar encarcelado. 

No sólo Ray buscaba un papel así, también Ernie Hudson, nuestro adorado Cazafantasma, pero él buscaba evasión de la civilización, puesto que acababa de finalizar el trágico rodaje de El Cuervo y necesitaba alejarse de todo y como reiteraría , sería una terapia sumamente positiva.

El film en sí es una mezcla de Mad Max 2 e incluso Fortaleza Infernal . Desde su aterrizaje en la isla (ojo al plano de un Ray rodeado de ratas) vemos como los derroteros por los que va a discurrir la película, ya que ya aquí presenciamos una huída a través e la jungla, para tratar de escapar de los denominados Outsiders, liderados por Marek, un Stuart Wilson, con ganas de pasárselo bien y con look gamberro y muy a lo Mad Max, al igual que sus esbirros. 

De esta parte Outsider, quedémonos con el duelo breve de Liotta y uno de los esbirros, solventado ''empaladamente'' por nuestro héroe , a la vez que se hace con el arma explosiva que observamos en la carátula de la película y que como apunte, sólo veremos en este momento y en el final de la película.

Tras una persecución a lo largo de la jungla ( otra vez) Ray es abatido cayendo a una cascada donde es rescatado por Ernie Hudson, quien forma parte otra tribu liderada por el Padre , el impagable Lance Henrikssen y la cuál difiere totalmente de los Outsiders en su modo de vida, ya que son pescadores y recolectores que creen haber encontrado en aquel pueblo la libertad y su hogar y aquí hago un inciso, porque chirría y mucho, el hecho de darle credibilidad a que asesinos redomados, se hayan convertido en unos pacíficos pescadores , cardadores de lana o cazadores, pero son las cosas del cine americano.

Esta parte quizás sea la más lenta y empalagosa de la película y hace que el metraje se nos alargue en demasía ( son casi dos horas) con lo que si me permitís pasaremos por encima todo esta parte del pueblo , salvo por presentarnos a un joven Kevin Dillon, a quien una vez que se nos presenta , ya sabremos cual será su destino .

El pueblo sí , es un remanso de paz y tranquilidad, sólo alterada por las incursiones de los Outsiders y en este punto es donde Martin Campbell ofrece sus mejores prestaciones, tanto en el primer ataque al poblado como al final.

Todas las escenas son hechas de manera artesanal ( salvo alguna explosión que cantan los FX), es decir, los 400 outsiders, son 400 personas contratadas para dar veracidad a los ataques, el fuego, es fuego real y ojo al primer ataque al poblado, donde son lanzadas como si en la Edad Media nos encontrásemos, lanzas encendidas con una ballesta gigante . Otro punto de veracidad para el director , puesto que todo estaba hecho de madera, cosa lógica teniendo en cuenta el hábitat donde discurre la acción, al igual que las corazas de la gente del pueblo, hechas de bambú y con un diseño que se asemeja a las armaduras samuráis.

Para el ataque del final de la película, Martin Campbell, dispuso que todos sus extras corriesen como si fuese el día de la Pizza y cerveza gratis de tal modo que podamos observar que efectivamente, había 400 personas dispuestas a todo en aquel poblado. Y en este ataque final, es donde vemos lo mejor de la película .Ray dispara el arma que vimos al principio, provocando una deflagración de tal impacto que los sensores térmicos del gobierno den la alerta (en cierto momento de la película, veremos que Absolom puede que no sea del todo legal y que el hecho de que los reclusos se maten unos a otros, sea algo que se deje ocurrir sin más, mientras no se levanten las alarmas). 

En tal deflagración damos por sentado que la mayoría de Outsiders han perecido, al igual que Marek, pero el villano, claro está debe tener una muerte en combate y si esa muerte es violenta aún mejor y eso es lo que le da Ray , un empalamiento en plan Vlad Tepes , que visto lo visto es lo mejor que se le daba al bueno de Liotta.

¿PORQUÉ HAY QUE VERLA?

Porque da lo que promete. Acción, casquería ( muy logradas las amputaciones y decapitaciones y la sangre). Campbell es un artista del detalle ( uso de armas de madera, los dientes, sí los dientes, ya que si no hay acceso a lo básico, es normal que haya caries o personajes sin dientes, salvo Marek, que la tiene impoluta), es en suma una película artesana, realista y eso siempre es de agradecer, porque muestra el interés y el amor al cine por parte del director y todo su equipo.

Y porque Graeme Raevell se marca una BSO pistonuda 

¿PORQUÉ NO HAY QUE VERLA?

Allá tú, tú te lo pierdes, salvo un tramo del inicio en el pueblo, lo demás es un disfrute .

Nota OCHENTER: 8/10

INTRO :

Beverly Hills Cop trilogy (Superdetective en Hollywood-La trilogía)

 

Desde la capital del motor estadounidense, Detroit, nos trasladamos a L.A. y no una, ni dos , sino tres veces en dos décadas distintas, con tres directores con estilos diferentes, pero con el mismo protagonista : Axel Foley. 

Hoy nos queremos adentrarnos a fondo en una de las trilogías ( a expensas de la cuarta si llega) de más éxito del cine de los ochenta. Hoy le pegamos un viaje a : Superdetective en Hollywood.

ORÍGENES :

Eddie Murphy no era el actor elegido para ser Axel Foley , sino...redoble de tambores ...Silvester Stallone.

Sí, el amigo Sly era el elegido para ser el emblemático Axel, pero no consideraba que los espectadores le aceptasen como un desaliñado policía ,que se tomase todo a guasa y que fuese de la currante Detroit a luchar contra el crimen en la soleada Beverly Hills...pero luego bien que se metió en la piel de Marion Cobretti , Cobra/1986 viendo que se había equivocado en no aceptar ser Axel y de hecho podemos considerarle como el hermano bastardo de Axel, ya que mucho de lo que bebe Cobra, se lo debemos a Superdetective en Hollywood.

Aunque Sly, era el principal candidato, lo fueron Bruce Willis, James Caan, Chuck Norris , Kurt Russell o Richard Pryor entre otros quedando al final el papel principal para el cómico Eddie Murphy, quien ya había ejercido de actor de acción en 1982 con Límite 48 horas junto a Nick Nolte.

Los productores Joel Silver y Jerry Bruckheimer ( a sus pies dioses del cine de acción) apostaron por un Martin Brest como director de la primera película, el cuál era reticente a dirigir la película por las recientes críticas que había sufrido en Un golpe con estilo y que Paramount no le veía capacitado para dirigir la película...La insistencia de los dos productores, hizo que se decidiese todo a un cara o cruz, literal y gracias que salió cara, porque fue su mayor éxito. 

Con el pepinaco que supuso esta primera entrega , el resto de la saga sólo hubo que seguirle los pasos y contar con el carisma y dotes humorísticas de Murphy , acompañándole de unos directores competentes como serían Tony Scott en la secuela y John Landis en la hasta ahora última entrega de la trilogía.

CONEXIONES:

La trilogía tiene un punto en común: LA VENGANZA.

• En la primera Axel busca venganza por la muerte de un amigo. En la secuela busca venganza por el intento de asesinato de un amigo, en este caso el teniente Bogomil y en el cierre de la trilogía , busca venganza por el asesinato de su jefe el Inspector Todd ( quien era realmente policía en Detroit) y que junto a Murphy y Judge Reinhold/Rosewood, fueron los únicos que intervinieron en las tres películas.
• Esa venganza tiene siempre un mismo destino : Beverly Hills. Si bien el motivo difiere en cada una de ellas. 
• En la primera , el tráfico de drogas y bonos, en la segunda tráfico de armas y en la última falsificación de billetes.
• Otra conexión en las tres, es que desde un principio sabremos quien es el villano principal, encarnados por actores de carácter como Steven Berkoff ( villano en Moonraker), Júrgen Prochnow ( Das Boot) y John Saxon ( Enter the Dragon), si bien en la tercera esa villanía está compartida con Timothy Carhart.

• La buddy conection, esa en la  que Axel tiene que hacer equipo con dos policías de Beverly Hills . Si en la primera y la segunda lo hacía con Rosewood y Tagart , en la tercera sigue Rosewood aunque unimos a John Flint , encarnado por el siempre eficiente Héctor Elizondo, en lugar de Tagart /John Ashton quien en la tercera película hubo de renunciar por problemas de agenda. Sobre todo en las dos primeras películas, esa química con los otros dos es fundamental para el buen funcionamiento de la película, cosa que decae y mucho en la tercera entrega, donde más adelante saldría a relucir, los problemas personales que asolaban a Eddie en aquellos tiempos, deprimido porque esta película era hecha por dinero ya que sus últimos proyectos habían sido un fracaso como Boomerang y Su distinguida señoría.
• Detroit y L.A.: ambas ciudades son los escenarios de las películas. Detroit es el inicio, donde se monta todo el meollo y L.A. es donde desemboca ese meollo, donde se monta el gran circo. El contraste entre ambas ciudades es destacado por los tres directores de la saga, bien mostrando una ciudad oscura y fría , sucia, como Detroit, con una comisaría con aire vintage y luego la soleada y pulcra L.A. con una comisaría puntera, ordenada, donde reina la calma 
• Y para acabar Axel Foley, Eddie Murphy. Es el alma de la saga, si bien como he recalcado antes, en la tercera la depresión que tenía hizo que bajase el nivel, su sonrisa picaresca, sus dotes humorísticas y su capacidad de improvisación, fue lo que hicieron que la saga triunfase

DIRECTORES:

• Martin Brest : Director de la primera entrega a la que llegó a un cara o cruz, literal, tras la insistencia de Silver y Bruckheimer . Fue el que hizo posible que la improvisación fuese algo común en el rodaje y que permitiese que Murphy ,Ashton y Reinhold consiguiesen una química que luce de manera brillante en esta película. No sólo eso, si no que fue el responsable del fichaje de Bronson Pinchot/Serge y el que hizo posible que usase ese acento y ese amaneramiento ,gracias también a un miembro del cast de quien copió la frase : "Don`t be stupid`'' que aquí tradujeron por ¿Estás de cachondeo?. A Martin se le debe también el diseño de la comisaría de Beverly Hills , puesto que el departamento de policía de los Ángeles no permitía que se tomasen fotos en su interior y lo que decidió fue idear lo más parecido a una oficina de una empresa de seguridad con el fin de dar la idea de control en contraposición al caos de la policía de Detroit. Así mismo quedaron tan contentos en la Paramount con el primer pase, que automáticamente aprobaron la secuela. 
• Tony Scott: Hizo la secuela, una secuela que en principio estaba destinada a ser serie pero que gracias a la insistencia de Murphy se convirtió en secuela . Imprimió su estilo videoclipero, acción a tope y sin freno, donde destacan el atraco en el hipódromo y las escenas finales del tiroteo con un Rosewood completamente en plan Rambo y  con una Brigitte Nielsen desbocada en uno de sus mejores papeles y con quien por cierto tuvo un apasionado y aireado affaire .Scott venía del exitazo de Top Gun y estaba en plena forma, con lo que tenía mucha mano para sus proyectos y aquí de hecho consiguió que se rodase por primera vez dentro de la mansión Playboy, con aparición de Hugh Hefner incluida.
• John Landis: Al gran director de comedias ( ahora sólo podemos verlo en capítulos de series de Hawaii 5.0, Mc Gyver, Magnum P.I.) le cayó el marronazo de la tercera entrega. Marronazo porque tuvo que lidiar con la depresión de Murphy y con su anhelo por ser tomado como un Wesley Snipes del cine de acción y con un cambio de dirección de la productora que quería primar la acción sobre la comedia. El hecho de que el rodaje fuese en un parque de atracciones, tampoco era de su gusto, ya que prefería el primer boceto que situaba la trama en Londres, haciendo equipo con Scotland Yard y ojo con Sir Sean Connery como compañero de Murphy. Lo que sí consiguió es conseguir un número de cameos enorme : George Lucas, Ray Harrihausen, Joe Dante y John Singleton entre otros . De todos modos tuvo el honor de dirigir la que para la crítica es la peor entrega de la saga.

¿MERECE LA SAGA LA FAMA QUE TIENE?

Pues sí, especialmente las dos primeras que tienen a un Murphy en plena forma, aunque la tercera es igualmente disfrutable .

La BSO es una joya made in 80´s , el tema Axel Foley es uno de los más icónicos de la década de los ochenta y uno que siempre que lo oyes te sube las pulsaciones y sobre todo, sobre todo y es algo con lo que coincidimos mucha gente, es que es una melodía que destila un aroma colegueo y buen rollismo por todos sus poros .

 Ese uso de sintetizadores, muy de los ochenta, hizo que fuese TOP 1  en venta de BSO  durante varias semanas consecutivas y ayudó a que la primera película e incluso la secuela fuesen número uno en taquilla desde su inicio.

Otra de las razones es debida a que lo que se nos ofrece, es cine de acción puro y duro. Artesano, muy del estilo de los ochenta, acción y comedia a partes iguales. Si bien se traiciona en la tercera entrega , en las dos primeras es puro cine ochentero, con municiones infinitas, villanos definidos desde el principio y muy hijo putas y cuando digo muy hijo putas, al lado de esa definición aparece Jonathan Banks primero y Steven Berkoff después. Sobre todo el primero, destacado secundario en muchas de las películas de los ochenta, haciendo siempre el mismo papel y si no mirar su rol en la serie Other World donde era el villano principal. En la secuela el género cambia porque la villana es Brigitte Nielsen , quien tras Red Sonja, viraba  a cogerle el gusto a ser villana, como vimos en su rol de Ludmila en Rocky IV o en Misión de Justicia que ya se pasó por el blog y donde hacía dúo joputista junto a Mathias Hues , el primer narco galáctico. 

En la tercera entrega fallan el tiro , porque ni John Saxon, ni Timothy Carhart saben manejar ese rol .

CONCLUSIONES:

Merece la fama que tiene la saga, porque se la ha ganado a pulso. Sobre todo las dos primeras. La tercera, es un cambio, se baja el nivel, se usa más CGI, no hay tanto humor pero sigue siendo igual de disfrutable. ¿Esperamos una cuarta? Yo digo que sí, la saga merece un final acorde a lo que es y esperemos que esta maldita pandemia, permita que el proyecto que ya está en marcha empiece a rodarse de una vez y veamos el retorno de Axel Foley a la gran pantalla.

NOTA OCHENTER POR PELÍCULA:

I: 8.5/10

II:8.5/10

III:6/10

Death Race 2000 ( 1975/Paul Bartel) La Carrera de la muerte del año 2000

 

Joya de la factoría Corman, con un plantel de lujo para los ochenters. Una película de apenas una hora y cuarto de duración, que se disfruta sin pretensiones, como era el cine de Corman y que tras casi cuarenta años de su estreno, sigue siendo una película a revisionar de vez en cuando y recordar viejos tiempos. 

Metamos sexta , pulsemos el turbo, preparemos nuestros gadgets, porque hoy corremos la : Death Race 2000

¿DE QUÉ VA?

En un imaginario año 2000,  cinco zumbaos que con sus coches tope tuneados, se marcan la llamada Transcontinental. Una carrera en la que el objetivo es cepillarse transeúntes, hasta llegar a 700 puntos, donde el vencedor será coronado por el presidente tirano de los USA.

FACTORÍA CORMAN:

Pues sí queridos/as ochenters, la película es una producción de la factoría Corman, lo que viene a ser una Cannon de los ochenta. Poco presupuesto, mucha imaginación, destape y casquería en las dosis correctas.

El director Paul Bartel provenía del mundo de la animación en sus inicios y luego nos dejó la divertida Cannonball (1984) o Escenas de la lucha de Sexos en Beverly Hills (1989).

Lo de la animación tiene su aquel, porque si nos observamos con detenimiento, hay algo que nos suena familiar.

Una evocación a nuestros tiempos infantiles y específicamente a una serie de dibujos animados ( se dice dibujos animados, no animación, seamos ochenters) creada por Hanna-Barbera y cuya temática, quitando la violencia , era muy similar a la película de la que hablamos. 

Sí, es la que pensáis: Los Autos Locos. ¿O acaso no véis las similitudes del coche de Frankenstein, con el de Pierre nodoyuna, el súper Perrari? , ¿no veis una Penélope en la copiloto de Frankie, si no vez su casco ? ¿No es el coche nazi, una versión sutil del Stuka Rakuda? y el Súper Chatarra especial , con el cañón, la ametralladora, bien podría ser el coche de Johnny Metralleta, interpretado por Stallone.

Dicha serie de dibujos, estaba basada en la película la Carrera del Siglo de 1965 y fue emitida a lo largo de 17 episodios de 1968 a 1970 .

La idea de Death Race era quitarle el cariz cómico de aquella , respetando la temática de las carreras y pasarlo por el filtro de la factoría Corman ( sangre, senos y sarcasmo)

Pero había que buscar quien diese el pego en cada personaje y Corman tenía claro que Peter Fonda debía ser su Frankestein, el campeón de la carrera, pero Fonda rehusó la oferta al considerar que la película era una gilipollez sin sentido. Con lo que aquí es donde entra el pequeño saltamontes, David Carradine, que ansiaba un papel en el cine tras haber salido de la serie Kung-Fu hacía apenas un par de semanas antes del inicio del rodaje y veía el personaje de Frankie, para quien hizo casi todos los diálogos y diseñó el traje como la perfecta vía de escape.

Aunque lo parezca, el traje que usa no es cuero, debido a problemas cutáneos del propio Carradine, pero, OJO SPOILERS ( la idea de una máscara que imitase un rostro desfigurado fue suya , ocultando su cara sin ningún rasguño).

A Frankestein lo presentan como un héroe de la nación, alguien que ha sufrido numerosos accidentes, entrenado por el gobierno como arma propagandística y cuyas lesiones han sido curadas por médicos americanos como bien recalca en determinado momento.

Aquí vemos que no se comieron la mollera con el tema de las cicatrices, puesto que no se ve ni rastro de alguna, como si no hubiese pasado nada.

Pronto veremos que el héroe tiene principios, en la escena en la que un grupo de abuelos de un geriátrico son puestos para que él los atropelle, decide virar y llevarse por delante a las enfermeras que los atienden.

No sólo eso, si no sabremos que a pesar de saber que su copiloto pertenece a la Resistencia y  que pretende derrocar al presidente de los USA , él tiene otro plan mejor, como es ganar , para así estrecharle la mano, su mano ortopédica en la que tiene pegada una granada, con la que acabar consigo mismo y el Presidente...el final será un giro inesperado.

Pero al héroe hay que ponerle un villano enfrente, un rival de enjudia. Aquí es donde aparece un Stallone, reclutado tras los Halcones de la noche. Un Sly pre mazas, cuyos diálogos fueron redactados por él y que se dedica a atropellar sin freno a todo el que se ponga por delante ( su primer atropello, es delirante, ensartando a un pobre obrero por las partes bajas) y buscando ser el ídolo de masas que es Frankestein. Hay que decir que en los tiempos que corremos, de lo políticamente correcto, el trato vejatorio hacia su copiloto (llega incluso a pegarla) sería susceptible de denuncia, viendo como está el panorama. 

Para el recuerdo nos queda su enfrentamiento a puñetazo limpio con David Carradine, quedándole la cara como un mapa (lleno de ketchup, claro está, porque canta la sangre).

Por cierto que ambos, a parte de hacer buenas migas en el rodaje, hicieron ellos mismos las escenas de conducción, si bien hay truco.

Ninguno de los coches podía moverse, debido al atrezzo de cartón que llevaban y es por eso que la mayor parte de las veces, debían rodarse las escenas cuesta abajo y si no con maquetas como Excalextric ( hay un par de escenas que se nota que son juguetes).

Como añadido al dúo protagonista hay que sumarle a un jovencísimo Martin Kove , sí el sensei de Cobra Kai , que aquí hace un papel casi de cameo, puesto que la espicha al poco de empezar la película ( a ver, dura 76 minutos, así que había que cepillarse al personal por la vía rápida) y a la belleza Mary Woronov (Warlock, Hart y Hart) asidua de la factoría Corman y a quien hubo de substituir en las escenas de conducción puesto que no sabía conducir.

NUDITY Y CRÍTICA :

La película , muestra la retransmisión de la carrera, por unos presentadores vendidos al régimen dictatorial del presidente de los USA, Unos presentadores que se limitan a poner su sonrisa Profident, leer las notas que les pasan, enmascarar los asesinatos de los participantes y buscar mantener a la audiencia pegada al televisor. 

Cómo veis la desinformación no es algo actual, ya hace años que se daba, sobre todo en unos USA con Vietnam de fondo 
Esa crítica a la administración USA , se refleja en la Resistencia, que busca reinstaurar los viejos valores americanos ( volver a la época dorada de los años 50/60 americanos vamos)

A parte de la crítica política, la película muestra senos sin reparo ( las escenas entre Carradine y su copiloto) o las escenas del masaje grupal, en una época en la que la industria del cine XXX estaba floreciendo , aquí Corman , mostraba sus credenciales y si no lo hacía abiertamente, lo hacía jugando con los escotes abiertos o el lenguaje provocador.

Es decir lo que mostraba Corman, no era otra cosa que la realidad de una sociedad que cambiaba a pasos acelerados en aquellos tiempos y que reflejaba el descontento social reinante y que se estaba librando de las ataduras de una censura que había perdido terreno.

Fuera del transfondo social , la película transmite una oda al cine más artesano . Ojo al túnel de cartón en uno de los accidentes...el túnel se nos muestra como un decorado de cartón , en plan Coyote vs Correcaminos. 

Las explosiones son sin FX, son explosiones de verdad, los coches están montados con atrezzo de cartón que ni siquiera se molesta en disimular. Hay decorados como la casa de verano del presidente, el circuito del principio , donde sólo vemos cartón pintado. La sangre es ketchup mal tirado y los moratones son betún lanzado a la cara de los actores y actrices.

Es un cine artesanal, hecho sin pretensiones, sin casi prepuesto, del que ya no se hace y del que habría que rescatar más joyas como la presente.

¿PORQUÉ HAY QUE VERLA?

Por que es cine artesano del que ya no hay y porque ver a Carradine y Sly compartiendo pantalla, tienen su aquel y por que son sólo 76 minutos que se te pasan volando

¿PORQUÉ NO HAY QUE VERLA?

Por que si eres un ofendidito/a fijo que la vas a despreciar 

Por cierto la tenéis disponible en Amazon Prime por si queréis pegarle un repaso 

Misión de justicia (1992/Steve Barnett)Mission of Justice

 

Hoy en el blog, traemos a uno de esos pateadores, a uno de esos gladiadores que amenizaban nuestras sobremesas en la gran pantalla en los 90, sobremesas y noches en Antena 3 y Telecinco.

Hoy traemos una joyita del videoclub, protagonizada por Jeff Wincott junto a otra pateadora nata como Karen Sheperd. Hoy nos ponemos a tono con: Misión de Justicia 

 

 SINOPSIS:

Kurt Harris ( Wincott) se harta del sistema policial y justo en el momento que uno de sus mejores amigos es asesinado, decide adherirse a una asociación llamada ''Misión de Justicia', formada por los denominados peace makers encargados de llegar donde no llega la policía...pero no todo es como parece y la asociación dominada por los Larkin ( Brigitte Nielsen y Mathias Hues) tiene mucho que esconder y eso incluye asesinatos...

 UN POCO DE HISTORIA:

Cine de serie B directo al videoclub, carne de mamporros, postre de patadas y un plantillón de actores y actrices, que no merecían serie B, si no serie A ( como el Calcio) donde dar rienda suelta a sus dotes, porque aquí hay músculo de sobra y talento para el cine de acción a raudales. Y si no me creéis vamos a conocer al reparto de lujo :

• Jeff Wincott: Cinturón negro de Taekwondo. Hermano mayor de Michael Wincott, sí, el villano de El Cuervo y protagonista junto a Cynthia Rothrock de Ley Marcial II y de dos secuelas de Soldado Universal ,interpretando el rol de hermano de Van Damme , junto a Burt Reynolds y Gary Busey
• Karen Sheperd: Primera mujer cinturón negro, séptimo Dan y campeona del mundo de Karate. Especialista y famosa por su rol de The Enforcer en la serie Hércules , amén de ser encargada de las coreografías de Buffy la cazavampiros ,Angel o Walker junto a Chuck Norris. Además fue la compañera de viaje de Anjelina Jolie en su debut cinematográfico : Cyborg 2  , interpretando el rol de Chen, papel hecho para un actor, pero su destreza hizo que el papel fuese cambiado a una mujer
• Mathias Hues: Sí, el narcotraficante galáctico de Dark Angel, aquí tiene un papel secundario como hermano de Brigitte Nielsen además de hablar más que en aquel papel, aunque la mala baba sigue intacta, además de mostrar una masa muscular digna de Arnold
• Brigitte Nielsen: Nuestra Red Sonja ,ex mujer de Sly, ex mujer de Iván Drago hace aquí el rol de villana, un rol que le viene como anillo al dedo a la larguísima rubia
• James Lew: Uno de los mejores artistas marciales de las últimas décadas y siempre relegado a roles de secundario, si bien es siempre recordado por sus roles en Golpe en la pequeña China o la escena plagio de Kickboxer de Hot Shots 2 . Experto en Taekwondo , Kung-Fu, boxeo oriental y lucha libre , es además un afamado especialista que ha trabajado con todas las estrellas marciales desde los años 70 hasta ahora

La película iba a ser una secuela de Ley Marcial II, pero la renuncia de seguir con el mismo papel de Cynthia Rothrock , hizo que dicho papel pasase a ser para Karen Sheperd y se cancelase la secuela por la película que nos llegó a las estanterías del videoclub.

IMPRESIONES:

La película es una joya de la serie B más noventera. Acción a raudales desde el inicio ( conocemos a Wincott en la primera escena de la película, arrojando a un delincuente a través de una ventana), seguimos sus pasos dando una paliza a unos ladrones en una tienda y además no sólo le vemos a él, sino a su compañera Lynn ( Sheperd) ayudándole, demostrando que es igual  o mejor artista marcial que él ( qué manera de repartir estopa).

La película no sólo mantiene el ritmo en su poco más de hora y media, si no que además nunca pierde el Norte. 

Wincott atiza a un superior y por consecuente es despedido de la policía. Vemos que tras eso, decide desestresar acudiendo al gimnasio de uno de sus mejores amigos ( ojito al entrenamiento de pesas, mítico de las películas de los 90), pero hete aquí que su amigo Cedric , el dueño del gym, colaboraba con la Misión y dejarla, no es del gusto de la doctora Larkin, quien busca el mayor número de apoyos y de dinero para su campaña hacia la alcaldía y así conseguir que los Peacemakers sean los verdaderos guardianes de la ley en la ciudad pese a quien le pese. 

Y Cedric es un obstáculo que acaba siendo degollado tras una pelea muy lograda con el gran Mathias Hues ( ojo al modo en el que rompe las manos al forzudo Cedric y como de bien plasmado queda en pantalla).

La muerte de Cedric y las sospechas de Wincott, hacen que se infiltre en la Misión con el fin de descubrir quien asesinó a su amigo , sin saber aún que hay un testigo, miembro de la Misión y que será clave para desenmascarar a Larkin.

La carta de presentación de Wincott en la Misión es de impacto, deshaciéndose de unos matones que quieren destrozar un local de la empresa, en tiempo récord y con una agilidad felina digna de Van Damme o por poner otro actor infravalorado de la época, Loren Avedon.

Una vez dentro, hay que quedarse con la ceremonia de aceptación en la Misión. Un pasillo lleno de Peacemakers, armados con bastones y el fin es abrirse paso a través de ellos, hasta llegar a la doctora Larkin.  

Wincott sólo tuvo 45 minutos con el maestro de esgrima Burton Richardson para preparar esa escena y queridos y queridas ochenters, lo que hizo fue una memorable escena de ostias como panes con las porras, saltos, codazos y patadas que nos mostraban el brutal estado físico que tenía el canadiense en aquellos momentos  y además tenía algo que demuestra lo buen artista marcial que era... saber encajar de la manera lo más real posible y en eso , Wincott era un maestro. Si podéis, vez esa escena .

De aquí al final la trama discurre por los derroteros habituales donde Larkin ejerce de villana, acumulando poder para llegar a la alcaldía y donde una vez que se sabe que Wincott es un infiltrado, su fin es acabar con él de cualquier manera y se resume en dos escenas. Una , la que tiene lugar en un taller, donde junto a otros dos Peace Makers y donde se suceden unas coreografías espectaculares, cuya responsable fue Karen Sheperd, a pesar de que ella no sale y donde las espectaculares patadas y saltos, movimientos, innovadores de aquella, de Parkour, son una delicia para los amantes de las artes marciales.

Y llegamos al final, un clímax brillante donde Wincott y Hues nos dejan un brillante epílogo marcial, donde ambos demuestran una brillante condición física y donde las patadas laterales y una final giratoria impactante donde hace atravesar a Hues por una cristalera a la altura de un tercer piso en el preciso instante en el que Larkin hace su discurso de investidura como nueva alcaldesa.

CONCLUSIONES:

Como Avedon, Speakman, Dacascos o Bradley entre otros, Wincott merecía mejor suerte en el cine de acción. De todas las películas que hizo, ésta es la mejor sin duda, gracias a una condición física envidiable y unas dotes marciales de nivel altísimo, pero no sólo él sino Karen Sheperd también, que era mejor artista marcial a mi modo de ver que el propio Wincott.

Esta película es de obligada visión para los que crecimos con el cine de serie B videoclubero. Una joya marcial , de la que muchos directores de acción podían tomar nota , con espectaculares secuencias hechas de modo artesanal, sin uso de cables , sólo con sus puños y sus piernas.

NOTA OCHENTER 8/10